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“HIPO-GNOSIS” (proyecto)

“Mitología subjetiva, esqueletización, imagen y paisaje sonoro: una inmersión hipnótica hacia el centro incandescente del ojo del caballo de Selene.”

Miguel Guzmán en ISLANDIA

Por Susan Campos Fonseca

Fachada de ISLANDIA (inauguración de "DESDE 6"), 16/12/2011.

Anomalía, intervención de una calle de Madrid que de por sí convoca a la acción, ISLANDIA (c/La Palma 67), nos invita a penetrar en el cuerpo de una experiencia invasiva. Pequeño “caballo de Troya” que lleva dentro de sí un imaginario mitológico, el mythos como constructor de realidad. Inaugurado el 24 de septiembre de 2011, este “espacio desierto de soledad creación compartida”, como indica en su égida, alberga actualmente una instalación de Miguel Guzmán titulada “DESDE 6″, que reúne, como indica el autor, varias piezas desarrolladas a partir del estudio de la cabeza de un caballo de Selene del frotón Este del Partenón (British Museum).

"DESDE 6", instalación en ISLANDIA (detalle), 16/12/2011.

Conocí el arte de acción de  Miguel en LAPIEZA (c/La Palma 15),  destacando para mí su performance “Ahogué a Irma en el Insomnio de Dirdam”, -trabajo que analizaré en otro momento, ya que me interesa como un caso de “feminismo queer”-, pero volvamos a ISLANDIA. La cabeza del caballo de Selene remite a una memoria, historia sacrificial del mythos que la instalación invita a penetrar. El espacio aparentemente reducido de la sala nos engaña, entramos y en la puerta, a dos bandas, un cencerro inmóvil y un bosque de hojas secas de abeto resuenan en un paisaje sonoro que Guzmán (colaborador de El Intruso), ha creado para abducirnos. Sí, entramos… a ambos flancos una galería de bocetos de la cabeza galopan, el trazo otorga a cada uno pesos dispares. Sin embargo, el primer dibujo es contundente, el trazo remite a una vibración, una onda de sonido que se retuerce tomando forma, hilo que encontramos brotando del ojo de una escultura al fondo de la habitación, un altar, punto de fuga, como el aparato de televisión, que contiene el audiovisual “DESDE 6/STEAMMOON”, y el vídeo que se proyecta en la pared, extraído del audiovisual. La habitación se expande. Las cabezas siguen galopando marcando el recorrido de nuevo hacia la puerta. No existen más salas que las abiertas por la experiencia hipnótica, “hipo-gnótica” en este caso, que la cabeza del caballo, en sus desdoblamientos, nos induce. El paisaje sonoro lo reitera, lo replica en ambos vídeos (televisión y pared), que a modo de “multiversos” la memoria acústica del campo abierto lleva fuera de sí en una pequeña habitación, “espacio desierto de soledad creación compartida”. Pero ¿eso es ISLANDIA?

"Workshop" con Miguel Guzmán (27/12/2011).

La pregunta queda abierta, la invitación extendida… por mi parte la experiencia “hipo-gnótica” continúa como proyecto de investigación en colaboración con Miguel Guzmán e Iván M. Valencia, provocadores de este inusitado proyecto en una calle  impasible.

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“Workshops” con Miguel Guzmán e Iván M. Valencia en ISLANDIA: 20, 27/12/2011. Fotos hechas con iPhone: Susan Campos (16/12/2011) e Iván M. Valencia (27/12/2011).
Nota en la web de ISLANDIA.

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El cuerpo replicante

Paula Lloveras en LAPIEZA ART SERIES

Por Susan Campos Fonseca

Escuchar un cuerpo no es cosa fácil, cuando Juan Antonio Ramírez publicó Corpus solus: para una mapa del cuerpo en el arte contemporáneo (2003), nos facilitó una “corpografía” de la creación a la que apelo hoy como método conceptual frente a las series de Paula Lloveras.

Cartel oficial - LAPIEZA ART SERIES

Conocí su obra entretejida en un espacio sui géneris de Malasaña, LAPIEZA (c/La Palma 15), como parte de sus ART SERIES. Dentro del ecosistema híbrido generado por la “instalación mutante” que es LAPIEZA,  encontré palpitando unos cuerpos que, por su naturaleza, no tendrían porque generar vida alguna. Iconos pop como Barbie o las princesas Disney, bebés blancos y rechonchos con la boca perforada para juegos infantiles… todos envueltos en plástico como en una sesión sadomasoquista.

Sus piezas parecían replicar una erótica del poder que era a su vez anatomías des-membradas. PUPAS –WRAPPED DOLLS llama la artista a estos juegos ritualizados, que transforman cuerpos de resina y plástico en organismos envueltos por un tejido plástico. Como Aracne, Lloveras los deja así, depositados como alimento, huevos o semillas. Pero ¿de qué tipo? ¿en qué suelo pueden florecer estos objetos? ¿qué tipo de fertilidad ha depositado en ellos? Da la impresión de que con este procedimiento, Lloveras propusiera otra visión de la Naturaleza, de su faceta “orgánicamente artificial”. Siendo así, estos engendros producto de la Cultura, de los juegos del homo consumer, permiten a Lloveras la acción de detenerse a escuchar la “vida” que de ellos emana, “vida” que pretende conservar o prolongar envolviéndolos como si el tejido transparente y plástico retuviera su último aliento.

"PUPAS" de Paula Lloveras - LAPIEZA ART SERIES

De este modo Lloveras juega también con la asociación de sus PUPAS y un ecosistema: la ciudad. Otro componente de sus series entretejidas en LAPIEZA, sus STREK-POST ARQUITECTURE, creadas a través de acciones mínimas sobre objetos diversos. Destacan sus intervenciones sobre disquetes de ordenador, cajas de VHS u otros recipientes similares, objetos de memorias audiovisual que Lloveras interviene libremente con líneas rectas blancas y negras, creando planos que remiten a ecos de ciudades que, una vez más, como Aracne, deposita ante nosotros. Ofrenda que en sus ONLINE PHOTO SERIES, ejercicios de “fotocubismo” (como les llama la autora), compone, re-configura y re-significa utilizando detalles de paisajes urbanos, acciones sobre cuerpos, objetos y vivencias cotidianas, utilizando el social media como espacio para compartir la intervención y su acción.

"Workshop" con Paula Lloveras.

Las series de Paula Lloveras son, podría decirse, cuerpos replicantes cuya fertilidad reta al pensamiento en otras formas de Naturaleza.

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“Workshop” con Paula Lloveras en LAPIEZA: 20/12/2011.

La “caja metafísica” de Coriún Aharonián

Por Susan Campos Fonseca

Coriún Aharonián. Foto: Susan Campos©2010.

Este 16 de noviembre de 2010, el compositor, musicólogo y docente uruguayo Coriún Aharonián (1940), reconocido como ciudadano ilustre de Montevideo este 2010, autor de textos paradigmáticos como “¿Otredad como autodefensa o como sometimiento? Una encrucijada para el compositor del Tercer Mundo” (1996); compartió algunas reflexiones sobre su música en la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), invitado por el Departamento interfacultativo de música de dicha institución. Los asistentes tuvieron la oportunidad de escuchar a una de las mentes más lúcidas y conocedoras de la creación musical actual, y lo digo en términos generales y no sólo acotado al espacio Latinoamericano, aunque Aharonián tituló su conferencia “Autorretrato de compositor en paisaje latinoamericano”.

Conferencia de Coriún Aharonián en la UAM. Foto: Susan Campos©2010.

El título respondía quizás, a la estructura a través de la cual el compositor organizaría la audición de una introducción a su pensamiento musical, desde su experiencia como creador y estudioso de la música contemporánea (académica y popular), acotándose a cuestionamientos estéticos e ideológicos, desde su posición como latinoamericano. Y digo audición, porque fue una de esas escasas oportunidades en que, durante una conferencia, se escucharon completas las obras que eran traídas al debate. Algo que se agradece, sobre todo cuándo quizás esta sea la única oportunidad que tendrán los asistentes, españoles y europeos fundamentalmente, estudiantes en su mayoría, de escuchar estas obras. Pero además, porque Aharonián seleccionó no partituras fetiche de la creación de autores latinoamericanos, sino “piezas”, y nunca mejor dicho, neurálgicas para una consideración de los “ejercicios de autorepresentación” y “apropiación de gramatical” (citando a Alejandro L. Madrid), que durante el siglo XX y XXI, han ocupado la creación musical de estos autores. De entre las obras citadas quisiera destacar  “Planos” del mexicano Silvestre Revueltas,  “Motet em re menor (Beba coca cola)” de brasileño Gilberto Mendes,  “Mestizo” del propio Aharonián, y “Tríprica” para charangos amplificados del compositor boliviano Cergio Prudencio, uno de los creadores más interesantes en el panorama actual, por su elaboración conceptual de la historia aural (auditiva) del patrimonio vivo de su país.

Jorge Oteiza "Caja metafísica" (1958)

En relación a su pensamiento musical, Aharonián compartió reflexiones puntuales sobre el “sentido del tiempo” (duración), en relación a una “escucha concentrada” de la obra musical contemporánea; su búsqueda de “procesos no discursivos” y la “verdad expresiva” (interna); la utilización de la “reiteración” y no de la “repetición” como herramienta comunicativa; la “austeridad” como medio para con “la menor cantidad de elementos decir lo máximo posible”; la utilización de “lo violento al lado de lo tierno” como medios de contraste; la idea de “lo primitivo” versus “lo civilizado” (como elementos críticos);  la utilización del artificio y el artefacto (medios, instrumentos) entendiéndolos desde su carga ideológica e histórica; la yuxtaposición y sobreposición de lo “tímbrico-textural”…  Y la búsqueda de lo esencial, a partir de la pregunta por “lo humano en el sonido”, y  la concepción del “silencio como espacio sonoro”. Siendo estos dos últimos los ejes de un pensamiento objetual y conceptual que, retomando una anécdota del propio  Aharonián (1), puede ser ilustrado por la  “Caja metafísica” de Oteiza. Porque su música es un espacio complejo al que no puede uno acercarse con ideas preconcebidas, espacio sonoro-existencial, metafísico si se quiere, que inquiere sobre la relación entre el ser humano y el sonido.

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(1) “Relativa a cómo durante sus años de estudiante de Arquitectura, conoció al escultor vasco, durante una conferencia que éste dictó mientras visitaba el Uruguay”.

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Como citar esta reseña:

Campos Fonseca, Susan. “La caja metafísica de Coriún Aharonián”. En: MousikéLogos, 17 de noviembre de 2010.

La conversación continúa en:

Campos Fonseca, Susan. “Entrevista con Coriún Ahanorián”. En: Música y Educación Núm. 86 Año XXlV 2, Junio 2011, pp. 6-10.

Marvin Camacho estrena su exégesis quijotesca

por Susan Campos Fonseca

Zamira Barquero junto a la Orquesta de cámara de la UCR, bajo la batuta de Luis Diego Herra, durante el estreno.

Zamira Barquero junto a la Orquesta de cámara de la UCR, bajo la batuta de Luis Diego Herra, durante el estreno.

El compositor costarricense Marvin Camacho, catedrático de la Universidad de Costa Rica (UCR), Premio Nacional de Música en 2007, y recientemente ganador del Premio ACAM 2010 en la categoría de “música formal”, por su Sonata Dal Inferno, contenida en el CD “Presagios” (2010), grabada por el pianista cubano Leonardo Gell Fernández-Cueto; estrenó este 23 de junio su Preludio Sinfónico Un hombre llamado don Quijote para soprano y orquesta (sobre el poema “Cautivo” de Mario Alberto Marín), bajo la batuta del director y compositor costarricense Luis Diego Herra, y la soprano, también costarricense, Zamira Barquero, en el marco de la Temporada 2010 de la Orquesta de cámara de la UCR, en un concierto multitudinario realizado en el Teatro Melico Salazar, contando con la presencia de autoridades de la Universidad como la Dra. María Pérez Yglesias Vicerrectora de Acción Social, y Virginia Borloz Soto Directora de Extensión Cultural, y teniendo como invitada especial a la catedrática española Begoña Lolo, de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), a quien está dedicada la obra, reconocida musicóloga, y directora del proyecto de investigación “Cervantes y el Quijote en la música”.

Hace un año fue Marvin Camacho quien visitó España, invitado a la segunda edición del Congreso Internacional vinculado a dicho proyecto, donde estrenó personalmente sus “Tres Quijotadas para piano”, e hizo entrega de la partitura del preludio estrenado este junio, al Exmo. Rector de la UAM, evento que reseñamos en “Marvin Camacho cervantista musical”. En esta ocasión, un año después, es la Dra. Lolo quien visita Costa Rica, para dictar una serie de conferencias en la UCR, teniendo por eje “El Quijote como fuente de inspiración en la música”. Las conferencias, celebradas en el Auditorio Abelardo Bonilla de la Escuela de Estudios Generales, en el marco de los “Lunes culturales”, y en la Escuela de Artes Musicales (ambos en la Sede Central), y una última en la Sede del Atlántico (Turrialba), de la UCR. Con el objetivo de informar acerca de estos importantes eventos, hemos entrevistado vía correo electrónico al director y pianista costarricense Walter Morales, director titular de la Edgewood Symphony Orchestra (EE.UU.), y al filólogo costarricense, también cervantista, Leonardo Sancho Dobles, profesor de la UCR, quienes estuvieron presentes tanto en el estreno como en las conferencias.

Marvin Camacho después del estreno, frente a la orquesta recibiendo los aplausos del público.

Marvin Camacho después del estreno, frente a la orquesta recibiendo los aplausos del público.

Preguntamos al director de orquesta cuáles fueron sus impresiones sobre la partitura orquestal de Camacho, Morales respondió: “¡La obra de Marvin es una maravilla! La primera parte es de un gran contenido dramático y es muy imponente. ¡En la introducción orquestal se escucha todo el drama del Quijote! El uso de la orquesta es muy imaginativo y se nota la gran técnica de escritura para orquesta de Marvin Camacho. En particular me impactó el uso del registro grave de las cuerdas y de los metales para describir la tragedia de la escena. El elaborado uso de la percusión le da a la obra un gran colorido. La obra esta llena de muchos detalles novedosos en la orquestación. Entre los detalles más inusitados y efectivos es el uso de un coro hablado ejecutado por los músicos que tocan en la orquesta. La sutil y simple entrada de la soprano solista es de gran efecto luego de haber experimentado todo el rango de la orquesta. El contraste es fantástico y nos transporta a la espiritualidad interna del Quijote y su mundo idealizado. La obra requiere una soprano dramática (estilo Isolda) que pueda declamar las líneas en el registro medio y cortar la textura magnifica de la orquesta. La exclamación vocal final en el registro agudo crea un climax magnífico para este maravilloso poema sinfónico. Escuchando la obra me queda muy claro la capacidad y potencial increible de Marvin como compositor orquestal. Hay muchos compositores talentosos a quienes la orquesta les queda muy grande. A Marvin la orquesta sinfónica le queda perfecta como instrumento de expresión y exploración.” [1]

Don Quijote cautivo, según Gustave Doré.

Don Quijote cautivo, según Gustave Doré.

El filólogo Leornardo Sancho, por su parte, comentó: “me llamó mucho la atención el manejo instrumental, pues aunque no soy musicólogo pero sí cervantista, pude evocar eventos y pasajes como el de los molinos de viento y otras aventuras en las que la locura del personaje se convierte en tristeza y angustia ante la derrota o el cautiverio.  Considero que el texto seleccionado para la cantante fue el indicado para representar el momento que se quería evocar –el regreso del personaje enjaulado y el fin de su segunda salida- en el cual  se evidencia la sensación de la derrota pero también la expectativa de reiniciar la aventura.  En el sentido de la estructura de la obra hubo un momento significativo y vanguardista también, particularmente cuando la sección de vientos pronuncia una serie de frases en voz alta alentando al caballero andante, lo cual me sugirió todavía más esa sensación ambigua entre desvarío y esperanza.” Asimismo, Doble nos informa del encuentro entre la Dra. Lolo y el aclamado escultor costarricense José Sancho, ya que Marvin Camacho “es un apasionado de las artes visuales también”. Durante esta reunión conversaron con el escultor sobre arte en general, especialmente, según indica Dobles, “sobre la obra de Calatrava en Valencia y de la posibilidad, en un futuro, de una visita a la Ciudad de Bilbao para conocer el Museo Guggenheim. Como Begoña es de origen vasco le estuvo haciendo una serie de observaciones sobre el proyecto del museo y su relevancia dentro de la cultura de la ciudad.” [2]

Podemos comprobar que el estreno propició una oportunidad de intercambio cultural especialmente significativo, fortaleciendo los vínculos entre investigación, creación y desarrollo.

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Notas:

[1] Correo electrónico de Walter Morales, con fecha del 2 de julio del 2010, publicado con autorización del autor.
[2] Correo electrónico de Leonardo Sancho Dobles, con fecha del 2 de julio del 2010, publicado con autorización del autor.
- Fotografías cortesía de Rodolfo Rodríguez Blanco, 23 de junio de 2010, Teatro Melico Salazar-

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Como citar este artículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Marvin Camacho estrena su exégesis quijotesca”. En: Semanario universidad, 28 de julio-03 de agosto de 2010, Edición 1861, Año XIV, Universidad de Costa Rica.

La electroacústica ritual de Otto Castro

Este 16 de septiembre el compositor costarricense Otto Castro estrenó sus Cantos de La Llorona, un montaje que combina leyenda, compromiso social, denuncia, electrónica, mestizaje y conjunto de intrumentos “históricos”, una propuesta innovadora en el marco de la creación musical “de-arte” en Costa Rica, que además contó con el apoyo del Centro Cultural de España (San José), la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), y la participación del Grupo de Música Antigua Ganassi, la fotógrafa Adela Marín, la modelo Raquel Tutillo, el diseñador Mario Acosta y la actriz María Bonilla.

Hemos entrevistado al compositor en el marco del estreno, conversando con él, entre otras cosas,  sobre sus proyectos,  la situación de la música electroacústica en el orbe,  y su labor como gestor cultural.

Susan Campos (SC): Quisiera iniciar felicitándote por el trabajo que has realizado y la valiente impronta que significa dar vida a Cantos de La Llorona, obra sobre la que volveremos más adelante, y a la que dedico un artículo en la prestigiosa revista española Música y Educación. Por esa razón quisiera iniciar preguntándote por tu entorno creativo directo, el centroamericano.

Otto Castro. Fotografía cortesía de Mario Acosta, 2009.

Otto Castro. Fotografía cortesía de Adela Marín, 2009.

 

Otto Castro (OT): En general, hay bastante movimiento sobre todo en la música local, música alternativa y músicas regionales. Ahora, otro tema es la música contemporánea, la cual creo que es bastante irregular. En algunos países centroamericanos hay más movimiento que en otros. A pesar de que cada país está tan cercano se siente una distancia inmensa de miles de kilómetros, debido a la poca circulación de las obras creada por los compositores de cada país y sus posibilidades de difusión. Por otro lado, hay pocas revistas musicales que engloben el tema de la composición contemporánea, sobre todo la producción musical centroamericana a un nivel serio, crítico y profundo.

SC: Bueno, justamente por eso nació Mousiké Logos en La Retreta… pero estoy de acuerdo contigo en que existen pocos espacios críticos dedicados a las músicas en general, y las publicaciones “musicológicas” pecan de “cientifísmo”. Ahora bien, ¿cómo se vincula Costa Rica  a la creación de “Música de Arte” centroamericana?

OT: Costa Rica me parece que está viviendo uno de sus mejores tiempos y que esto podría ir en aumento, si los gestores, promotores y compositores e instituciones siguen manteniendo la voluntad de generar encuentros que propicien el diálogo y la producción compositiva. Uno de los festivales que más éxito ha tenido es el Seminario de Composición Musical (SCM), cuyo creador es el maestro Eddie Mora y que ahora está co-dirigido por el maestro Alejandro Cardona. Pienso que iniciativas como el SCM o el Taller Latinoamericano de Composición Musical dictado por Cardona y “Repercusiones” de la Universidad Nacional, (UNA) son las que pueden dar un impacto en los compositores emergentes y propiciar a largo plazo un ambiente muy próspero para la creación musical. Por supuesto, ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) juega un papel de vital importancia, como protector de nuestro patrimonio intangible y como patrocinador de varias de estas propuestas.

SC: ¿Y cuál ha sido tú desarrollo creativo en este contexto?

OT: Estas iniciativas han calado en mi motivación hacia la composición ya que permiten conocer la producción tanto local como internacional, fortaleciendo el encuentro que el compositor tiene con los instrumentistas. Varias de mis obras nacieron de estos eventos. Los Anudados, por ejemplo, nació de un llamado de obras que hiciera el maestro Eddie Mora, mis Cantos de La Llorona que se estrenó con un rotundo éxito el mes pasado, fue provocado en gran medida por el Taller Latinoamericano de Composición Musical.

Mesa redonda en el Centro Cultural de España (San José), antes del estreno de "Cantos de La Llorona".

Mesa redonda en el Centro Cultural de España (San José), antes del estreno de "Cantos de La Llorona". Fotografía cortesía de Mario Acosta, 2009.

 

SC: Muy interesante, es loable que los compositores costarricenses se apoyen de esta manera, pero saliendo del ámbito local ¿qué vinculaciones tiene tu obra con la creación musical latinoamericana e internacional?

OT: Mi ligamen con la escena internacional es muy fuerte, dado que la música electroacústica apenas empieza en Costa Rica. Aunque hay algunas muestras desde hace treinta años, no es sólida la producción y estas primeras obras se hicieron con muy buena voluntad, pero en muchas hay una falta de técnica a nivel de composición. Estos pioneros, tampoco se preocuparon por establecer alguna escuela, que permitiera a las generaciones futuras amalgamar conocimiento sobre este tipo de música.

Volviendo a mi relación con el movimiento internacional, pues sí, por suerte tengo muchos amigos, gente que me ha apoyado y ha creído en mi obra,  debo hacer notorio el apoyo de María Clara Vargas Cullel, quien fue una de las primeras personas en escuchar mis inquietudes.

Estos hicieron posible mi desarrollo. Regularmente viajo como invitado algún festival internacional o mi obra se graba en compilaciones. Ahora mismo, estoy terminando una obra para Fagot y electrónica que será ejecutada por Cindy Bolandi en España (1), actualmente estoy recibiendo variados encargos a nivel internacional y creo que esto se debe en parte;  a mi obra y por otra, a que hay más movimiento afuera de Costa Rica, que dentro del país. Debo mencionar que poco a poco esto ha ido cambiando, este año recibí el encargo de Isabel Jeremías, directora del Cuarteto de Fagotes Phoenix. La experiencia fue genial, junto a esta circunstancia; el conjunto de música antigua Ganassi acaba de estrenar mi obra. Gracias a esto,  proyectos futuros  comienzan a generarse.

SC: Interesante. Ahora háblanos de tu labor como gestor cultural.

OT: En el año 2000 recibí un curso breve sobre gestión cultural, impartido por el gestor español Juan Sánchez, en el Centro Cultural de España. Desde entonces; quede enamorado de esta especialización. La gestión cultural se ha convertido para mí, en otra forma de enriquecer el panorama musical costarricense. Mi mayor interés en esta área es promover el trabajo que hacen nuestros músicos costarricenses dentro del ámbito de la música formal.

Otto Castro y Mario Acosta trabajando con Ganassi. Fotografía cortesía de Adela Marín, 2009.

Otto Castro y Roberto Fournier trabajando con Ganassi. Fotografía cortesía de Adela Marín, 2009.

 

SC: ¿Qué proyectos has gestionado?

OT: Hay muchos proyectos que he gestionado y de muy diferentes perfiles, algunos de ellos son: Listo para embalaje (presentado por primera vez en el Centro Cultural de España, después en la Universidad Veritas), el Festival de Música Antigua (I, II y III), el Festival Fusión (las versiones en el Centro Cultural de España), el ciclo mensual: De música y músicos (Centro Cultural de España), el espacio de música clásica: Sonoridades (Centro Cultural de España), varios proyectos interdisciplinarios como: Mala Fe (año 2002), Transurbano (año 2004) y el último: Cantos de La  Llorona (año 2009) presentación y CD ejecutado por el grupo GANASSI, otros como encuentros con músicos y compositores como los de: Thomas Beimel (Alemania), Eloy Cortinez (Chile – Italia), “Esculpiendo el Sonido” con Pablo Chin, “Encuentro” con Mauricio Pauly y Federico Reuben.

También trabajé como gestor independiente para el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, desde allí realicé Intercambios, un espacio dedicado a confrontar músicos y artistas visuales. Por último, el proyecto con el que más he sentido que he aportado al medio musical costarricense es el CD: Antología de Música Electroacústica Costarricense. Oscilador. Vol I., el cual trabaje gracias al apoyo del programa de Identidad, Cultural, Arte y Tecnología (ICAT) de la Universidad Nacional.

SC: ¿En que trabajas actualmente? ¿Qué impacto tiene tu trabajo creativo y tu gestión en la educación musical costarricense?

OT: Constantemente los profesores de secundaria me envían algunos de sus alumnos a entrevistarme, de forma periódica participo en conferencias o charlas para estudiantes de colegio con el fin de dar a conocer lo que hacemos en la música electroacústica. Es una experiencia formidable, tener la posibilidad de brindar el conocimiento a gente más joven que uno y sembrar de algún modo inquietudes que pueden o no germinar. A nivel de educación superior he tenido el apoyo de Guillermo Rosabal en sus cursos de Historia, esto me ha permitido conocer nuevos instrumentistas que comienzan a interesarse por obras mixtas. Hace tres años el Maestro Luis Diego Herra me brindó su clase de composición para darle a los muchachos un curso introductorio a la música electroacústica, esto fue algo sumamente interesante y que disfrute mucho.

De manera permanente, ofrezco en estudio cursos y talleres de forma privada, en los cuales se establece diálogo, crítica y contemplación sobre los nuevos lenguajes musicales, la composición contemporánea, los software libres y especializados para la creación electroacústica; así como su debida contextualización histórica y vinculada con otros lenguajes del arte. Espero de esta forma sembrar una semilla e inquietud de investigación en las generaciones más jóvenes.

Ofrecer a las nuevas generaciones la información necesaria que les permita conocer, apreciar y difundir la música contemporánea, sobretodo la música electroacústica, es mi mayor interés.

Otto Castro junto a Ganassi, Adela Marín (de pie izq.) y Mario Acosta (de pie der.), el equipo que realizó "Cantos de La Llorona".

Otto Castro junto a Ganassi, Adela Marín (de pie izq.) y Roberto Fournier (de pie der.), parte del equipo que realizó "Cantos de La Llorona".

 

SC: Ahora pasemos a Cantos de La Llorona. Háblanos de esta yuxtaposición RITUAL entre conjunto de “música antigua” centroeuropea/colonial, leyenda mestiza, y “electrónica” ¿qué pretendes plantear?

OT: Cantos de La Llorona tiene distintos niveles de planteamiento, estos fueron pensados, primero estableciendo una guía, mapa o diagrama, por medio de la cual se construyó cada nivel de la obra y dentro de estos subniveles se planteó un objetivo específico con un fuerte componente de exploración.

Por ejemplo,  en la parte de instrumentación, me propuse trasladar la imagen sonora que yo tenía en mi memoria de los Sones de Tehuantepec. “La Sandunga” y por supuesto, “La Llorona”. Pensando en  hacer sustituciones de los instrumentos originales de ejecución a los instrumentos antiguos.

La instrumentación era conformada originalmente por guitarra, requinto y bajoquinto,  debiendo ser sustituida por la del Grupo de Música Antigua Ganassi. Para ello establecí relaciones entre: guitarra-tiorba, requinto-flautas alto o sopranino, y bajoquinto – viola da gamba. En algunas versiones actuales de esta música se incluye marimba, así que incluí el clavecín como el instrumento de percusión.

Otro aspecto muy importante que se dio debido a la recomendación de una amiga musicóloga (Tania Vicente), fue el establecer una relación histórica con la obra: Los Ympossibles, del compositor español Santiago de Murcia (1682 – 1732), cuya melodía es la misma de La Llorona, con la única diferencia que en su texto cuenta la historia de un hombre y su desamor por una mujer. La obra es parte del Códice Saldivar y es el número cuatro. En realidad,  con este último dato confirmé la idea de cerrar un círculo, una vuelta a sus orígenes y por ende un regreso a los míos también, ya que por mucho tiempo quise escribir una obra para este tipo de agrupación, ya que en 1991 fui miembro del CUMA (Conjunto Universitario de Música Antigua).

En el área de la electroacústica, tomé como punto de encuentro la cadencia frigia contenida en La Llorona original, varias decisiones partieron del número seis o de la distancia de sexta establecida por esta cadencia en la obra.

Otro punto importante, fue la utilización de las “Coplas de La Llorona”, específicamente en los registros sonoros que hiciera la actriz costarricense María Bonilla. En algunos casos, este material concreto fue utilizado de forma mimética, pero en otros aplique conocimientos  de la escuela espectral, extractando la información del espectro de los archivos que tenía, ordenándolos por medio de Excel y generando nuevamente sonido por medio de un programa de síntesis: Csound. Este material (el espectral) también generó por conversión las notas y las armonías, haciendo el mismo proceso. Todo esto con la diferencia de tener como referencia el marco de afinación temperada, para provocar resultados exactos que se tradujeran  a notas exactas en un pentagrama y  no a frecuencias libres.

Cantos de La Llorona se convirtió en un gran laboratorio, en donde llevé a cabo las cosas que siempre había soñado hacer, esto unido a la paciencia y voluntad de los músicos profesionales del Grupo Ganassi. Gracias a ellos pude concretar y dar forma al planteamiento de una obra bastante particular, como es esta.

Es relevante anotar que la obra fue posible gracias también al apoyo patrocinador del Centro Cultural de España en Costa Rica.

SC: Pues desde Madrid quedamos a la espera del CD, a razón de tener una opinión más objetiva acerca de la obra. Gracias Otto.

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NOTA (1) El concierto de Cindy Bolandi fue cancelado.

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Como citar este artículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “La electroacústica ritual de Otto Castro”, en LA RETRETA, Año II, Nº 4 (volumen en preparación), 2009.

BUENAS NOTICIASOtto Castro, Premio Nacional “Aquileo Echeverria” de Composición (Costa Rica 2009), por sus “Cantos de la Llorona” (19/01/2010)

Retrato de compositoras: RIMA VARGAS

Por Susan Campos Fonseca

Rima Vargas, compositora costarricense.

Rima Vargas, compositora costarricense.

Continuando con nuestra línea editorial, dedicada a crear un espacio de reflexión para la música de arte en Centroamérica,  en esta tercera edición de nuestra sección “Retrato de compositoras”, conversamos con la creadora costarricense María del Carmen Vargas Fernández (RIMA VARGAS), nacida en San Ramón de Alajuela (Costa Rica), en septiembre de 1962. Graduada en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica-UCR en 1986, donde estudió percusión, canto y composición musical. Obtuvo la licenciatura en Composición en 1994, y en la Universidad Estatal a Distancia-UNED Costa Rica), la licenciatura en Ciencias de la Educación en 1999. Cursando en el 2003 su primer año del Doctorado interdisciplinario en Letras y Artes en América Central de la Universidad Nacional-UNA.
Siendo una de las primeras especialistas en Costa Rica en edición musical por ordenar, ha colaborado en publicaciones de la UCR, la UNA, la Editorial Costa Rica, la UNESCO, la Coordinación Educativa y Cultural Centroamericana, el Periódico “Al Día” y otras instituciones relacionadas, además de proyectos independientes. Miembro de la Junta Directiva del Foro Costarricense de la Educación Musical, se ha desempeñado como docente en la Universidad de Costa Rica, y el Colegio Metodista, donde labora actualmente.
Luego de esta brevísima presentación, entramos en nuestra conversación con Rima Vargas, iniciando con su última obra,  creada en el marco del proyecto “Cervantes y El Quijote en la Música” de la Universidad Autónoma de Madrid-UAM, dirigido por la Dra. Begoña Lolo, proyecto al que se ha visto vinculada por invitación nuestra, al comisionarle una obra de temática cervantina, solicitud que dio como resultado su quinteto para cuerdas y piano titulado “La Ínsula Barataria”, basada en los Capítulos II, 40, 41, 44, 45, 47, 49, 51 y 53, de la novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra. Uniéndose a la ópera “La Bella Mora” (1847) de Escolástico Andrino, la cantata “Loa al Hombre” (2005) de Germán Cáceres, y el Poema Sinfónico “Un hombre llamado Don Quijote” (2008) de Marvin Camacho, las únicas obras de temática cervantina conocidas en Centroamérica. Siendo  este aspecto especialmente relevante, dada la proximidad del Congreso Internacional Cervantes y  El Quijote en la música del siglo XX. Tradición y vanguardia, que tendrá lugar en Madrid los días 4, 5 y 6 del presente año 2009. Razón por la cual hemos publicado “La Ínsula Barataria” en nuestra Colección Mousiké Logos de LA RETRETA, dedicando, a su vez, este espacio a su creadora.

Susan Campos (SC): Rima, nos interesa conocer cuál fue el proceso de creación de “La Ínsula Barataria”, los parámetros estéticos de la obra, y su  contexto en el marco de tu producción musical.

Monumento a Sancho Panza en Alcalá de Ebro.  Portada de nuestra edición de "La Ínsula Barataria" (2009) de Rima Vargas.

Monumento a Sancho Panza en Alcalá de Ebro. Portada para nuestra edición de "La Ínsula Barataria" (2009) de Rima Vargas.

Rima Vargas (RV): Es una obra atonal que intenta describir musicalmente la situación vivida por Sancho Panza en la Ínsula Barataria. Según la lectura los duques de Villahermosa hacen entrega de la isla al escudero Sancho Panza, lo nombran gobernador para someterlo a la burla. Curiosamente, gracias a los sabios consejos de Don Quijote, Sancho realiza un trabajo excelente alcanzando dignidad y justicia. Esta es una historia que inicia como una cruel aventura, pero finalmente y para sorpresa de todos Sancho domina la situación. La obra inicia con un tema lento y misterioso que intenta describir las maquinaciones de los duques que  planean burlarse de Sancho, luego el tema desemboca en un segundo tema más movido que muestra el ingenio de Sancho, su trabajo y esfuerzo, las disonancias que sobresalen dentro de este segundo tema tiene el fin de presentar una dicotomía entre la lucidez y la locura. Al final de la obra se escucha un pequeño solo en el Cello el cual toma una célula del tema inicial, presentándolo varias veces de forma rápida, esto representa de una manera jocosa, un Sancho que sale triunfador.

SC: Según recuerdo, me comentaste que la idea de poner en música tu lectura de la Ínsula Barataria vino de la contemplación de una plaza del mismo nombre en la institución educativa donde desarrollas tu actividad docente actualmente. Tú vida creativa se divide entre la educación y la composición, cómo llevas esta dualidad.

RV: A pesar de que la educación en un principio no fue mi objetivo, se ha convertido en mi vida y mi sustento. Disfruto montones trabajar con adolescentes, siempre son un reto para mi, aprendo muchísimos de ellos(as). Amo la música y siempre es un placer enseñar a otros lo que amo. El único inconveniente con la educación es que me absorbe bastante, no me deja mucho tiempo para la composición, espero que eso cambie con el tiempo. La composición siempre ha sido la expresión de mis más profundos sentimientos, cuando logro escuchar la ejecución de una de mis obras y materializar ese profundo sentimiento, encuentro la forma de compartir con los demás lo que creo, lo que alguna vez imaginé. Por ejemplo, actualmente en una obra para acordeón clásico, producto de mi encuentro con el Jesús Mozo-Colmenero, quien recientemente estuvo en Costa Rica realizando varios conciertos. Para ello estoy desarrollando la melodía del canto de un pájaro. Otro proyecto, aunque por ahora pendiente, es componer un Poema Sinfónico que incluyera una pequeña sección cantada, basado en alguna obra de un escritor costarricense, pero por ahora es sólo una idea. Para ello quisiera utilizar sonoridades indígenas y latinoamericanas, Como vez, al concebir una obra musical generalmente inicio por una idea melódica, de la cual extraigo una serie a partir de la cual experimento varias combinaciones sonoras, que luego desarrollo rítmica y secuencialmente, además, generalmente comienzo por la parte central de la obra, y luego realizo la introducción, termino con el final.

SC: El tuyo es un proceso arquitectónico invertido, recuerdo cuando trabajé tu concierto para saxofón y orquesta, una obra cuidadosamente estructurada, atonal por cierto… quizás esto resulte contraproducente para el lector considerando que los conceptos “idea melodía” y “serie”, no suelen asociarse en este tipo de lenguaje. En todo caso, “La Ínsula Barataria” responde más a una estética postmoderna. Ahora bien, háblanos de tu colaboración con la Asociación costarricense de mujeres en la música, un proyecto especialmente interesante desde mi punto de vista.

RV: En cuanto a la Asociación Costarricense de mujeres en la música, claro es un proyecto interesante, he asistido a alguna de sus reuniones, su promotora es Ana Isabel Vargas Dengo, actual presidenta de la Asociación en Costa Rica. Ella desarrolla una gran labor en la proyección de las compositoras e interpretes costarricenses dentro y fuera del país, y se ocupa de mantenerlas informadas sobre  las diferentes actividades en marcha a nivel internacional. Actualmente soy la tesorera de la asociación.

SC: Creo que es un proyecto muy interesante, supe que a principios de año dedicaron un concierto monográfico a Virginia Mata, una compositora prácticamente olvidada en los anales de la cultura costarricense, además, Zamira Barquero, junto con su equipo en la UCR, publicarán próximamente un Diccionario de Mujeres en la Música de Costa Rica. Ahora bien, ¿cuál es tu opinión sobre la música de arte en Costa Rica?

Benjamín Gutiérrez junto busto que le dedicó el Teatro Nacional de Costa Rica.

Benjamín Gutiérrez junto busto que le dedicó el Teatro Nacional de Costa Rica.

RV: En nuestro país el nivel de la música llamada “académica” es de bastante calidad en las universidades estatales, tuve el privilegio de contar con excelentes maestros. A pesar de ser un país pequeño, Costa Rica cuenta con grandes músicos, eso demuestra la buena calidad de nuestra formación musical, es algo que me llena de orgullo. Debo mucho a mis profesores: Enrique Cordero. A quien considero el mejor profesor de teoría de la musical que se pueda tener. Al Dr. Bernal Flores, excelente compositor con un gran conocimiento en la teoría y la composición musical. Sus estudios en el Sistema Hansoniano me ayudaron a ver las estructura musicales de un manera libre y sencilla, donde es posible construir y analizar cualquier combinación sonora. El maestro Benjamín Gutiérrez, mi maestro, quien me dedicó muchísimo de su tiempo, me enseño todo lo que sé sobre instrumentación y orquestación. Admiro muchísimo su estilo y su lenguaje musical, que ha influido en toda mi obra. Soy su más “fiel” discípula.
Creo que nuestro ser latinoamericano nos da un aire nuevo, un mundo nuevo, una sonoridad nueva, un lenguaje nuevo, un ritmo nuevo, siento que los latinos aún tenemos mucho que decirle al mundo. Es una cultura que en cuanto a la música de arte está dando grandes pasos, me fascina ser parte de todo esto.  Conozco y admiro la música de otros compositores centroamericanos, como Roque Cordero de Panamá, Joaquín Orellana y Jorge Sarmientos de Guatemala. Algunas de sus ideas musicales podrían significar un buen intertexto en alguna de mis composiciones. En Centroamérica existe un gran bagaje musical, que combina la  música indígena con la influenza europea y los ritmos latinoamericanos, pienso que esto se constituye en un rico material a la hora de buscar ideas para la composición.

SC: Coincido contigo, por eso necesitamos estudiar y difundir nuestra música. Ha sido un placer conversar contigo, espero que “La Ínsula Barataria” se estrene muy pronto. Muchas gracias Rima.

Como citar este atículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Retrato de compositoras: Rima Vargas”, (en Mousiké Logos) LA RETRETA, Año II, Nº3, Julio-Septiembre, San José de Costa Rica, 2009.

Entrevista a Carlos Colón-Quintana: Música de arte centroamericana

Por Susan Campos Fonseca

Carlos Colón Quintana, en su casa de Texas, EEUU.

Carlos Colón Quintana, en su casa de Texas, EEUU.

Hemos conversado con el compositor y director coral salvadoreño Carlos Colón-Quintana, director de la revista EL SALVADOR MUSICAL, acerca de la música contemporánea en El Salvador y Centroamérica, en el marco de su propia actividad creativa. Iniciamos así una correspondencia con otras comunidades académicas musicales en Centroamérica, esperando que encuentren en LA RETRETA un espacio de intercambio y comunicación, una vitrina dónde la “Música de Arte” creada en nuestros países dialogue con entre sí y con el los lectores que nos visitan.

Susan Campos (SC): Estimado Carlos, ¿Cuál es tu actividad musical en El Salvador actualmente?
Carlos Colón (CC): En el XI Festival de Música Contemporánea (Feb. 2008) la Orquesta Sinfónica Nacional estrenó mi poema sinfónico “Contra La Muerte”, inspirado en la novela Hombres Contra La Muerte, del escritor salvadoreño Miguel Angel Espino. Este año en el XII Festival, se presentará mi ciclo de canciones “Queja con Alas”, con la mezzo-soprano Claudia Acosta. Acabo de ser nombrado al Consejo Científico, Académico y de Investigación de Salvadoreños en el Mundo; y espero que esto abra otras oportunidades.

SC: Muy interesante, me parece fundamental que se organicen los intelectuales y creadores centroamericanos que viven en el exterior, creo que los salvadoreños nos da un ejemplo que los costarricenses deberíamos seguir, ya no solo con asociaciones locales en otros países, sino con un Comité Internacional, como ha hecho ustedes, que promueva nuestra cultura y ciencia en el mundo, eso si, como sociedad independiente que colaborada con el otros organismos gubernamentales o privados.
Ahora bien, sé que desarrollas tu actividad principal en los Estados Unidos (EEUU), puede hablarnos de ella, y comentarnos qué proyección tiene tu trabajo a nivel internacional.

CC: En los EEUU, estoy en proceso de transición a compositor a tiempo completo. Para mí esto implica el escribir mas activamente para coros, pues es allí donde hay más apoyo. ¡Y hay muchos coros!  Tengo una buena relación con varios grupos corales, pero la más importante es con The Texas Voices, un grupo profesional.

Carlos Colon, Armstrong Browning Library, Baylor University,2008

Carlos Colon, Armstrong Browning Library, Baylor University,2008

SC: Con The Texas Voices vas a estrenar este 1 de marzo de 2009 tu Requiem “Las Lamentaciones de Rufina Amaya”,  y el diciembre pasado incluyeron en su concierto de navidad tu obra Weary is the World, es formidable.
Creo que es importante que nos informes como conseguir tu música, quiénes la están editando.
CC: Tengo varias composiciones y arreglos de música comercial y educativa. Pero éstos no están incluios en mi catálogo. En éstos momentos se prepara una edición de mi ciclo de canciones “Claves para voz y ensamble instrumental”. La editora será el Boletín Música de la Casa de las Américas en La Habana.  Y acabo de iniciar mi propia compañía, Carlos Colón Music, para distribuir, alquilar, y promocionar mi música.

SC: Excelente, nosotros en Mousiké Logos de LA RETRETA nos unimos al Boletín de Música de Casa de las Américas publicando en esta edición (marzo-abril) tu obra “Canción y Danza”, para contrafagot y piano, que, además, esta dedicada a la prestigiosa fagotista costarricense Leyla Zamora, y será estrenada en Costa Rica por la fagotista y soprano nacional Mercedes Sánchez, a quien hemos contactado especialmente con este motivo.
Por esa razón nos gustaría que comentaras a nuestros lectores cómo definirías tu estética, y en que marco de influencias se coloca.

CC: Yo empecé como modernista, evolucioné a post-impresionista, y a post-modernista. Pero después encontré, bajo el desafío de Scott McAllister, mi propia voz. El me retó a que mi “salvadoreñidad” se escuchara en mi música, y me animó mucho cuando eso empezó a suceder. Pero ésta ocurre como un punto de referencia en el contexto de un lenguaje universal.

SC: Dado que estás en un proceso creativo bastante interesante, ¿cuáles son tus proyectos a futuro?
CC: ¡Demasiados! Pero éstos incluyen música coral para varios conciertos:
1- Marzo 1, Se presentará mi requiem en Dallas, TX.
2- Mayo 7 y 8: dos programas diferentes en la Universidad de Baylor con varias composiciones vocales y corales.
3- Presentación de mi música en la Convención de Salvadoreños en el Mundo en Puebla, Mexico.

SC: Esperamos que todos se realicen exitosamente. Ahora bien, nos gustaría conversar contigo en relación a la actualidad de la música “contemporáneo-académica” en Centroamérica, cuál es tu opinión.
CC: Estamos pasando por un buen momento. Hay compositores en toda el área que están produciendo obras de calidad. Y las tales se están presentado por todo el planeta. Esta tendencia empezó en el Siglo XX con grandes compositores centroamericanos de la talla de Benjamín Gutiérrez, Enrique Solares, y Jorge Sarmientos para mencionar a algunos. Y continúa hoy por toda el área.
Pero a nivel local nos falta abrir más espacios. Quizá sea diferente en Costa Rica, pero me gustaría que la actividad musical no se centrara en las ciudades capitales. Para eso, los compositores, estudiantes, y gestores culturales necesitan aprender a incluir más a su pueblo.

El director y compositor salvadoreño Germán Cáceres, uno de los maestro de Carlos Colón-Quintana.

El director y compositor salvadoreño Germán Cáceres, uno de los maestro de Carlos Colón-Quintana.

A nivel internacional, se puede hacer un inventario de gente como Germán Cáceres, Marvin Camacho, Carlos J. Castro, tu servidor, y los mismos Maestros Gutiérrez y Sarmientos. Y verás que nuestra música se está ejecutando por todos los continentes. Lo que hace falta, por supuesto, es que uno de nosotros emerja…

SC: Comparto tu preocupación por el centralismo metropolitano de la gestión cultural en nuestros países. A este respecto, cuál ha sido tu experiencia como compositor en El Salvador, en el marco de la práctica musical salvadoreña.

CC: Ha sido mixta. Por un lado disfruto el hecho de que he encontrado allí varias puertas abiertas. Pero por el otro lado habemos muy pocos dedicándonos a la música académica. La educación musical en todos los niveles ha sido relevada al plano secundario. Y hasta la fecha, no se puede en El Salvador obtener una carrera universitaria en música. Aunque, a Dios gracias, hay varios que están tratando de cambiar esto. Eso quiere decir que las oportunidades son mas reducidas para otros. Y muchos músicos formados en el exterior no sienten la motivación para regresar. Con la ayuda de otros, yo estoy tratando de encontrar este talento y de hacer (aunque sea poco) algo porque se sientan motivados a compartir sus talentos en su país, aunque sea de vez en cuando.En El Salvador hemos tenido la fortuna de tener a un “salvadoreñista” por excelencia, el Dr. Germán Cáceres, director de la Orquesta Sinfónica (la única a tiempo completo) por muchos años. El Maestro Cáceres es graduado de Julliard y el Cincinatti Conservatory; y su exigente estándar de profesionalismo, ha creado importantes precedentes. Digna de mencionar, es también la labor del Maestro salvadoreño Joseph Karl Doetsch. Juntos, estos hombres de presencia titánica, continúan inspirándonos a seguir mas allá, siempre retando nuestras posibilidades.

SC: Háblanos de tus colegas compositores/as salvadoreños/as y su relación con otros compositores del istmo (Centroamérica, Panamá y el Caribe).
CC: Esta se limita por el momento, a mis colaboraciones con Germán Cáceres, y Manuel Carcache, cuya música también me ha intrigado. A través de LA RETRETA pude ver una partitura de Marvin Camacho, la cual muestra mucha madurez e imaginación. Aparte de eso, tengo varios intercambios dinámicos con compositores estadounidenses y sudamericanos. Lo cual es importantísimo. Los compositores no debemos funcionar en un mundo aislado.

SC: Estamos de acuerdo contigo, por eso esperamos que esta breve conversación sea una de muchas… Gracias a Carlos Colón-Quintana, y a ustedes, lectores, por venir a LA RETRETA.

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Como citar este atículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Entrevista a Carlos Colón-Quintana: Música de Arte centroamericana”, (en Mousiké Logos) LA RETRETA, Año II, Nº2, Abril-Junio, San José de Costa Rica, 2009.


Entrevista al compositor Alejandro Cardona acerca de sus nuevos proyectos

Por Susan Campos  Fonseca

El compositor costarricense Alejandro Cardona, al igual que Marvin Camacho, ha trabajado recientemente con colegas mexicanos en varias producciones discográficas dedicadas a su música, hemos conversado con él en MOUSIKE LOGOS acerca de sus nuevos proyectos.

Susan Campos (SC)- ¿Cuáles han sido los proyectos que has desarrollado en México recientemente?

Alejandro Cardona (AC)- “En realidad se trata de 3 proyectos diferentes y uno que todavía no empieza:

El primero comenzó el año pasado y terminó recientemente. Se trata de un disco que será editado, con suerte, para fin de año con el sello Quindecim de México y contiene mi cuarto cuarteto de cuerdas titulado “Ruidos… Voces… Canciones lejanas”, basado en la novela Pedro Páramo de Juan Rulfo. Esta obra se grabó en México D.F. (Sala Revueltas de los Estudios Churubusco) con la participación del Cuarteto Latinoamericano. También saldrá en este disco la obra “Moyugba Orisha” para violoncello solo (grabado en Monterrey con Alvaro Bitrán, cellista del Cuarteto LA) y los dos primeros cuadernos de la serie “Tlanéhuatl”, para piano, que fueron grabados por Walter Morales (tico radicado en EE.UU.). Todo el material fue masterizado por Bogdan Zawistowsky en México D.F.

El segundo proyecto fue mi participación en un nuevo disco del ONIX Ensamble. Se grabó mi obra “Zachic 4″ para piano, violín, violoncello, flauta y clarinete. Todavía no se sabe cuándo saldrá el disco.

Cartel oficial para el estreno de "Orfeo y Euridice" de Alejandro Cardona.

Cartel oficial para el estreno de "Orfeo y Euridice" de Alejandro Cardona.

El tercero es la grabación (que terminaré la próxima semana) de la música para la obra escénico-musical “Orfeo y Eurídice, el destierro de la serpiente” que monto actualmente con la coreógrafa y bailarina Vicky Cortés. Se estrenará en el Teatro de la Danza en San José el 23 de octubre y estará en cartelera dos fines de semana, hasta el 2 de noviembre. La música, para quinteto instrumental y quinteto vocal) fue grabada, en su parte instrumental, por el ONIX Ensamble y ahora iré a terminar de grabar las voces (cinco voces, un grupo tipo madrigalísta). La dirección musical está a cargo de Samuel Pascoe, maestro de la Escuela Nacional de Música.

Estos dos últimos proyectos se han grabado en el estudio STAR TRACK, del ingeniero Roberto de Elías.”

SC- ¿Cómo ha sido la experiencia?

AC- “En todas estas grabaciones he tenido que cumplir el difícil papel de productor, aparte de mi trabajo como compositor, y también de editor en algunos casos (obra para violoncello y las dos para piano). Afortunadamente se trata de trabajar con músicos muy consolidados y de una alta calidad interpretativa, lo que ha permitido sacar unos productos de alto nivel.”

SC - ¿Hay algún proyecto relacionado con los tres anteriores que nos has comentado?

AC- “Ahora estoy a la espera de la grabación (en Tijuana) de una obra que se estrenó en mayo en Centro Cultural Tijuana (CECUT). Se trata de la obra “Sweet Tijuana, danzas fronterizas” para viola y orquesta de cámara. Fue un encargo del extraordinario violista mexicano Omar Hernández-Hidalgo, y se estrenó con la Orquesta de Baja California bajo la batuta del cubano Iván del Prado. La idea es que se va a tocar en una gira por la frontera norte de México en noviembre y luego se va a grabar. De nuevo, ha sido una relación musical muy linda, tanto con Omar como con los miembros de esta camerata.”

SC- Muchas gracias Alejandro.

AC- “…gracias por interesarte siempre por mis actividades. Y saludos a los amigos de LA RETRETA.

Artículo relacionado:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Alejandro Cardona gana el VI Concurso Internacional de Composición Isla de La Gomera (Islas Canarias, 2007)”, en OPUS MUSICA, Nº 18, Septiembre 2007.

Como citar esta entrevista:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Entrevista al compositor Alejandro Cardona acerca de sus nuevos proyectos″, en LA RETRETA (columna Mousiké Logos), AÑO I, Nº 4, Septiembre-Octubre, San José de Costa Rica, 2008, ISSN: 1659-3510.