Por Susan Campos Fonseca

El segundo Congreso Internacional Cervantes y El Quijote en la música del siglo XX. Tradición y Vanguardia, celebrado en la Universidad Autónoma de Madrid, los días 4, 5 y 6 de noviembre de 2009, acogió como invitado especial al compositor costarricense Marvin Camacho, catedrático de la Universidad de Costa Rica (UCR). El Congreso, cuya primera edición fue realizada en 2005, ha sido recibido con gran interés, convirtiéndose en un espacio de reflexión pionero, dedicado a los estudios cervantinos, desde el Pensamiento musical y  las Humanidades.

A este respecto, en un comunicado oficial, el Departamento Interfacultativo de Música de la UAM, informó como: “La apertura y pluralidad de la atmósfera quijotesca en el siglo XX ha permitido mostrar en este segundo congreso cervantino unos puntos de encuentro articulados en torno a siete ejes temáticos [La recepción del ideal cervantino. El Quijote, tradición y vanguardia. Músicas cervantinas en América. Cervantes y el Quijote en las Culturas Urbanas. El Quijote en la música española del S. XX. Cervantes y el Quijote en la escena del Siglo XX: Ópera, Zarzuela, Ballet. Cervantes y el Quijote en la escena alternativa], que han reunido a especialistas de las diversas ramas del campo de las humanidades, tanto del escenario español como internacional, conformando nuevos espacios comunes de la disciplina musical a través del estudio de músicas de vanguardia y de culturas urbanas en un espacio universitario, dejando constancia, una vez más, de la interdisciplinariedad e inserción de nuevas ramas de investigación que persigue nuestro Departamento…” (Noticias, UAM, 13/11/2009)

Evento interdisciplinar. El Congreso, organizado por el Departamento Interfacultativo de Música, con patrocinio de la UAM y el Ministerio de Ciencia e Innovación, en colaboración con la Casa de Velázquez, el Centro de Estudios Cervantinos, la Asociación de Cervantistas y el Instituto Cervantes. Incluyó, además de las jornadas de ponencias y comunicaciones de prestigiosos especialistas y jóvenes estudiosos, la presentación de la colección discográfica Música y Cervantes (Columna Música) y su primer CD, “Don Quijote en el piano”, a cargo de Ana Vega Toscano, la exposición “Siete artistas de la Casa de Velázquez ilustran al Ingenioso Hidalgo”, comisionada y comisariada por el Dr. Yvan Nommick, director artístico de la Casa, y el concierto “Siete compositores ilustran al Ingenioso Hidalgo”, que incluyo obras de compositores como Manuel Angulo, Horacio de la Rosa, Sebastián Mariné, Marvin Camacho, Francesc Bonastre (catedrático de la Universidad Autónoma de Barcelona), Lothar Siemens (presidente de la Sociedad Española de Musicología-SEdeM), y José Luis Turina, actual director artístico del Auditorio Nacional (Madrid-España), de quien se interpretó, en transcripción para canto y piano, el aria de “Don Quijote”, de la ópera D.Q en Barcelona, estrenada en el Liceo de Barcelona en 2000, junto a La Fura dels Baus.

Marvin Camacho entregando su Preludio sinfónico al Exmo. Mgco. Rector de la UAM Dr. José María Sanz Martínez.

Presencia histórica. Fueron estrenos absolutos durante el Congreso, Alonso Quijano para conjunto de vientos, del prestigioso compositor, pianista y director español Sebastián Mariné, catedrático del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, presidente de la Asociación de Compositores Madrileños y director artístico del Festival COMA, junto a Tres Quijotadas de un Hidalgo para piano, de Marvin Camacho, quien ejecutó personalmente la obra el día 5 de noviembre. Pero este estreno fue sólo parte de la Agenda oficial preparada por la UAM, que incluyó una reunión con su Exmo. Mgco. Rector Dr. José María Sanz Martínez, Vicerrectores, y la directora del Congreso, catedrática Dra. Begoña Lolo, el día 18 de noviembre, con el objetivo de recibir formalmente el Preludio sinfónico Un hombre llamado Don Quijote (2008), sobre el poema “Cautivo” del poeta y filólogo costarricense Mario Alberto Marín. Obra sinfónica que el Maestro Camacho dedicó al pueblo español. A lo que se sumó una conferencia extraordinaria en el Departamento Interfacultativo de Música, donde el compositor compartió su proceso creativo con alumnos, profesores y especialistas, enfocándose, especialmente, en su “Homenaje a Frida” y “Las confesiones de San Agustín”, interpretadas al piano por él mismo. Como reconocido docente de la Escuela de Estudios Generales (Sede Central) y la Sede del Atlántico de la UCR, así como de la PanAmerican School, Marvin Camacho incluyó en su conferencia una interesante introducción a la creación musical contemporánea costarricense, presentando audiciones y comentando, en líneas estéticas generales, obras de algunos de los compositores más representativos de su país. Este interés de la comunidad académica y musical española por la obra de Camacho, ha sido precedida por la Universidad de Valladolid (2007), y la Escola Superior de Música de Catalunya-ESMUC (2008).

Próximamente. Los resultados del Congreso, al igual que en la primera edición (2005), serán publicados en un libro que contendrá el núcleo de las ponencias presentadas durante el congreso, junto a una selección de las comunicaciones, elegidas estas últimas por el Comité científico Internacional de mismo. También se publicará, en la página web del prestigioso Portal de Hispanismo (www.hispanismo.cervantes.es), una grabación del evento, tanto en audio como en video, realizada por alumnos del Grado en Historia y Ciencias de la Música de la UAM, quedando así recogida en Memoria de este evento, dedicado al “cervantismo musical”, en homenaje a la magna obra de Miguel de Cervantes. 

Como citar este artículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Marvin Camacho cervantista musical”, en LA RETRETA, Año II, Nº 4 (volumen en preparación), 2009.

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Foto cortesía del Rectorado de la UAM.

Este 16 de septiembre el compositor costarricense Otto Castro estrenó sus Cantos de La Llorona, un montaje que combina leyenda, compromiso social, denuncia, electrónica, mestizaje y conjunto de intrumentos “históricos”, una propuesta innovadora en el marco de la creación musical “de-arte” en Costa Rica, que además contó con el apoyo del Centro Cultural de España (San José), la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), y la participación del Grupo de Música Antigua Ganassi, la fotógrafa Adela Marín, la modelo Raquel Tutillo, el diseñador Mario Acosta y la actriz María Bonilla.

Hemos entrevistado al compositor en el marco del estreno, conversando con él, entre otras cosas,  sobre sus proyectos,  la situación de la música electroacústica en el orbe,  y su labor como gestor cultural.

Susan Campos (SC): Quisiera iniciar felicitándote por el trabajo que has realizado y la valiente impronta que significa dar vida a Cantos de La Llorona, obra sobre la que volveremos más adelante, y a la que dedico un artículo en la prestigiosa revista española Música y Educación. Por esa razón quisiera iniciar preguntándote por tu entorno creativo directo, el centroamericano.

Otto Castro. Fotografía cortesía de Adela Marín, 2009.

Otto Castro (OT): En general, hay bastante movimiento sobre todo en la música local, música alternativa y músicas regionales. Ahora, otro tema es la música contemporánea, la cual creo que es bastante irregular. En algunos países centroamericanos hay más movimiento que en otros. A pesar de que cada país está tan cercano se siente una distancia inmensa de miles de kilómetros, debido a la poca circulación de las obras creada por los compositores de cada país y sus posibilidades de difusión. Por otro lado, hay pocas revistas musicales que engloben el tema de la composición contemporánea, sobre todo la producción musical centroamericana a un nivel serio, crítico y profundo.

SC: Bueno, justamente por eso nació Mousiké Logos en La Retreta… pero estoy de acuerdo contigo en que existen pocos espacios críticos dedicados a las músicas en general, y las publicaciones “musicológicas” pecan de “cientifísmo”. Ahora bien, ¿cómo se vincula Costa Rica  a la creación de “Música de Arte” centroamericana?

OT: Costa Rica me parece que está viviendo uno de sus mejores tiempos y que esto podría ir en aumento, si los gestores, promotores y compositores e instituciones siguen manteniendo la voluntad de generar encuentros que propicien el diálogo y la producción compositiva. Uno de los festivales que más éxito ha tenido es el Seminario de Composición Musical (SCM), cuyo creador es el maestro Eddie Mora y que ahora está co-dirigido por el maestro Alejandro Cardona. Pienso que iniciativas como el SCM o el Taller Latinoamericano de Composición Musical dictado por Cardona y “Repercusiones” de la Universidad Nacional, (UNA) son las que pueden dar un impacto en los compositores emergentes y propiciar a largo plazo un ambiente muy próspero para la creación musical. Por supuesto, ACAM (Asociación de Compositores y Autores Musicales) juega un papel de vital importancia, como protector de nuestro patrimonio intangible y como patrocinador de varias de estas propuestas.

SC: ¿Y cuál ha sido tú desarrollo creativo en este contexto?

OT: Estas iniciativas han calado en mi motivación hacia la composición ya que permiten conocer la producción tanto local como internacional, fortaleciendo el encuentro que el compositor tiene con los instrumentistas. Varias de mis obras nacieron de estos eventos. Los Anudados, por ejemplo, nació de un llamado de obras que hiciera el maestro Eddie Mora, mis Cantos de La Llorona que se estrenó con un rotundo éxito el mes pasado, fue provocado en gran medida por el Taller Latinoamericano de Composición Musical.

Mesa redonda en el Centro Cultural de España (San José), antes del estreno de "Cantos de La Llorona". Fotografía cortesía de Mario Acosta, 2009.

SC: Muy interesante, es loable que los compositores costarricenses se apoyen de esta manera, pero saliendo del ámbito local ¿qué vinculaciones tiene tu obra con la creación musical latinoamericana e internacional?

OT: Mi ligamen con la escena internacional es muy fuerte, dado que la música electroacústica apenas empieza en Costa Rica. Aunque hay algunas muestras desde hace treinta años, no es sólida la producción y estas primeras obras se hicieron con muy buena voluntad, pero en muchas hay una falta de técnica a nivel de composición. Estos pioneros, tampoco se preocuparon por establecer alguna escuela, que permitiera a las generaciones futuras amalgamar conocimiento sobre este tipo de música.

Volviendo a mi relación con el movimiento internacional, pues sí, por suerte tengo muchos amigos, gente que me ha apoyado y ha creído en mi obra,  debo hacer notorio el apoyo de María Clara Vargas Cullel, quien fue una de las primeras personas en escuchar mis inquietudes.

Estos hicieron posible mi desarrollo. Regularmente viajo como invitado algún festival internacional o mi obra se graba en compilaciones. Ahora mismo, estoy terminando una obra para Fagot y electrónica que será ejecutada por Cindy Bolandi en España (1), actualmente estoy recibiendo variados encargos a nivel internacional y creo que esto se debe en parte;  a mi obra y por otra, a que hay más movimiento afuera de Costa Rica, que dentro del país. Debo mencionar que poco a poco esto ha ido cambiando, este año recibí el encargo de Isabel Jeremías, directora del Cuarteto de Fagotes Phoenix. La experiencia fue genial, junto a esta circunstancia; el conjunto de música antigua Ganassi acaba de estrenar mi obra. Gracias a esto,  proyectos futuros  comienzan a generarse.

SC: Interesante. Ahora háblanos de tu labor como gestor cultural.

OT: En el año 2000 recibí un curso breve sobre gestión cultural, impartido por el gestor español Juan Sánchez, en el Centro Cultural de España. Desde entonces; quede enamorado de esta especialización. La gestión cultural se ha convertido para mí, en otra forma de enriquecer el panorama musical costarricense. Mi mayor interés en esta área es promover el trabajo que hacen nuestros músicos costarricenses dentro del ámbito de la música formal.

Otto Castro y Roberto Fournier trabajando con Ganassi. Fotografía cortesía de Adela Marín, 2009.

SC: ¿Qué proyectos has gestionado?

OT: Hay muchos proyectos que he gestionado y de muy diferentes perfiles, algunos de ellos son: Listo para embalaje (presentado por primera vez en el Centro Cultural de España, después en la Universidad Veritas), el Festival de Música Antigua (I, II y III), el Festival Fusión (las versiones en el Centro Cultural de España), el ciclo mensual: De música y músicos (Centro Cultural de España), el espacio de música clásica: Sonoridades (Centro Cultural de España), varios proyectos interdisciplinarios como: Mala Fe (año 2002), Transurbano (año 2004) y el último: Cantos de La  Llorona (año 2009) presentación y CD ejecutado por el grupo GANASSI, otros como encuentros con músicos y compositores como los de: Thomas Beimel (Alemania), Eloy Cortinez (Chile – Italia), “Esculpiendo el Sonido” con Pablo Chin, “Encuentro” con Mauricio Pauly y Federico Reuben.

También trabajé como gestor independiente para el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, desde allí realicé Intercambios, un espacio dedicado a confrontar músicos y artistas visuales. Por último, el proyecto con el que más he sentido que he aportado al medio musical costarricense es el CD: Antología de Música Electroacústica Costarricense. Oscilador. Vol I., el cual trabaje gracias al apoyo del programa de Identidad, Cultural, Arte y Tecnología (ICAT) de la Universidad Nacional.

SC: ¿En que trabajas actualmente? ¿Qué impacto tiene tu trabajo creativo y tu gestión en la educación musical costarricense?

OT: Constantemente los profesores de secundaria me envían algunos de sus alumnos a entrevistarme, de forma periódica participo en conferencias o charlas para estudiantes de colegio con el fin de dar a conocer lo que hacemos en la música electroacústica. Es una experiencia formidable, tener la posibilidad de brindar el conocimiento a gente más joven que uno y sembrar de algún modo inquietudes que pueden o no germinar. A nivel de educación superior he tenido el apoyo de Guillermo Rosabal en sus cursos de Historia, esto me ha permitido conocer nuevos instrumentistas que comienzan a interesarse por obras mixtas. Hace tres años el Maestro Luis Diego Herra me brindó su clase de composición para darle a los muchachos un curso introductorio a la música electroacústica, esto fue algo sumamente interesante y que disfrute mucho.

De manera permanente, ofrezco en estudio cursos y talleres de forma privada, en los cuales se establece diálogo, crítica y contemplación sobre los nuevos lenguajes musicales, la composición contemporánea, los software libres y especializados para la creación electroacústica; así como su debida contextualización histórica y vinculada con otros lenguajes del arte. Espero de esta forma sembrar una semilla e inquietud de investigación en las generaciones más jóvenes.

Ofrecer a las nuevas generaciones la información necesaria que les permita conocer, apreciar y difundir la música contemporánea, sobretodo la música electroacústica, es mi mayor interés.

Otto Castro junto a Ganassi, Adela Marín (de pie izq.) y Roberto Fournier (de pie der.), parte del equipo que realizó "Cantos de La Llorona".

SC: Ahora pasemos a Cantos de La Llorona. Háblanos de esta yuxtaposición RITUAL entre conjunto de “música antigua” centroeuropea/colonial, leyenda mestiza, y “electrónica” ¿qué pretendes plantear?

OT: Cantos de La Llorona tiene distintos niveles de planteamiento, estos fueron pensados, primero estableciendo una guía, mapa o diagrama, por medio de la cual se construyó cada nivel de la obra y dentro de estos subniveles se planteó un objetivo específico con un fuerte componente de exploración.

Por ejemplo,  en la parte de instrumentación, me propuse trasladar la imagen sonora que yo tenía en mi memoria de los Sones de Tehuantepec. “La Sandunga” y por supuesto, “La Llorona”. Pensando en  hacer sustituciones de los instrumentos originales de ejecución a los instrumentos antiguos.

La instrumentación era conformada originalmente por guitarra, requinto y bajoquinto,  debiendo ser sustituida por la del Grupo de Música Antigua Ganassi. Para ello establecí relaciones entre: guitarra-tiorba, requinto-flautas alto o sopranino, y bajoquinto – viola da gamba. En algunas versiones actuales de esta música se incluye marimba, así que incluí el clavecín como el instrumento de percusión.

Otro aspecto muy importante que se dio debido a la recomendación de una amiga musicóloga (Tania Vicente), fue el establecer una relación histórica con la obra: Los Ympossibles, del compositor español Santiago de Murcia (1682 – 1732), cuya melodía es la misma de La Llorona, con la única diferencia que en su texto cuenta la historia de un hombre y su desamor por una mujer. La obra es parte del Códice Saldivar y es el número cuatro. En realidad,  con este último dato confirmé la idea de cerrar un círculo, una vuelta a sus orígenes y por ende un regreso a los míos también, ya que por mucho tiempo quise escribir una obra para este tipo de agrupación, ya que en 1991 fui miembro del CUMA (Conjunto Universitario de Música Antigua).

En el área de la electroacústica, tomé como punto de encuentro la cadencia frigia contenida en La Llorona original, varias decisiones partieron del número seis o de la distancia de sexta establecida por esta cadencia en la obra.

Otro punto importante, fue la utilización de las “Coplas de La Llorona”, específicamente en los registros sonoros que hiciera la actriz costarricense María Bonilla. En algunos casos, este material concreto fue utilizado de forma mimética, pero en otros aplique conocimientos  de la escuela espectral, extractando la información del espectro de los archivos que tenía, ordenándolos por medio de Excel y generando nuevamente sonido por medio de un programa de síntesis: Csound. Este material (el espectral) también generó por conversión las notas y las armonías, haciendo el mismo proceso. Todo esto con la diferencia de tener como referencia el marco de afinación temperada, para provocar resultados exactos que se tradujeran  a notas exactas en un pentagrama y  no a frecuencias libres.

Cantos de La Llorona se convirtió en un gran laboratorio, en donde llevé a cabo las cosas que siempre había soñado hacer, esto unido a la paciencia y voluntad de los músicos profesionales del Grupo Ganassi. Gracias a ellos pude concretar y dar forma al planteamiento de una obra bastante particular, como es esta.

Es relevante anotar que la obra fue posible gracias también al apoyo patrocinador del Centro Cultural de España en Costa Rica.

SC: Pues desde Madrid quedamos a la espera del CD, a razón de tener una opinión más objetiva acerca de la obra. Gracias Otto.

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NOTA (1) El concierto de Cindy Bolandi fue cancelado.

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Como citar este artículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “La electroacústica ritual de Otto Castro”, en LA RETRETA, Año II, Nº 4 (volumen en preparación), 2009.

Por Susan Campos Fonseca

Rima Vargas, compositora costarricense.

Continuando con nuestra línea editorial, dedicada a crear un espacio de reflexión para la música de arte en Centroamérica,  en esta tercera edición de nuestra sección “Retrato de compositoras”, conversamos con la creadora costarricense María del Carmen Vargas Fernández (RIMA VARGAS), nacida en San Ramón de Alajuela (Costa Rica), en septiembre de 1962. Graduada en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica-UCR en 1986, donde estudió percusión, canto y composición musical. Obtuvo la licenciatura en Composición en 1994, y en la Universidad Estatal a Distancia-UNED Costa Rica), la licenciatura en Ciencias de la Educación en 1999. Cursando en el 2003 su primer año del Doctorado interdisciplinario en Letras y Artes en América Central de la Universidad Nacional-UNA.
Siendo una de las primeras especialistas en Costa Rica en edición musical por ordenar, ha colaborado en publicaciones de la UCR, la UNA, la Editorial Costa Rica, la UNESCO, la Coordinación Educativa y Cultural Centroamericana, el Periódico “Al Día” y otras instituciones relacionadas, además de proyectos independientes. Miembro de la Junta Directiva del Foro Costarricense de la Educación Musical, se ha desempeñado como docente en la Universidad de Costa Rica, y el Colegio Metodista, donde labora actualmente.
Luego de esta brevísima presentación, entramos en nuestra conversación con Rima Vargas, iniciando con su última obra,  creada en el marco del proyecto “Cervantes y El Quijote en la Música” de la Universidad Autónoma de Madrid-UAM, dirigido por la Dra. Begoña Lolo, proyecto al que se ha visto vinculada por invitación nuestra, al comisionarle una obra de temática cervantina, solicitud que dio como resultado su quinteto para cuerdas y piano titulado “La Ínsula Barataria”, basada en los Capítulos II, 40, 41, 44, 45, 47, 49, 51 y 53, de la novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra. Uniéndose a la ópera “La Bella Mora” (1847) de Escolástico Andrino, la cantata “Loa al Hombre” (2005) de Germán Cáceres, y el Poema Sinfónico “Un hombre llamado Don Quijote” (2008) de Marvin Camacho, las únicas obras de temática cervantina conocidas en Centroamérica. Siendo  este aspecto especialmente relevante, dada la proximidad del Congreso Internacional Cervantes y  El Quijote en la música del siglo XX. Tradición y vanguardia, que tendrá lugar en Madrid los días 4, 5 y 6 del presente año 2009. Razón por la cual hemos publicado “La Ínsula Barataria” en nuestra Colección Mousiké Logos de LA RETRETA, dedicando, a su vez, este espacio a su creadora.

Susan Campos (SC): Rima, nos interesa conocer cuál fue el proceso de creación de “La Ínsula Barataria”, los parámetros estéticos de la obra, y su  contexto en el marco de tu producción musical.

Monumento a Sancho Panza en Alcalá de Ebro. Portada para nuestra edición de "La Ínsula Barataria" (2009) de Rima Vargas.

Rima Vargas (RV): Es una obra atonal que intenta describir musicalmente la situación vivida por Sancho Panza en la Ínsula Barataria. Según la lectura los duques de Villahermosa hacen entrega de la isla al escudero Sancho Panza, lo nombran gobernador para someterlo a la burla. Curiosamente, gracias a los sabios consejos de Don Quijote, Sancho realiza un trabajo excelente alcanzando dignidad y justicia. Esta es una historia que inicia como una cruel aventura, pero finalmente y para sorpresa de todos Sancho domina la situación. La obra inicia con un tema lento y misterioso que intenta describir las maquinaciones de los duques que  planean burlarse de Sancho, luego el tema desemboca en un segundo tema más movido que muestra el ingenio de Sancho, su trabajo y esfuerzo, las disonancias que sobresalen dentro de este segundo tema tiene el fin de presentar una dicotomía entre la lucidez y la locura. Al final de la obra se escucha un pequeño solo en el Cello el cual toma una célula del tema inicial, presentándolo varias veces de forma rápida, esto representa de una manera jocosa, un Sancho que sale triunfador.

SC: Según recuerdo, me comentaste que la idea de poner en música tu lectura de la Ínsula Barataria vino de la contemplación de una plaza del mismo nombre en la institución educativa donde desarrollas tu actividad docente actualmente. Tú vida creativa se divide entre la educación y la composición, cómo llevas esta dualidad.

RV: A pesar de que la educación en un principio no fue mi objetivo, se ha convertido en mi vida y mi sustento. Disfruto montones trabajar con adolescentes, siempre son un reto para mi, aprendo muchísimos de ellos(as). Amo la música y siempre es un placer enseñar a otros lo que amo. El único inconveniente con la educación es que me absorbe bastante, no me deja mucho tiempo para la composición, espero que eso cambie con el tiempo. La composición siempre ha sido la expresión de mis más profundos sentimientos, cuando logro escuchar la ejecución de una de mis obras y materializar ese profundo sentimiento, encuentro la forma de compartir con los demás lo que creo, lo que alguna vez imaginé. Por ejemplo, actualmente en una obra para acordeón clásico, producto de mi encuentro con el Jesús Mozo-Colmenero, quien recientemente estuvo en Costa Rica realizando varios conciertos. Para ello estoy desarrollando la melodía del canto de un pájaro. Otro proyecto, aunque por ahora pendiente, es componer un Poema Sinfónico que incluyera una pequeña sección cantada, basado en alguna obra de un escritor costarricense, pero por ahora es sólo una idea. Para ello quisiera utilizar sonoridades indígenas y latinoamericanas, Como vez, al concebir una obra musical generalmente inicio por una idea melódica, de la cual extraigo una serie a partir de la cual experimento varias combinaciones sonoras, que luego desarrollo rítmica y secuencialmente, además, generalmente comienzo por la parte central de la obra, y luego realizo la introducción, termino con el final.

SC: El tuyo es un proceso arquitectónico invertido, recuerdo cuando trabajé tu concierto para saxofón y orquesta, una obra cuidadosamente estructurada, atonal por cierto… quizás esto resulte contraproducente para el lector considerando que los conceptos “idea melodía” y “serie”, no suelen asociarse en este tipo de lenguaje. En todo caso, “La Ínsula Barataria” responde más a una estética postmoderna. Ahora bien, háblanos de tu colaboración con la Asociación costarricense de mujeres en la música, un proyecto especialmente interesante desde mi punto de vista.

RV: En cuanto a la Asociación Costarricense de mujeres en la música, claro es un proyecto interesante, he asistido a alguna de sus reuniones, su promotora es Ana Isabel Vargas Dengo, actual presidenta de la Asociación en Costa Rica. Ella desarrolla una gran labor en la proyección de las compositoras e interpretes costarricenses dentro y fuera del país, y se ocupa de mantenerlas informadas sobre  las diferentes actividades en marcha a nivel internacional. Actualmente soy la tesorera de la asociación.

SC: Creo que es un proyecto muy interesante, supe que a principios de año dedicaron un concierto monográfico a Virginia Mata, una compositora prácticamente olvidada en los anales de la cultura costarricense, además, Zamira Barquero, junto con su equipo en la UCR, publicarán próximamente un Diccionario de Mujeres en la Música de Costa Rica. Ahora bien, ¿cuál es tu opinión sobre la música de arte en Costa Rica?

Benjamín Gutiérrez junto busto que le dedicó el Teatro Nacional de Costa Rica.

RV: En nuestro país el nivel de la música llamada “académica” es de bastante calidad en las universidades estatales, tuve el privilegio de contar con excelentes maestros. A pesar de ser un país pequeño, Costa Rica cuenta con grandes músicos, eso demuestra la buena calidad de nuestra formación musical, es algo que me llena de orgullo. Debo mucho a mis profesores: Enrique Cordero. A quien considero el mejor profesor de teoría de la musical que se pueda tener. Al Dr. Bernal Flores, excelente compositor con un gran conocimiento en la teoría y la composición musical. Sus estudios en el Sistema Hansoniano me ayudaron a ver las estructura musicales de un manera libre y sencilla, donde es posible construir y analizar cualquier combinación sonora. El maestro Benjamín Gutiérrez, mi maestro, quien me dedicó muchísimo de su tiempo, me enseño todo lo que sé sobre instrumentación y orquestación. Admiro muchísimo su estilo y su lenguaje musical, que ha influido en toda mi obra. Soy su más “fiel” discípula.
Creo que nuestro ser latinoamericano nos da un aire nuevo, un mundo nuevo, una sonoridad nueva, un lenguaje nuevo, un ritmo nuevo, siento que los latinos aún tenemos mucho que decirle al mundo. Es una cultura que en cuanto a la música de arte está dando grandes pasos, me fascina ser parte de todo esto.  Conozco y admiro la música de otros compositores centroamericanos, como Roque Cordero de Panamá, Joaquín Orellana y Jorge Sarmientos de Guatemala. Algunas de sus ideas musicales podrían significar un buen intertexto en alguna de mis composiciones. En Centroamérica existe un gran bagaje musical, que combina la  música indígena con la influenza europea y los ritmos latinoamericanos, pienso que esto se constituye en un rico material a la hora de buscar ideas para la composición.

SC: Coincido contigo, por eso necesitamos estudiar y difundir nuestra música. Ha sido un placer conversar contigo, espero que “La Ínsula Barataria” se estrene muy pronto. Muchas gracias Rima.

Como citar este atículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Retrato de compositoras: Rima Vargas”, (en Mousiké Logos) LA RETRETA, Año II, Nº3, Julio-Septiembre, San José de Costa Rica, 2009.

Por Susan Campos Fonseca

Carlos Colón Quintana, en su casa de Texas, EEUU.

Hemos conversado con el compositor y director coral salvadoreño Carlos Colón-Quintana, director de la revista EL SALVADOR MUSICAL, acerca de la música contemporánea en El Salvador y Centroamérica, en el marco de su propia actividad creativa. Iniciamos así una correspondencia con otras comunidades académicas musicales en Centroamérica, esperando que encuentren en LA RETRETA un espacio de intercambio y comunicación, una vitrina dónde la “Música de Arte” creada en nuestros países dialogue con entre sí y con el los lectores que nos visitan.

Susan Campos (SC): Estimado Carlos, ¿Cuál es tu actividad musical en El Salvador actualmente?
Carlos Colón (CC): En el XI Festival de Música Contemporánea (Feb. 2008) la Orquesta Sinfónica Nacional estrenó mi poema sinfónico “Contra La Muerte”, inspirado en la novela Hombres Contra La Muerte, del escritor salvadoreño Miguel Angel Espino. Este año en el XII Festival, se presentará mi ciclo de canciones “Queja con Alas”, con la mezzo-soprano Claudia Acosta. Acabo de ser nombrado al Consejo Científico, Académico y de Investigación de Salvadoreños en el Mundo; y espero que esto abra otras oportunidades.

SC: Muy interesante, me parece fundamental que se organicen los intelectuales y creadores centroamericanos que viven en el exterior, creo que los salvadoreños nos da un ejemplo que los costarricenses deberíamos seguir, ya no solo con asociaciones locales en otros países, sino con un Comité Internacional, como ha hecho ustedes, que promueva nuestra cultura y ciencia en el mundo, eso si, como sociedad independiente que colaborada con el otros organismos gubernamentales o privados.
Ahora bien, sé que desarrollas tu actividad principal en los Estados Unidos (EEUU), puede hablarnos de ella, y comentarnos qué proyección tiene tu trabajo a nivel internacional.

CC: En los EEUU, estoy en proceso de transición a compositor a tiempo completo. Para mí esto implica el escribir mas activamente para coros, pues es allí donde hay más apoyo. ¡Y hay muchos coros!  Tengo una buena relación con varios grupos corales, pero la más importante es con The Texas Voices, un grupo profesional.

Carlos Colon, Armstrong Browning Library, Baylor University,2008

SC: Con The Texas Voices vas a estrenar este 1 de marzo de 2009 tu Requiem “Las Lamentaciones de Rufina Amaya”,  y el diciembre pasado incluyeron en su concierto de navidad tu obra Weary is the World, es formidable.
Creo que es importante que nos informes como conseguir tu música, quiénes la están editando.
CC: Tengo varias composiciones y arreglos de música comercial y educativa. Pero éstos no están incluios en mi catálogo. En éstos momentos se prepara una edición de mi ciclo de canciones “Claves para voz y ensamble instrumental”. La editora será el Boletín Música de la Casa de las Américas en La Habana.  Y acabo de iniciar mi propia compañía, Carlos Colón Music, para distribuir, alquilar, y promocionar mi música.

SC: Excelente, nosotros en Mousiké Logos de LA RETRETA nos unimos al Boletín de Música de Casa de las Américas publicando en esta edición (marzo-abril) tu obra “Canción y Danza”, para contrafagot y piano, que, además, esta dedicada a la prestigiosa fagotista costarricense Leyla Zamora, y será estrenada en Costa Rica por la fagotista y soprano nacional Mercedes Sánchez, a quien hemos contactado especialmente con este motivo.
Por esa razón nos gustaría que comentaras a nuestros lectores cómo definirías tu estética, y en que marco de influencias se coloca.
CC: Yo empecé como modernista, evolucioné a post-impresionista, y a post-modernista. Pero después encontré, bajo el desafío de Scott McAllister, mi propia voz. El me retó a que mi “salvadoreñidad” se escuchara en mi música, y me animó mucho cuando eso empezó a suceder. Pero ésta ocurre como un punto de referencia en el contexto de un lenguaje universal.

SC: Dado que estás en un proceso creativo bastante interesante, ¿cuáles son tus proyectos a futuro?
CC: ¡Demasiados! Pero éstos incluyen música coral para varios conciertos:
1- Marzo 1, Se presentará mi requiem en Dallas, TX.
2- Mayo 7 y 8: dos programas diferentes en la Universidad de Baylor con varias composiciones vocales y corales.
3- Presentación de mi música en la Convención de Salvadoreños en el Mundo en Puebla, Mexico.

SC: Esperamos que todos se realicen exitosamente. Ahora bien, nos gustaría conversar contigo en relación a la actualidad de la música “contemporáneo-académica” en Centroamérica, cuál es tu opinión.
CC: Estamos pasando por un buen momento. Hay compositores en toda el área que están produciendo obras de calidad. Y las tales se están presentado por todo el planeta. Esta tendencia empezó en el Siglo XX con grandes compositores centroamericanos de la talla de Benjamín Gutiérrez, Enrique Solares, y Jorge Sarmientos para mencionar a algunos. Y continúa hoy por toda el área.
Pero a nivel local nos falta abrir más espacios. Quizá sea diferente en Costa Rica, pero me gustaría que la actividad musical no se centrara en las ciudades capitales. Para eso, los compositores, estudiantes, y gestores culturales necesitan aprender a incluir más a su pueblo.

El director y compositor salvadoreño Germán Cáceres, uno de los maestro de Carlos Colón-Quintana.

A nivel internacional, se puede hacer un inventario de gente como Germán Cáceres, Marvin Camacho, Carlos J. Castro, tu servidor, y los mismos Maestros Gutiérrez y Sarmientos. Y verás que nuestra música se está ejecutando por todos los continentes. Lo que hace falta, por supuesto, es que uno de nosotros emerja…

SC: Comparto tu preocupación por el centralismo metropolitano de la gestión cultural en nuestros países. A este respecto, cuál ha sido tu experiencia como compositor en El Salvador, en el marco de la práctica musical salvadoreña.

CC: Ha sido mixta. Por un lado disfruto el hecho de que he encontrado allí varias puertas abiertas. Pero por el otro lado habemos muy pocos dedicándonos a la música académica. La educación musical en todos los niveles ha sido relevada al plano secundario. Y hasta la fecha, no se puede en El Salvador obtener una carrera universitaria en música. Aunque, a Dios gracias, hay varios que están tratando de cambiar esto. Eso quiere decir que las oportunidades son mas reducidas para otros. Y muchos músicos formados en el exterior no sienten la motivación para regresar. Con la ayuda de otros, yo estoy tratando de encontrar este talento y de hacer (aunque sea poco) algo porque se sientan motivados a compartir sus talentos en su país, aunque sea de vez en cuando.En El Salvador hemos tenido la fortuna de tener a un “salvadoreñista” por excelencia, el Dr. Germán Cáceres, director de la Orquesta Sinfónica (la única a tiempo completo) por muchos años. El Maestro Cáceres es graduado de Julliard y el Cincinatti Conservatory; y su exigente estándar de profesionalismo, ha creado importantes precedentes. Digna de mencionar, es también la labor del Maestro salvadoreño Joseph Karl Doetsch. Juntos, estos hombres de presencia titánica, continúan inspirándonos a seguir mas allá, siempre retando nuestras posibilidades.

SC: Háblanos de tus colegas compositores/as salvadoreños/as y su relación con otros compositores del istmo (Centroamérica, Panamá y el Caribe).
CC: Esta se limita por el momento, a mis colaboraciones con Germán Cáceres, y Manuel Carcache, cuya música también me ha intrigado. A través de LA RETRETA pude ver una partitura de Marvin Camacho, la cual muestra mucha madurez e imaginación. Aparte de eso, tengo varios intercambios dinámicos con compositores estadounidenses y sudamericanos. Lo cual es importantísimo. Los compositores no debemos funcionar en un mundo aislado.

SC: Estamos de acuerdo contigo, por eso esperamos que esta breve conversación sea una de muchas… Gracias a Carlos Colón-Quintana, y a ustedes, lectores, por venir a LA RETRETA.

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Como citar este atículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Entrevista a Carlos Colón-Quintana: Música de Arte centroamericana”, (en Mousiké Logos) LA RETRETA, Año II, Nº2, Abril-Junio, San José de Costa Rica, 2009.

Otto Castro (ed.): Cartografías sonoras, Editorial Perro Azul, San José, Costa Rica, 2008.

Un libro ambicioso que investiga y cuestiona la música en Costa Rica, desde el patrimonio construido hasta la práctica musical de hoy, su título: Cartografías sonoras. Del tambito al algoritmo. Una aproximación a la música en Costa Rica.

El libro incluye textos de musicólogos, pedagogos, y músicos de reconocida trayectoria, sus capítulos son: “Entre el pasado y el presente se construye la cultura tradicional de Guanacaste”, de Raziel Acevedo; “Música abierta, apuntes necesarios para la memoria, de Nerina Carmona; “La música electroacústica en Costa Rica”, de Otto Castro; “Cumbia en Costa Rica. el Swing Criollo”, de Bary Chaves Torres; “Una perspectiva de cambio social por medio de la música en la educación de la juventud costarricense del siglo XXI”, de Guillermo Rosabal; “Experiencia personal en un proceso investigativo musical del calypso limonense”, de Manuel Monestel, y un artículo sobre el rock nacional de Ana María Parra y Darren Mora.

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Reseña de Alberto Zúñiga publicada en el Suplemento Áncora del periódico LA NACION.

Jorge Taramasco, compositor uruguayo. Foto cortesía de Jorge Molinera, 2008.

CUAREIM, del compositor uruguayo residente en España Jorge Taramasco, es una obra encargada por el guitarrista español, Manuel Ruiz Salas, para su concierto en la capilla de la Universidad de Alcalá de Henares el 14 de abril de 2005, donde fue estrenada.

Su forma es A-B-A,  e intenta fusionar las armonías del flamenco andaluz con los ritmos afroamericanos del candombe uruguayo.  Su título es debido a que Cuareim es una mítica calle del barrio sur montevideano donde los negros se reunían para hacer sonar sus tamboriles bajo el ritmo del candombe.

Además, el río Cuareim, rio Quaraí en portugués, afluente del río Uruguay por la margen izquierda, se localiza en el extremo sur de la República Federativa de Brasil (región fisiográfica de Campanha, la cual comprende los Municipios de Santana de Livramento, Quaraí y Uruguayana, en el estado de Rio Grande do Sul) y al noreste de la República Oriental del Uruguay (Departamento de Artigas). El Cuareim nace sobre la llamada Cuchilla Negra dirigiéndose y desembocando en el río Uruguay en la zona denominada la triple frontera entre las Repúblicas de Argentina, Brasil y Uruguay (64º Long O; 33,52´ Lat S). Lo que le convierte en un símbolo de confluencia entre las culturas que habitan las tres naciones, un flujo bio-lógico entre historias y existencias sonoras…

Accecer a la partitura en Antología en LA RETRETA:

Nº3- “Cuareim” (para guitarra), de Jorge Taramasco (Uruguay-España, 2008), LA RETRETA (en Mousiké Logos), AÑO II, Nº 1, Enero-Febrero, San José de Costa Rica, 2009, ISSN: 1659-3510. ¡NUEVO!

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NOTICIAS: En marzo del 2009, por invitación del compositor costarricense Marvin Camacho, esta proyectado que el acordeonista español Jesús Mozo-Colmenero, bajo la dirección de Susan Campos, estrenen en Costa Rica la obra para acordeón y orquesta de cuerdas SION, de Jorge Taramasco, estrenada en una reducción para quinteto de cuerdas en el CICLO ACIMUS 2008, en el Auditorio del Museo de América. Más información próximamente.

Una vida con Teresa Carreño

Por Clara Rodríguez

Clara Rodríguez, pianista venezolana.

Mi experiencia

Cuando era niña, recuerdo que mi mamá me llevó al elegante Teatro Municipal de Caracas donde la pianista Rosario Marciano iba a tocar el piano Weber que perteneció a Teresa Carreño. Esa noche los caraqueños pudimos oír ese piano que, pienso, acababa de llegar a la ciudad natal de la célebre pianista. Rosario tocó piezas de Schubert y, seguramente, de Teresa también.

En mi casa ya había escuchado el disco que Rosario y su esposo, un pianista vienés, habían grabado con algunas de las obras de la Carreño, así como también había oído un disco en donde la misma Teresa Carreño tocaba obras de Liszt-Schubert y la Primera Balada de Chopin. Aunque la calidad de la grabación no era muy buena, era maravilloso poder oír algo del alma de esa virtuosa del piano, y más importante que virtuosa, gran artista y leyenda de nuestra memoria. Pasaron los años y Guiomar Narváez, mi profesora, me pidió que estudiara el valse Mi Teresita y, cosas de la vida, Rosario Marciano me invitó a un programa de televisón a tocarlo.

Volví a encontrarme con Carreño cuando gané la beca para ir a estudiar al Royal College of Music de Londres. Era la beca de un plan que se llamó Teresa Carreño, y en el Departamento Juvenil existe el concurso Teresa Carreño para los jóvenes pianistas que como parte del premio tocan un recital en el Bolívar Hall de la Embajada de Venezuela. Entonces en mi primer año en el Junior Department también toqué otra pieza de Teresa Carreño: Intermezzo.

¿Por qué su vida nos parece tan colorida, interesante y llena de aventura? Fue una mujer que luchó arduamente por expresar su genio. La vida nunca es fácil para un pianista y aunque ella vivió durante uno de los períodos de mayor apogeo de la profesión, era mujer y latinoamericana, lo cual parece representar algunos obstáculos más, pero era tenaz; supo dirigir su carrera enfrentándose con valentía y con la seguridad de su  habilidad artística al mundo de la música clásica y logró que se le reconociera mundialmente.

Su padre, de quien todavía se habla sobre todo por la publicación del famoso Manual de urbanidad, ha debido ser un gran pedagogo, pues le dio una base pianística excelente, escribiendo para ella cientos de estudios técnicos y luego actuó como su empresario, hasta que Teresa dejó el hogar para aventurarse sola en el mundo.

Teresa fue madre de cinco hijos y esposa de cuatro maridos. No creo que éste último hecho de su vida haya sido por escogencia sino más que nada por “mala suerte”. Su primer marido la abandonó llevándose a la hija que acababan de tener; el segundo envidiaba su talento y éxito profesional; el tercero, quien por cierto fue el primer becado del Royal College of Music de Londres, Eugene D”Albert, y quien Teresa amó profundamente,  pretendía insultarla diciéndole que ella no era capaz de entender muchas cosas de la vida europea por ser latinoamericana y en la etapa final de su relación trató de internarla en un manicomio. Fue con Arturo Tagliapietra, su cuarto marido, con quien se dice que ella encontró gran apoyo y paz. En un momento de desesperación Teresa habría dicho: “Nunca es demasiado temprano para casarse ni demasiado tarde para divorciarse”

Fue admirada por todos los grandes músicos que la oyeron. La lista es larga e incluye gente como L.M. Gottschalk, Liszt, Gounod, Rossini, Prokofiev y Claudio Arrau. Uno de los pianistas ingleses que la admiraba mucho, Gordon Green, llamó a su gata Carreño en su honor, y ya sabemos que para muchos europeos los gatos son lo más importante.

Años después de haberme graduado y de haber grabado varios CDs me interesé  grandemente por su música y Arturo González, curador del Museo Teresa Careño, y un gran apasionada de su vida y obra, me ayudó a conseguir las partituras, y me acercó a conocer más sobre la interesante vida de la pianista.

Así pasé aproximadamente dos años estudiando sus obras, siempre fascinada por su invención y la belleza de la expresión de sus composiciones, sobre todo cuando sabemos que la mayoría de las piezas las escribió siendo casi una niña. En Londres monté un espectáculo con la actriz inglesa Karin Fernald, que cuenta la vida de Teresa carreño y yo toco su música. Ese  concierto ha tenido mucho éxito, lo presentamos primero en el Royal Festival Hall, luego dos veces en el Bolívar Hall  y todavía nos lo piden en diferentes festivales. Se llama Liszt en faldas.

Luego, el maestro José Antonio Abreu y el Instituto Universitario de Estudios Musicales me invitaron a tocar un recital en un festival dedicado a Teresa Carreño en Caracas en donde toqué quince obras. Recuerdo que a raíz de  una entrevista en donde yo hablaba de mi deseo de grabar un CD con esas piezas me llamó por teléfono Morella Mendoza de Grossmann quien me dijo que ella y la Fundación MMG estaban interesados en producir el CD y unos meses mas tarde estábamos grabando en la Sala José Félix Ribas ese disco del cual estamos orgullosos.

Otro gran momento de mi vida fue cuando en el año 2003 el Teatro Teresa Carreño me invitó a tocar el recital conmemorativo de los 150 años de su nacimiento. La sala Ríos Reyna estaba llena de gente que se había trasladado de muchos rincones de Venezuela para asistir al mismo. Había una atmósfera de una emoción especial como si esos venezolanos que estaban allí en el público sintieran la importancia de estar celebrando el paso por nuestra tierra de tan insigne ser. En esa ocasión toqué obras de Liszt, Chopin, Rachmaninoff y por su puesto, de Teresa Carreño.

Acerca de Teresa Carreño

Teresa Carreño, pianista y compositora venezolana.

Teresa Carreño empezó a escribir música a muy temprana edad y el número total de sus composiciones alcanza unas setenta obras, en su mayoría para el piano. Las primeras piezas de las cuales se tiene conocimiento las compuso entre los siete y los nueve años de edad. Comprenden dos caprichos y una serie de danzas con ritmos que fueran cultivados en los salones venezolanos de la época.

Desde sus primeras presentaciones incorporó piezas de su propia autoría, las cuales fueron ampliamente celebradas por la prensa neoyorquina. Entre ellas el Valse Op.1 dedicado a su mentor L. M. Gottschalk, y luego vendrían los años de adolescencia transcurridos en Europa, siendo ésta su etapa más intensa como compositora.  En las portada de esas primeras ediciones podemos ver un retrato de Teresa Carreño muy joven, casi niña.

Piezas como La corbeille de fleurs Op.9, Le printemps Op 35, La ballade Op. 15 y la Mazurka de salón, se inscriben dentro del estilo netamente romántico y presentan efectos de virtuosismo combinados con emoción poética. Otras obras de carácter mas íntimo y en ocasiones sombrío son la serie de elegías, escritas a los catorce años tras la muerte de su madre, o Le sommeil de l’enfant dedicado a su padre, las cuales contrastan con piezas donde hay una narrativa descriptiva como en el caso de Un bal en rêve del cual podemos hacer dos interpretaciones: una, es el sueño de una niña venezolana que celebra un cumpleaños y en su parte central hay una danza que recuerda al merengue caraqueño, y otra: el tema de cumpleaños se convierte en idea fija como aquella de Berlioz en la Sinfonía fantástica en su movimiento “Un bal”.

Un rêve en mer y la Barcarola (Venecia), junto con los estudios de concierto Une revue à Prague Op.27, Intermezzo y La fausse note presentan gran bravura técnica también, pero el mas exigente desde todo punto de vista —técnica y estructuralmente— es el  impresionante Vals Gayo el cual compuso en Sidney en 1910.

El conocido vals Mi Teresita, dedicado a su hija, fue editado numerosas veces en Europa y en los Estados Unidos, y se constituyó en el ultimo bis que Teresa Carreño tocaba al final de sus recitales.

La devoción y el sacrificio que puede representar poseer un talento semejante y la manera en que Teresa Carreño lo volcó en el piano, como antes de ella lo hicieran Chopin o Liszt, son característicos de una pasión por expresar todos aquellos sentimientos humanos a través de un medio que lo permite de la manera más abstracta y sublime.

No creo que sea posible que se dé otro caso como el de Teresa Carreño, todavía no creo que se haya dado aún cuando en nuestro país ha habido y hay grandes pianistas mujeres. Hoy en día en Europa la música clásica está relegada a un puesto casi de “cenicienta”. En la prensa se le da mas importancia al pop-rock, al cine que viene de Hollywood y a la banalidad, y a pesar de eso los músicos clásicos siguen entrenándose, estudiando, tocando, promoviendo la cultura y lo más interesante: el público no deja de asistir a los conciertos y de aplaudir lo que es bueno.

El país ha sido y sigue siendo una tierra muy fértil en materia musical que ha producido músicos de alta calidad. La mentalidad venezolana afortunadamente está encaminada a seguir apoyando el desarrollo de su sociedad a través de la música de todos los géneros, incluyendo la clásica.

La figura de Teresa Carreño tiene que seguir siendo ejemplo e inspiración para Nuestra América.

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Como citas este artículo:

RODRÍGUEZ, Clara: “Una vida con Teresa Carreño” (Retrato de compositoras: TERESA CARREÑO), en Mousiké Logos de LA RETRETA, Costa Rica, Año II, Nº1, enero-febrero, 2009.

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Sitios recomendados:

Portal en memoria de Teresa Carreño

“La página de Teresa” Blog dedicado a Teresa Carreño

“Mujer libertaria, honra su ser el suelo de América: Teresa Carreño” (artículo), ENcontrARTE

NOTICIAS:

La Fundación Vicente Sojo publica “Obras completas para piano de Teresa Carreño”, presentación en Madrid, Dossier Nº6 (2009): “TRANSMÚSICAS” , Colección Mousiké Logos, en LA RETRETA, 2009, pp. 3-5.

Música “Balada” para piano de Teresa Carreño (audio)

Nos ha llegado a través del sitio RED CULTURA de Natalia Rodríguez, la noticia de que el compositor costarricense Carlos José Castro ha ganado, en los 9th Annual Latin Grammy Awards, el premio en la categoría Mejor composición de música clásica-contemporánea, convirtiéndose así, como señala Rodríguez, “en el primer costarricense en alcanzar tal logro” (aunque todos recuerden el Grammy del panameño Rubén Blades en que participó el grupo costarricense EDITUS), “… dejando muy claro que nuestro país compite codo a codo con grandes de la música internacional”. 

Desde el Suplemento Mousiké Logos en LA RETRETA, nos sumamos a las felicitaciones ofrecidas a este constante creador, cofundador desde hace varios años de la Asociación Costarricense por la Música Contemporánea, y del primer Festival Internacional de Música Contemporánea de Costa Rica, entre otros muchos proyectos dedicados a desarrollar y difundir la música creada en nuestro país. Luchador incansable a pesar de las limitaciones que el medio le ha impuesto, pues, como dice Natalia Rodríguez:

“No salió en vallas ni en enormes anuncios en los buses, ni se votó desaforadamente por él vía sms. No declararon su participación De Interés Cultural ni recibió plata del Presidente de la República. No se ha anunciado oficialmente un concierto con ninguna Orquesta para felicitarlo y mucho menos fue recibido por una multitud en el Aeropuerto Juan Santamaría.” 

En Costa Rica todavía tenemos mucho que aprender, sobre todo los políticos y administradores culturales, Carlos José Castro nos ha demostrado, una vez más, el triunfo de la voluntad de un individuo ante la ceguera de una sociedad.

Adjuntamos, en honor a Carlos, la entrevista que Natalia le realizó en RED CULTURA, publicada el 28 de noviembre del 2008: “Carlos José Castro: el valor de una voz propia”.

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Artículos relacionados:

“Interesantes y reveladoras declaraciones del compositor Carlos José Castro, ganador del premio Grammy Latino 2008″, en la ACAM.

“Compositor costarricense Carlos José Castro ganó un Grammy Latino”, en LA NACIÓN.

La revista española OPUSMUSICA ha publicado la siguiente noticia:

“Dos jóvenes músicos españoles crean la Joven Orquesta y Coro de Centro América. Los músicos valencianos David Gálvez Pintado y Rafael Serrallet crean la Joven Orquesta y Coro de Centro América, una formación internacional con 70 estudiantes hondureños, panameños, guatemaltecos, nicaragüenses y salvadoreños. La Joven Orquesta y Coros de Centro América (JOCCA) ha cosechado un gran éxito en su primer concierto, celebrado el pasado 29 de octubre en el Teatro Nacional de Panamá. Un total de 70 músicos procedentes de Panamá, Nicaragua, Honduras, Guatemala y El Salvador, componen la nueva formación musical, que ha actuado bajo la dirección artística del joven maestro David Gálvez Pintado y ha contado con la colaboración el guitarrista español Rafael Serrallet. Para Gálvez Pintado, uno de los objetivos de la creación de esta orquesta es que sirva como plataforma para el lanzamiento internacional de los jóvenes músicos centroamericanos.

A pesar de la juventud de los integrantes de la nueva orquesta, los músicos dieron en el concierto muestra de unas excelentes condiciones musicales fruto, sin duda, del intenso trabajo que durante diez días se ha llevado a cabo en el marco del primer Encuentro Internacional de la orquesta, celebrado en Panamá. Con un ambicioso programa musical que incluía el Guardainfante, obra del propio Gálvez, la Fantasía para un gentilhombre de Joaquín Rodrigo, el Amor Brujo de Manuel de Falla y el Danzón número 2 de Márquez, el público supo apreciar el talento de los intérpretes y les ofreció una calurosísima ovación. La creación de esta formación musical panamericana se ha conseguido gracias a la implicación de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), el Ministerio de Cultura, la propia Embajada de España en Panamá, el Instituto Internacional de Música Ibérica (IIMI) y otros colaboradores y patrocinadores locales.”

Más información:

http://www.jocca.org/

Correo electrónico: info@jocca.org

Tomado de “Noticias y Convocatorias” en la revista española OPUS MUSICA, Nº31 – Diciembre 2008 – Enero 2009.

La creación de un proyecto como este resulta una noticia estupenda, aunque es extraña la ausencia de músicos costarricenses, especialmente considerando su excelente nivel, estaremos al pendiente de cómo se desarrolla este proyecto, así el de su homóloga, la recientemente fundada ORQUESTA SINFÓNICA JUVENIL CENTROAMERICANA. 

Nota de la Editora:

En comunicado vía correo electrónico del 3 de diciembre del 2008, los organizadores de la JOCCA nos informan que si había un costarricense, quien asistió a título de profesor, el trompetista Juan Carlos Meza.

Portada del libro "Compositoras españolas"

“El VI Festival de Música Española de Cádiz ha sido el escenario de la presentación de la obra ‘Compositoras españolas: la creación musical femenina en España desde la Edad Media hasta la actualidad’, una recopilación sobre la composición femenina a lo largo de la historia y un extenso catálogo de autoras único hasta ahora. El libro está editado por el Centro de Documentación de la Música y la Danza del Instituto Nacional de Artes Escénicas del Ministerio de Cultura (CDMD)”.Fuente: Europapress.es

Notas de prensa dedicadas a la presentación del libro en La Voz de Cádiz, y en el Diario de Cádiz

Más detalles sobre el libro…

Temas relacionados:

Festival Ellas Crean 2008

Ciclo La composición femenina en el contexto europeo, en la Residencia de Estudiantes;

“Fémina Clásica“compositoras españolas contra la violencia de género, “La Era de Acuario” del Plural Ensemble,  

y la OCNE da “Carta Blanca” a Sofia Gubaidulina .

Reseña del libro acompañada de una reflexión crítica en OpusMusica.