Archivo de la categoría: Estudios de performance

“HIPO-GNOSIS” (proyecto)

“Mitología subjetiva, esqueletización, imagen y paisaje sonoro: una inmersión hipnótica hacia el centro incandescente del ojo del caballo de Selene.”

Miguel Guzmán en ISLANDIA

Por Susan Campos Fonseca

Fachada de ISLANDIA (inauguración de "DESDE 6"), 16/12/2011.

Anomalía, intervención de una calle de Madrid que de por sí convoca a la acción, ISLANDIA (c/La Palma 67), nos invita a penetrar en el cuerpo de una experiencia invasiva. Pequeño “caballo de Troya” que lleva dentro de sí un imaginario mitológico, el mythos como constructor de realidad. Inaugurado el 24 de septiembre de 2011, este “espacio desierto de soledad creación compartida”, como indica en su égida, alberga actualmente una instalación de Miguel Guzmán titulada “DESDE 6”, que reúne, como indica el autor, varias piezas desarrolladas a partir del estudio de la cabeza de un caballo de Selene del frotón Este del Partenón (British Museum).

"DESDE 6", instalación en ISLANDIA (detalle), 16/12/2011.

Conocí el arte de acción de  Miguel en LAPIEZA (c/La Palma 15),  destacando para mí su performance “Ahogué a Irma en el Insomnio de Dirdam”, -trabajo que analizaré en otro momento, ya que me interesa como un caso de “feminismo queer”-, pero volvamos a ISLANDIA. La cabeza del caballo de Selene remite a una memoria, historia sacrificial del mythos que la instalación invita a penetrar. El espacio aparentemente reducido de la sala nos engaña, entramos y en la puerta, a dos bandas, un cencerro inmóvil y un bosque de hojas secas de abeto resuenan en un paisaje sonoro que Guzmán (colaborador de El Intruso), ha creado para abducirnos. Sí, entramos… a ambos flancos una galería de bocetos de la cabeza galopan, el trazo otorga a cada uno pesos dispares. Sin embargo, el primer dibujo es contundente, el trazo remite a una vibración, una onda de sonido que se retuerce tomando forma, hilo que encontramos brotando del ojo de una escultura al fondo de la habitación, un altar, punto de fuga, como el aparato de televisión, que contiene el audiovisual “DESDE 6/STEAMMOON”, y el vídeo que se proyecta en la pared, extraído del audiovisual. La habitación se expande. Las cabezas siguen galopando marcando el recorrido de nuevo hacia la puerta. No existen más salas que las abiertas por la experiencia hipnótica, “hipo-gnótica” en este caso, que la cabeza del caballo, en sus desdoblamientos, nos induce. El paisaje sonoro lo reitera, lo replica en ambos vídeos (televisión y pared), que a modo de “multiversos” la memoria acústica del campo abierto lleva fuera de sí en una pequeña habitación, “espacio desierto de soledad creación compartida”. Pero ¿eso es ISLANDIA?

"Workshop" con Miguel Guzmán (27/12/2011).

La pregunta queda abierta, la invitación extendida… por mi parte la experiencia “hipo-gnótica” continúa como proyecto de investigación en colaboración con Miguel Guzmán e Iván M. Valencia, provocadores de este inusitado proyecto en una calle  impasible.

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“Workshops” con Miguel Guzmán e Iván M. Valencia en ISLANDIA: 20, 27/12/2011. Fotos hechas con iPhone: Susan Campos (16/12/2011) e Iván M. Valencia (27/12/2011).
Nota en la web de ISLANDIA.

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El cuerpo replicante

Paula Lloveras en LAPIEZA ART SERIES

Por Susan Campos Fonseca

Escuchar un cuerpo no es cosa fácil, cuando Juan Antonio Ramírez publicó Corpus solus: para una mapa del cuerpo en el arte contemporáneo (2003), nos facilitó una “corpografía” de la creación a la que apelo hoy como método conceptual frente a las series de Paula Lloveras.

Cartel oficial - LAPIEZA ART SERIES

Conocí su obra entretejida en un espacio sui géneris de Malasaña, LAPIEZA (c/La Palma 15), como parte de sus ART SERIES. Dentro del ecosistema híbrido generado por la “instalación mutante” que es LAPIEZA,  encontré palpitando unos cuerpos que, por su naturaleza, no tendrían porque generar vida alguna. Iconos pop como Barbie o las princesas Disney, bebés blancos y rechonchos con la boca perforada para juegos infantiles… todos envueltos en plástico como en una sesión sadomasoquista.

Sus piezas parecían replicar una erótica del poder que era a su vez anatomías des-membradas. PUPAS –WRAPPED DOLLS llama la artista a estos juegos ritualizados, que transforman cuerpos de resina y plástico en organismos envueltos por un tejido plástico. Como Aracne, Lloveras los deja así, depositados como alimento, huevos o semillas. Pero ¿de qué tipo? ¿en qué suelo pueden florecer estos objetos? ¿qué tipo de fertilidad ha depositado en ellos? Da la impresión de que con este procedimiento, Lloveras propusiera otra visión de la Naturaleza, de su faceta “orgánicamente artificial”. Siendo así, estos engendros producto de la Cultura, de los juegos del homo consumer, permiten a Lloveras la acción de detenerse a escuchar la “vida” que de ellos emana, “vida” que pretende conservar o prolongar envolviéndolos como si el tejido transparente y plástico retuviera su último aliento.

"PUPAS" de Paula Lloveras - LAPIEZA ART SERIES

De este modo Lloveras juega también con la asociación de sus PUPAS y un ecosistema: la ciudad. Otro componente de sus series entretejidas en LAPIEZA, sus STREK-POST ARQUITECTURE, creadas a través de acciones mínimas sobre objetos diversos. Destacan sus intervenciones sobre disquetes de ordenador, cajas de VHS u otros recipientes similares, objetos de memorias audiovisual que Lloveras interviene libremente con líneas rectas blancas y negras, creando planos que remiten a ecos de ciudades que, una vez más, como Aracne, deposita ante nosotros. Ofrenda que en sus ONLINE PHOTO SERIES, ejercicios de “fotocubismo” (como les llama la autora), compone, re-configura y re-significa utilizando detalles de paisajes urbanos, acciones sobre cuerpos, objetos y vivencias cotidianas, utilizando el social media como espacio para compartir la intervención y su acción.

"Workshop" con Paula Lloveras.

Las series de Paula Lloveras son, podría decirse, cuerpos replicantes cuya fertilidad reta al pensamiento en otras formas de Naturaleza.

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“Workshop” con Paula Lloveras en LAPIEZA: 20/12/2011.

ACCIÓN “DIVA”

DÉCIMA EDICIÓN DE LA SINERGIA PALMA CENTRAL

Cartel oficial de LAPIEZA International Contemporary Relational Art Series

Dedicada a Regina Fiz

Claudia Yepes (soprano), María Palacios (cello), ANAMUSMA (Junk Art)
Susan Campos Fonseca (dirección musical y artística)
Equipo Técnico: Jorge Molinera y Carlos González.

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“DIVA es la apertura de una propuesta relacional, está pensada como deslocalización temporal de la voz operística y su re-escenificación al servicio de  la performance (LA PIEZA press). La escenografía sonora de DIVA constituye una propuesta mnemotécnica basada en el “borrowing” (música sobre músicas), la improvisación “live-electronic”, y el junk art. Está integrada dentro de una Serie pensada como performance extensiva y acumulativa, un “©ALTAR”, compuesto por acciones de “feminismo queer”. La idea de este altar nació con la muerte de Amy W., al observar la naturaleza de los altares que brotaban alrededor de su casa y las dinámicas relacionales que crecían a su alrededor. Un estudio de este fenómeno y los revival vinculados con la figura de A.W. y su música, fueron aunando cuerpos de divas a cuya existencia trágica nuestra sociedad rinde especial tributo, como María Callas o Marilyn Monroe. DIVA constituye por lo tanto el “primer acto”, podría decirse, de un monodrama que explora la iconoclástica contemporánea basada no solo en el difícil equilibrio entre tradición e innovación, sino en el binomio Eros-Pathos. En esta ocasión, la acción se centra en la idea de la Prima Donna, de la Pop Star, de la “D-Queen”, como deidad contingente cuya figura, basada en el artificio y el deseo, alimenta imaginarios sociales.  Este es un proyecto de investigación trans-disciplinar, que invita a reflexionar sobre qué cuerpos son objeto de nuestra memoria, y cómo entendemos la historia de las mujeres a través de ellos.” – Susan Campos F.

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Performance operística+instalación relacional. La Acción DIVA abrirá además la presentación de una nueva instalación en LAPIEZA (SERIES 30+31+32), con obras de TOÑO CAMUÑAS, FRANCISCO MATEOS, ÁNGELA MONGE, LUIS PADRERA, LUCÍA C PINO, EDUARDO CAJAL, YREALYDAD, TOMOTO, ESLOMO, MANUEL MAQUEDA, MARISA CAMINOS, MARÍA ENRÍQUEZ, SEBAS BEYRO, y FREDRIK LUND.

DIVA en LAPIEZA (detalle "onírico"). Foto cortesía de Jorge Molinera©2011

“DIVA TEASER” by TOMOTO FILMS

Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias “Fallen Diva”

“Fallen Diva” de Andrew Stevovich (1981-82).

El Centro de Estudios Brasileños y el Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la USAL ofrecen, el próximo 16 de diciembre, la conferencia titulada “Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias ‘Fallen Diva'”, impartida por la Dra. Susan Campos Fonseca, de la Universidad Autónoma de Madrid. La conferencia propone una introducción interdisciplinar que combina el estudio del jazz en Latinoamérica y en las comunidades latinas de los Estados Unidos, añadiendo a esto su relación con España. La conferencia plantea las siguientes preguntas: ¿es el jazz latino una audiotopía, un espacio simbólico construido en sonotipos a través de performances sociales? Más aún, tratándose de una forma de arte que rinde culto al instante, a la poiésis del sí mismo/a ¿Qué sucede cuando se trata de un tipo de latinidad que no está ni propiamente dentro ni propiamente fuera, cuando el caso es “una mujer actual, rubia y pianista de jazz”, brasileña residente en Nueva York: Eliane Elias ¿Qué ocurre cuando un icono del jazz latino coincide con un icono del jazz estadounidense: Diana Krall. Cuando ideas sólidas sobre músicas se vuelven líquidas. Susan Campos Fonseca, filósofa de la cultura y directora musical, expondrá al debate estas y otras preguntas durante la charla que ofrecerá en el Palacio Maldonado, a partir de las 12:00 horas. La entrada es libre hasta completar el aforo. (Leer más)

*CEB_USal_AGENDA*

TRABAJOS RELACIONADOS:
-CAMPOS FONSECA, Susan.  “Four Women de Nina Simone: el cuerpo como memoria”. En: ITAMAR. Revista de investigación musical: territorios para el arte,  Año 2010, Nº 3, Valencia: Rivera editores/Universitat de València, pp. 167-175.
– CAMPOS FONSECA, Susan. “¿Una habitación propia en el “Jazz Latino”?”. En: IASPM@Journal, Vol. 1, Nº2 (2010).
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El hoy como performance según Vinila

El cuerpo como memoria (6)

Por Susan Campos Fonseca

Vinila por G. López Mañas para The Secret Carnival (2010)

Sumándose a otras agrupaciones de Europa y Estados Unidos exploradoras y cómplices de ese rockabilly underground al que me aficiono cada vez más, Vinila von Bismark y el trío madrileño The Lucky Dados, han conseguido un buen trabajo con su disco The Secret Carnival, aunque en vivo no resultan tan convincentes. Sin embargo reconocimiento no les falta, así que no me detendré en este aspecto(1).

La granadina Irene López Mañas (alias Vinila), encarna en sus complejos performance un tipo de transgresión cuya carga histórica y fuerza erótica merecen un estudio riguroso, del cual comparto aquí algunos matices. Porque lo felliniano de su espectáculo requiere no solo de la musicología feminista, sino de esa musicología queer todavía ausente en España (2), así que nos queda mucho por hacer. En síntesis, no basta decir que lo de Vinila es “marketing” y cruzarse de brazos. Los videos de “Evil Circus” junto a The Lucky Dados, dirigido y escrito por Ana Ibañez Lario (ANICASKLUS) en colaboración con la dirección fotográfica de Gustavo López Mañas, al igual que “I`m a man”, donde comparte protagonismo con Olga Blanco, son dos excelentes ejemplos. Se necesita aquí de una rigurosa investigación capaz de degustar la alquimia carnal mediada por la música entre cine, fotografía y moda.

Vinila rubia platino en "Body Love" (Cosmopolitan, detalle) y en graffiti

El icono construido por Irene aúna no solo la estética de la pin-up y la modelo erótica a lo Dita Von Teese, sino que parece haber encontrado la fórmula entre von Teese y Marilyn Mason. La poesía de lo monstruoso toma forma en cómo Vinila esculpe cada uno de sus gestos, cargados de perfumes que me recuerdan a las Flores del mal… y como no, a la Dietrich. Allí es donde mi problema de investigación sobre el cuerpo como memoria hace migas como Vinila, porque su manera de entender la estética de posguerra es realmente magistral. Decadencia y glamour afloran como rosas envenenas en sus tatuajes, pero su voz es el peor veneno. Los gestos de su boca desgarrada por el rojo han sido perfectamente representados en un graffiti, donde el rostro de Vinila desvela su naturaleza oscura de guasón. Lo que me recuerda la campaña de Cosmopolitan “Body Love”, donde ya no como lobo entre corderos, sino divinidad lúcida entre borregas, con su gesto pone en evidencia la parodia de la campaña en sí y todo lo que representó en su momento, al igual que los controvertidos fotoreportajes de Vogue sobre mujeres profesionales de la clase política española.

Podría decirse que la política es un cigarrillo en la boca pintada de Vinila. La protesta contra “el R€gimen” no se hace solo en la Plaza de Sol, el cabaret, como en su época dorada, desvela también “trapos sucios” entre plumajes y sedas. La democracia occidental, ese circo moderno de pactos bancarios, al igual que en tiempos pretéritos, tiene en las descendientes de Magdalena la fuerza suficiente para poner en evidencia a los “apóstoles”.

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(1) Aunque lamento la “colaboración”, si es que puede llamársela así, de Vinila en “The Hole”, un espectáculo cuya idea y dirección artística dejan mucho que desear, y donde Vinila solo participa como parte del elenco… No obstante asistí para verla, me encantó encontrarla en la puerta del Teatro, recibiendo al público, actuando desde el primer momento…
(2) Con excepciones como algunos trabajos de María Palacios.

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LLEGO AL POST NÚMERO 50 DE MOUSIKELOGOS! QUÉ MEJOR FORMA DE CELEBRARLO!

Psychobilly Barbie

El cuerpo como memoria (5)

Por Susan Campos Fonseca

La estética de posguerra en sus diversos revival está cada vez más presente en nuestra vida cotidiana, un ejemplo es el Rockabilly, acompañado de su versión “dark” el  Psychobilly. Lo encontramos en el arte (Toño Camuñas, Enric Delpueblo)  y la moda (de Zara a Chanel), por ejemplo. La fuerza expresiva de las estéticas e ideologías recogidas por este movimiento, especialmente en su representación de la mujer y el “empoderamiento” que genera, supone tipos que re-significan fetiches relacionados con “lo femenino”, la sexualidad, la violencia, y la muerte.

Patricia Day (2009)

Figuras como la fallecida Amy Winehouse (ver Serie), Patricia Day, Imelda May, Clare Maguire o Vinila Von Bismark, cada una en su particularidad, exponen a un colectivo cuya singularidad revierte en el revival  y el “vintage surrealista”. Productos que, en una sociedad reciclada post 11 S, asumen el Terror y la Crisis como vivencias estéticas en la vida cotidiana. Surrealismo del Horror que retoma el grito dadá del “¡Basta!”.

Los cuerpos son mapas de la memoria, las Pin-Up que decoraron los bombarderos son encarnadas por muñecas Barbie. Ese icono del “think pink” que figuras como Patricia Day deconstruyen incluso cuando reproducen su propia imagen (como en la controvertida Rockabilly Barbie del Hard Rock Cafe). La cultura del consumo se consume a sí misma y renace de la autofagia en voces de mujeres cubiertas de perlas, tatuajes y trozos de carne. Lady Gaga es uno de los casos de esta cultura antropófaga, como lo sigue siendo Madonna en sus camaleónicas facetas. Ellas también asumen variantes de la estética Pin-Up, del cine negro, de género y la ciencia ficción, engrosando las narrativas contemporáneas devenidas de posguerras acumuladas.

"Barbies" según Princess in the Shit (Serie "Pink")

El “espacio musicado” por estas voces es banda sonora para la incertidumbre de los tiempos, pero a su vez, la certidumbre del nacimiento y la muerte. La vida, punto intermedio, como el lápiz de labios y las uñas, subraya con el color de la sangre el canto de estas sibilas contemporáneas. Princesas de cera, zombies, heroínas irónicas de amazonías urbanas, asumen con voluptuosidad la vanidad y el hastío.

Como Maite Dono en su “CHRISTIEPASSION” (2010) : “[…]Voy a escribir lo que siento/Mejor que vivirlo, es esto/Ser una tarada victoriana/Nunca sentir tanto en la vida/Como en un puto papel muerto/[…]”. Víctimas del “paraíso” de la llamada “sociedad de bienestar”, en su caída encontramos nuevas formas de enfrentar el abismo, cuando la oscuridad es una luz tenue que se mantiene vigilante. Cuando el abismarse de la experiencia aporética del tiempo es una singularidad que rompe el equilibrio racional de la desesperación.

Patricia Day y HorrorPops (2006)

Psychonilly Barbie que emerges para señalar con el dedo a tu creador (Elohim del deseo mortal), preguntas una y otra vez ¿qué es la realidad? ¿qué es real? ¿realmente importa? Si. Los monumento caen y las ruinas emergen, pero sigue importando. La Material girl reivindica “la piel que habita”, porque en ella respira “la tentación de existir”, el aquí y ahora del violento estar vivo.

Altar a Amy W.

Altar frente a la antigua casa de Amy Winehouse (Foto AP)

Cuán terrible puede ser la culpa tirada por la ventana

mirada depositada en la acera, entretenida de sangre

salpicada de rendijas

voz

atrofiada de gusto, de lengua y libros de carne

Ahí estás sentada junto a la persiana

algo se decolora entre tus senos

No encuentro el corsé de encaje capaz de sostenerte.

Altares frente a tu puerta depositan flores de nicotina y vodka

fotografías de la culpa en páginas confesas a tu paso

descalza, con un sostén rojo

con el vientre abierto

por vaqueros eruditos

de la estupidez

de cantos sin consigna

…del dolor, de la culpa bailando entre los tejados

de una rosa de seda entre tu moño imposible…

Describirte, eso es la culpa

revival de voces negras camino al Parnaso

¡Aleluya!¡Gloria!

“Jesus died for somebody’s sins but not mine”

¡Oh Patti, abraza a esta niña que depositamos en tu seno!,

tú que conoces

poseedora de Visión

el quinto círculo de la pagana comedia.

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Poema © 2011 Susan Campos Fonseca

Todos los derechos reservados.
Madrid (27/08/2011)
Serie: Amy Winehouse in memoriam 

“Rockabilly Barbie”

HRC Rockabilly Barbie 2009

No lamento los tatuajes de tus hombros

perfiles de otros rostros, trenos de un cuerpo que sostiene

antes de la caída

la deleitosa semilla de la muerte

contorno, beldad rockabilly sonriendo entre puntas de acero,

no lamento los tatuajes de tus hombros.

Ni las cajas metálicas de tus rituales,

cajitas diminutas con tu retrato que se desdobla,

icono tú, sagrado fucsia que enciende su corona oscura.

Lamento el teléfono rojo, el cadalso,

la línea negra que sobre tu párpado, en un gemido,

clava la aguja del lunar blanco en el fondo negro.

¿El violonchelo es un pretexto?

Retro Lovely que decapita y sostiene,

ahogando en la malla de tus medias, la oscuridad de los tiempos.

No lamento, no, la música en las memorias metálicas,

ni el cuerpo de plástico decapitado pintado de fucsia en la cruz de mi pecho.

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Poema © 2011 Susan Campos Fonseca

Todos los derechos reservados.
Madrid (23/08/2011)
Serie: Amy Winehouse in memoriam

Amy Winehouse por Hedi Slimane

El cuerpo como memoria (4)

Por Susan Campos Fonseca

¿Damas del armiño? ¿Leonardo da Vinci y Silvia Calles?(1)

¿Cuánto puede realmente el Arte intervenir en nuestra vida cotidiana? No es una pregunta nueva, existen muchas respuestas para ella. Hace poco leía un artículo de Julian Oliver, publicado por Salon Kritik, donde, entre otras cosas, el autor comenta algunas ideas de The Rise of the Creative Class de Robert Florida, influyente teórico de estudios urbanos. Florida expone cómo una “clase creativa” es capaz de estimular el desarrollo económico de áreas metropolitanas interviniendo la realidad cotidiana. No creo que esto tampoco suene nada nuevo, las “estéticas relacionales” hablan de “ecologías culturales” desde hace tiempo. Recientemente leí varios artículos de Daniel Martín Bayón que me parecieron especialmente ilustrativos, tratándose de mi propio entorno en Madrid. Pero Miren Arzalluz Loroño, en una entrevista publicada por El País Semanal, llamó mi atención sobre un tipo de intervención artística que, al ser justamente “cotidiana”, suele no obtener el mismo reconocimiento en este sentido: la moda. Opinión que tampoco es nada nueva, los museos empiezan a recibir en sus salas retrospectivas de “Alta costura” desde hace un tiempo. Pero no es este tipo de moda, ni la que tenemos en los grandes almacenes, la que me viene a la mente en este momento. Si no, la que puede encontrarse en una pequeña tienda de la calle Pez de Madrid llamada La Antigua, donde encontré, entre otras cosas, las piezas de Silvia Calles.

“Nos vamos al Matadero con Laura y Silvia Calles` Closet” (foto promocional, 2011). Silva Calles (der., vistiendo una creación suya).

La tienda perfectamente podría ser una pequeña sala de arte contemporáneo, porque en sí misma es un espacio performativo interesantísimo. Cuando entré pensé en la Acción de ANAMUSMA en LAPIEZA, -a la que dedico un texto de esta Serie (Nº 2)-, justo me vino a la mente una frase suya:  “La costura es una escritura”. Porque la “escritura” de Silvia Calles en este caso, si se aborda desde los estudios de performance, permite observar un tipo de embody/powerment muy singular. Ella asume la estética de los “cuentos de hadas” para apropiarse de la realidad cotidiana. Evidenciando a su vez, un tipo de patrimonio “femenino” muy específico. Sus piezas intervienen el cuerpo y su relación con el entorno evidenciando “inocencias interrumpidas”, podría decirse. Su trabajo me parece tan queer y provocador como el de ANAMUSMA, incluso cuando refieren a imaginarios aparentemente contrarios.

Yo ¿la peor de todas? ¿Silvia Calles y Sor Juana?(2)

La “costura” de Silvia Calles deconstruye una “escritura”, y nunca mejor dicho, aquí el concepto derridiano se aplica de forma muy precisa. Deconstruye narrativas de “fragilidad”, “debilidad”, “dependencia”, etc… Deconstruye la propia idea de tiempo y lugar, especialmente en relación a la “edad” del cuerpo de la mujer y sus posibilidades de auto-realización vital. Su acción, podría decirse, otorga un empoderamiento sobre ideas de “madurez” e “infancia” especialmente complejas. Utilizar una pieza suya en la vida cotidiana se convierte así en una intervención completamente inusitada. Las imágenes que incluyo aquí son una prueba de ello. No soy especialista en historia de la moda ni pretendo serlo, pero debo confesar que como estudiosa feminista, la obra de Silvia Calles me invita a reflexionar sobre qué cuerpos son objeto de nuestra memoria, y cómo entendemos la historia de las mujeres a través de ellos.

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Notas: (1) (2) Las composiciones intencionalmente propuestas son mías.

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ARTÍCULO VINCULADO POR

A
DIVA : DECONSTRUCTING BELLINI – QUEER OPERA IN 15 MINUTES – ACCIÓN – 24.11.11 – PALMACENTRAL

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El cuerpo como memoria (3)

Por Susan Campos Fonseca

Livro - Carne / Artur Barrio (1978-79)

Poco podría agregar a lo que críticos literarios y artísticos han comentado sobre Tiento (UANL, 2010), de la poeta mexicana Rocío Cerón. Sin embargo me leí el libro de un tirón, sorprendida de cómo se representaba en mi mente cual si fuese una ópera de cámara. Estuve a punto de sentarme al piano y musicar escena tras escena de este “Livro-Carne”. Brotaba ya hecho, imposible de capturar… La base sonora espectral del cello, compuesta por Enrico Chapela (cuyas partituras se incluyen en la edición), y la arquitectura íntima de las fotografías de Valentina Siniego, que, citando a J. M. Springer: “revelan inmediatamente el puctum de la escena” (Tiento, p. 75), servirían perfectamente de base para llevar a cabo semejante impronta. Aunque quizás ya se le ocurrió al propio Chapela, o a Alejandra Hernández, compositora con quien Cerón dio vida a una joya titulada Sublingual, estrenada por Harry Sparnaay en Madrid el pasado abril (Reseña).

Si incluyo esta inquietud dentro de la serie El cuerpo como memoria es justamente porque son el Cuerpo y la Memoria los protagonistas que hilvanan esta obra, que de ser llevada a la escena igual podría compartir tribuna con Desaparecer (música de Maika Makovski, interpretación de Juan Echanove y dirección escénica Calixto Bieito), “poema-concierto” inspirado en cuentos de terror y poemas del escritor norteamericano Edgar Allan Poe.

Luego de sentir como el libro palpitaba en mis manos cual trozo de carne tibia, la idea de acotarlo al fenómeno performativo de la “poesía sonora” o “poesía polifónica”, se me queda algo corto. Tengo la impresión de que, paradójicamente, limita sus posibilidades. Lo que explica quizás el porqué Cerón, en su búsqueda creativa, apuesta tanto por la creación interdisciplinar.

Llego a la conclusión de que la obra de Rocío Cerón y sus colaboradores contiene no solo esa “razón poética” que profesó la filósofa María Zambrano, sino que aspira a su enigmática “razón mediadora”, a Ser/caja de música. Porque en el caso de Tiento, está cargada de una dramaturgia tal, que nos deja una dura cicatriz en el cuerpo (Tiento, p. 59).