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Sin contar la música: Ruinas, sueños y encuentros en la Europa de María Zambrano

Portada, 2011

Quienes lean Sin contar la música: Ruinas, sueños y encuentros en la Europa de María Zambrano, de Joaquina Labajo Valdés, entenderán la connotación de esta expresión con que decido abrir este primer y brevísimo comentario: Me quito el sombrero ante la genialidad que todavía es posible. Digo primer, porque estas palabras son solo un comentario frente a las reseñas rigurosas que se irán sucediendo dedicadas a esta obra sui géneris en el ámbito español.

Mucho tiempo esperé que algo así sucediera, que un ensayo cómo este fuera escrito por la pluma de una intelectual que no proviniera de ámbitos hegemónicos como la crítica literaria o la historia de la filosofía. Aunque quizás, y recordando otras publicaciones a las que dedico sendas reseñas, esperaba un texto que llevara la historia filosófica de la música a otro nivel. Quizás me traiciona mi juventud y entusiasmo, debajo del cual fluye, muy posiblemente, el agotamiento con ciertas líneas académicas que siguen dominando la musicología española, aquellas que establecen las generaciones, sucesiones y jerarquías de los discursos. Pero en este caso, todo lo que me parecía oscuro del sistema, de repente carece de importancia, porque como en la vida cívica, un cambio se está gestando, y no es casualidad que se manifieste desde la sociología de la música y  la etnomusicología, y no desde la musicología “oficial”. Gran satisfacción siento por este hecho, porque es resultado de un trabajo subterráneo de larga data, que se venía sintiendo con fuerza, incluso en los formatos académicos, no sin cierta transgresión, y por supuesto incomodidad, por parte de ciertos sectores conservadores.

María Zambrano

Dejo para la reseña “académica”, por lo tanto, el profundizar en los aspectos formales y de contenido que, desarrollados en el marco de la tesis de la autora, organizan, como ella indica, sus diferencias con música. Pero, y esto me interesa especialmente, se recuperan historias de un pensamiento sumergido del que la obra de la filósofa María Zambrano es prueba y testimonio.

Joaquina Labajo demuestra una erudición que en ningún momento agota al lector(a), consigue hilvanar, -y esta es una imagen muy presente en todo el texto-, voces de memoria histórica, línea a la que me siento tremendamente afín. Durante mucho tiempo he seguido el trabajo de Labajo, pero este libro es sin duda un ensayo que supera mis expectativas.

Aires de cambio se respiran en sus páginas, coincidiendo, casualmente, con los eventos históricos que se están viviendo en España (el Manifiesto “Indignados”). Así que en mi lectura de Sin contar la música  se mezclan, la indignación por un sistema que promueve una “musicología forense” (citando a Rubén López-Cano), y una músico(etno)logía que, bajo otros nombres, se entreteje con la Vida.

Susan Campos Fonseca
Madrid, 22 de mayo de 2011

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NOTA: Aunque, tengo claro que una cosa es lo que “puedo” compartir en el blog, donde el tono se exige más “personal”, y otra lo que “profesionalmente” debo incluir en una reseña “científicamente académica”…. la situación es política.

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Texto relacionado: “Quadrivium re(des)-membrando” -Susan Campos en SALON KRITIK.


La brutalidad de “lo bello”

Harry Sparnaay en "JA ZEGGEN", ópera de cámara de Ilse van de Kasteelen (Amsterdam, 1994)

Por Susan Campos Fonseca

El martes 26 de abril de 2011, en la Sala Manuel de Falla (SGAE), en Madrid, la Asociación de Mujeres en la Música (AMM), en colaboración con la Red OFF ARTERIA, presentó, dentro de su temporada 2010-11, un programa de obras para clarinete bajo y cinta (música electroacústica), a cargo una de las figuras más  importantes dentro del ámbito: Harry Sparnaay. A quien la AMM tuvo de invitado dentro del X Festival de Mujeres en la Música celebrado en Getxo el año pasado.

En la primera parte de concierto Sparnaay interpretó Hábitat de Cruz López de Rego (España), seguido de Resonancias II de Ailem Carvajal-Gómez (Cuba-Italia), Sublingual de Alejandra Hernández (México), sobre un poema sonoro de Rocío Cerón  -primera audición en España-,  y de Verónica Tapia (Canadá), Ladano/Sparnaay, todas para clarinete bajo y cinta. Después de la pausa, la segunda parte estuvo conformada por A Chillida en a-ciencia de Mercé Capdevila (España), Por abrir acantilados de Diana Pérez Custodio (España), Ónice de Alexandra Gardner (EE.UU), y de Sungji Hong (Corea), Black arrow, también para clarinete bajo y cinta.

"Cow’s Skull with Calico Roses" (1931), Georgia O’Keefe

No pretendo resumir en unas cuantas líneas lo que implica un concierto de Harry Sparnaay, es una experiencia que tiene que vivirse. Pero no puedo dejar pasar este concierto, porque su naturaleza, y nunca mejor dicho, me obliga a meditar acerca de la brutalidad de “lo bello” (porque todavía se puede hablar de ello dentro de la creación actual). Me llamó especialmente la atención la manera en que Sparnaay entretejió un discurso a través de pensamientos musicales que de forma aislada podían parecer disímiles, pero que en el contexto de su interpretación desvelaban, en concordancia con las primeras vanguardias, -por ejemplo, en las pinturas de cráneos y flores de Georgia O’Keeffe-, un tipo de brutalidad de la Naturaleza que resulta “desgarradoramente bella”. No voy a negar que el hecho de que se tratara de obras de compositoras me llevó a cuestionar, en este sentido, en qué medida subsiste una narrativa común que vincula este tipo de “belleza” con “lo femenino”. Pero debo confesar que en las obras en cuestión subsistía como expresión una “fuerza de la naturaleza” en su sentido matricial más oscuro, no sé si consciente o inconsciente. Sentido que en conjunto, mediado por la interpretación de Sparnaay, pareció desvelar una paisaje sonoro indómito, como si existiera un caudal subterráneo que las uniera…

"Luminoso" (CD, portada) de Alexandra Gardner

Porque un intérprete de la calidad de Sparnaay pone en evidencia el problema de caer en los tópicos, y forzar interpretaciones. Pero debo destacar, en el sentido anterior, que más que un concierto tradicional el suyo fue una especie de ritual, es decir, que él participó de ésa condición “oscura” de “lo matricial”. Y al mismo tiempo, el suyo fue un performance acerca de la ejecución de la música clásica contemporánea como filosofía. Lo que otorgó al concierto una cierta condición de “Manifiesto estético”, razón por la que quiero dejar constancia del evento con esta breve nota.

Lamentablemente, no basta con promover la música de compositoras en conciertos si no se deja huella en la crítica, por más sencilla que esta sea. Se hace necesario crear debate sobre las obras, que van siendo filtradas no solo a través de las redes de los patriarcados de turno, si no de los silencios y omisiones del propio gremio “de mujeres”, donde los activismos se confunden con carreras privadas. Porque quizás se trata de eso, de una “carrera privada”, y formar redes para promoverlas. Vamos a ver si es el peso de la calidad o el de la política el que impera. Al día de hoy existe suficiente masa crítica como para averiguarlo.

No obstante, quedan conciertos como el de Harry Sparnaay, donde la diversidad parece revelar una especie de unidad, quizás la matriz de un contratiempo dentro de la propia creación musical y sus cánones en ambos sentidos (patriarcados y activismos feministas). Hay que prestar más atención a este fenómeno, porque más allá del número, de las estadísticas de participación y la llamada “igual de género”, en la creación están pasando cosas realmente importantes a las que no se les está prestando la atención debida. Y este concierto fue una prueba de ello.

Mujer versus Música

Invitación a la presentación


El viernes 18 de marzo tuvo lugar en El Argonauta, la librería de la música. la presentación del libro “MUJER VERSUS MÚSICA: Itinerancias, incertidumbres y lunas” publicado por Rivera Editores, que contó con la presencia de:

De izq. a der.: Rosa Iniesta, Susan Campos, Marisa Manchado y Cruz López Rego.

Susan Campos Fonseca (moderadora) – Compositora y directora de Orquesta
Cruz López Rego – Presidenta de la Asociación de Mujeres en la Música
Marisa Manchado Torres – Compositora
Rosa Iniesta Masmano – Musicóloga y coordinadora de la edición de Mujer versus música

Tras la cual tuvo lugar un concierto de guitarra con música de diversas compositoras, gracias a los alumnos del Conservatorio Teresa Berganza.

Más información.

Libro incluido en la selección de textos que realizó La Librería de la música El Argonauta (Madrid) con motivo del  100º aniversario del Día Internacional de la Mujer.(Ver selección)

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Compartido con el Seminario María Zambrano, Universidad de Barcelona (UB.edu).

Cuatro compositoras españolas y el Cuarteto

portada del CD, 2010

El 17 de abril, en el X Festival de Música de Getxo, se presentó en CD Cuartetos, producción discográfica que es en sí misma un concepto, representando la simbiosis entre cuatro cuartetos de cuerda de cuatro compositoras españolas, estableciendo una genealogía entre ellas, en el marco de la llamada “música clásica contemporánea”. Cuartetos es una producción discográfica, pero a la vez un manifiesto musical que reúne alrededor del cuarteto de cuerda uno de los géneros neurálgicos de la música académica occidental, el pensamiento musical de cuatro compositoras, a cuya obra todavía no se ha dado el reconocimiento debido.

Se asume así la responsabilidad de ofrecer una primera grabación mundial de estos cuartetos,  incluida la recuperación histórica del Cuarteto Modal de María Teresa Prieto, haciendo constar su contribución artística a la comunidad internacional, y a su vez, en el caso de Beatriz Arzamendi, Consuelo Díez, y Mercedes Zavala, su activismo como feministas y creadoras actuales. Ellas forman parte de la Historia cultural de la música, y este disco espera dar parte de ello.

Disponible en EL ARGONUATA.

(Reseña de Josemi Lorenzo en Opusmusica)

Retrato de compositoras: RIMA VARGAS

Por Susan Campos Fonseca

Rima Vargas, compositora costarricense.

Rima Vargas, compositora costarricense.

Continuando con nuestra línea editorial, dedicada a crear un espacio de reflexión para la música de arte en Centroamérica,  en esta tercera edición de nuestra sección “Retrato de compositoras”, conversamos con la creadora costarricense María del Carmen Vargas Fernández (RIMA VARGAS), nacida en San Ramón de Alajuela (Costa Rica), en septiembre de 1962. Graduada en la Escuela de Artes Musicales de la Universidad de Costa Rica-UCR en 1986, donde estudió percusión, canto y composición musical. Obtuvo la licenciatura en Composición en 1994, y en la Universidad Estatal a Distancia-UNED Costa Rica), la licenciatura en Ciencias de la Educación en 1999. Cursando en el 2003 su primer año del Doctorado interdisciplinario en Letras y Artes en América Central de la Universidad Nacional-UNA.
Siendo una de las primeras especialistas en Costa Rica en edición musical por ordenar, ha colaborado en publicaciones de la UCR, la UNA, la Editorial Costa Rica, la UNESCO, la Coordinación Educativa y Cultural Centroamericana, el Periódico “Al Día” y otras instituciones relacionadas, además de proyectos independientes. Miembro de la Junta Directiva del Foro Costarricense de la Educación Musical, se ha desempeñado como docente en la Universidad de Costa Rica, y el Colegio Metodista, donde labora actualmente.
Luego de esta brevísima presentación, entramos en nuestra conversación con Rima Vargas, iniciando con su última obra,  creada en el marco del proyecto “Cervantes y El Quijote en la Música” de la Universidad Autónoma de Madrid-UAM, dirigido por la Dra. Begoña Lolo, proyecto al que se ha visto vinculada por invitación nuestra, al comisionarle una obra de temática cervantina, solicitud que dio como resultado su quinteto para cuerdas y piano titulado “La Ínsula Barataria”, basada en los Capítulos II, 40, 41, 44, 45, 47, 49, 51 y 53, de la novela El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra. Uniéndose a la ópera “La Bella Mora” (1847) de Escolástico Andrino, la cantata “Loa al Hombre” (2005) de Germán Cáceres, y el Poema Sinfónico “Un hombre llamado Don Quijote” (2008) de Marvin Camacho, las únicas obras de temática cervantina conocidas en Centroamérica. Siendo  este aspecto especialmente relevante, dada la proximidad del Congreso Internacional Cervantes y  El Quijote en la música del siglo XX. Tradición y vanguardia, que tendrá lugar en Madrid los días 4, 5 y 6 del presente año 2009. Razón por la cual hemos publicado “La Ínsula Barataria” en nuestra Colección Mousiké Logos de LA RETRETA, dedicando, a su vez, este espacio a su creadora.

Susan Campos (SC): Rima, nos interesa conocer cuál fue el proceso de creación de “La Ínsula Barataria”, los parámetros estéticos de la obra, y su  contexto en el marco de tu producción musical.

Monumento a Sancho Panza en Alcalá de Ebro.  Portada de nuestra edición de "La Ínsula Barataria" (2009) de Rima Vargas.

Monumento a Sancho Panza en Alcalá de Ebro. Portada para nuestra edición de "La Ínsula Barataria" (2009) de Rima Vargas.

Rima Vargas (RV): Es una obra atonal que intenta describir musicalmente la situación vivida por Sancho Panza en la Ínsula Barataria. Según la lectura los duques de Villahermosa hacen entrega de la isla al escudero Sancho Panza, lo nombran gobernador para someterlo a la burla. Curiosamente, gracias a los sabios consejos de Don Quijote, Sancho realiza un trabajo excelente alcanzando dignidad y justicia. Esta es una historia que inicia como una cruel aventura, pero finalmente y para sorpresa de todos Sancho domina la situación. La obra inicia con un tema lento y misterioso que intenta describir las maquinaciones de los duques que  planean burlarse de Sancho, luego el tema desemboca en un segundo tema más movido que muestra el ingenio de Sancho, su trabajo y esfuerzo, las disonancias que sobresalen dentro de este segundo tema tiene el fin de presentar una dicotomía entre la lucidez y la locura. Al final de la obra se escucha un pequeño solo en el Cello el cual toma una célula del tema inicial, presentándolo varias veces de forma rápida, esto representa de una manera jocosa, un Sancho que sale triunfador.

SC: Según recuerdo, me comentaste que la idea de poner en música tu lectura de la Ínsula Barataria vino de la contemplación de una plaza del mismo nombre en la institución educativa donde desarrollas tu actividad docente actualmente. Tú vida creativa se divide entre la educación y la composición, cómo llevas esta dualidad.

RV: A pesar de que la educación en un principio no fue mi objetivo, se ha convertido en mi vida y mi sustento. Disfruto montones trabajar con adolescentes, siempre son un reto para mi, aprendo muchísimos de ellos(as). Amo la música y siempre es un placer enseñar a otros lo que amo. El único inconveniente con la educación es que me absorbe bastante, no me deja mucho tiempo para la composición, espero que eso cambie con el tiempo. La composición siempre ha sido la expresión de mis más profundos sentimientos, cuando logro escuchar la ejecución de una de mis obras y materializar ese profundo sentimiento, encuentro la forma de compartir con los demás lo que creo, lo que alguna vez imaginé. Por ejemplo, actualmente en una obra para acordeón clásico, producto de mi encuentro con el Jesús Mozo-Colmenero, quien recientemente estuvo en Costa Rica realizando varios conciertos. Para ello estoy desarrollando la melodía del canto de un pájaro. Otro proyecto, aunque por ahora pendiente, es componer un Poema Sinfónico que incluyera una pequeña sección cantada, basado en alguna obra de un escritor costarricense, pero por ahora es sólo una idea. Para ello quisiera utilizar sonoridades indígenas y latinoamericanas, Como vez, al concebir una obra musical generalmente inicio por una idea melódica, de la cual extraigo una serie a partir de la cual experimento varias combinaciones sonoras, que luego desarrollo rítmica y secuencialmente, además, generalmente comienzo por la parte central de la obra, y luego realizo la introducción, termino con el final.

SC: El tuyo es un proceso arquitectónico invertido, recuerdo cuando trabajé tu concierto para saxofón y orquesta, una obra cuidadosamente estructurada, atonal por cierto… quizás esto resulte contraproducente para el lector considerando que los conceptos “idea melodía” y “serie”, no suelen asociarse en este tipo de lenguaje. En todo caso, “La Ínsula Barataria” responde más a una estética postmoderna. Ahora bien, háblanos de tu colaboración con la Asociación costarricense de mujeres en la música, un proyecto especialmente interesante desde mi punto de vista.

RV: En cuanto a la Asociación Costarricense de mujeres en la música, claro es un proyecto interesante, he asistido a alguna de sus reuniones, su promotora es Ana Isabel Vargas Dengo, actual presidenta de la Asociación en Costa Rica. Ella desarrolla una gran labor en la proyección de las compositoras e interpretes costarricenses dentro y fuera del país, y se ocupa de mantenerlas informadas sobre  las diferentes actividades en marcha a nivel internacional. Actualmente soy la tesorera de la asociación.

SC: Creo que es un proyecto muy interesante, supe que a principios de año dedicaron un concierto monográfico a Virginia Mata, una compositora prácticamente olvidada en los anales de la cultura costarricense, además, Zamira Barquero, junto con su equipo en la UCR, publicarán próximamente un Diccionario de Mujeres en la Música de Costa Rica. Ahora bien, ¿cuál es tu opinión sobre la música de arte en Costa Rica?

Benjamín Gutiérrez junto busto que le dedicó el Teatro Nacional de Costa Rica.

Benjamín Gutiérrez junto busto que le dedicó el Teatro Nacional de Costa Rica.

RV: En nuestro país el nivel de la música llamada “académica” es de bastante calidad en las universidades estatales, tuve el privilegio de contar con excelentes maestros. A pesar de ser un país pequeño, Costa Rica cuenta con grandes músicos, eso demuestra la buena calidad de nuestra formación musical, es algo que me llena de orgullo. Debo mucho a mis profesores: Enrique Cordero. A quien considero el mejor profesor de teoría de la musical que se pueda tener. Al Dr. Bernal Flores, excelente compositor con un gran conocimiento en la teoría y la composición musical. Sus estudios en el Sistema Hansoniano me ayudaron a ver las estructura musicales de un manera libre y sencilla, donde es posible construir y analizar cualquier combinación sonora. El maestro Benjamín Gutiérrez, mi maestro, quien me dedicó muchísimo de su tiempo, me enseño todo lo que sé sobre instrumentación y orquestación. Admiro muchísimo su estilo y su lenguaje musical, que ha influido en toda mi obra. Soy su más “fiel” discípula.
Creo que nuestro ser latinoamericano nos da un aire nuevo, un mundo nuevo, una sonoridad nueva, un lenguaje nuevo, un ritmo nuevo, siento que los latinos aún tenemos mucho que decirle al mundo. Es una cultura que en cuanto a la música de arte está dando grandes pasos, me fascina ser parte de todo esto.  Conozco y admiro la música de otros compositores centroamericanos, como Roque Cordero de Panamá, Joaquín Orellana y Jorge Sarmientos de Guatemala. Algunas de sus ideas musicales podrían significar un buen intertexto en alguna de mis composiciones. En Centroamérica existe un gran bagaje musical, que combina la  música indígena con la influenza europea y los ritmos latinoamericanos, pienso que esto se constituye en un rico material a la hora de buscar ideas para la composición.

SC: Coincido contigo, por eso necesitamos estudiar y difundir nuestra música. Ha sido un placer conversar contigo, espero que “La Ínsula Barataria” se estrene muy pronto. Muchas gracias Rima.

Como citar este atículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Retrato de compositoras: Rima Vargas”, (en Mousiké Logos) LA RETRETA, Año II, Nº3, Julio-Septiembre, San José de Costa Rica, 2009.

Retrato de compositoras: TERESA CARREÑO

Una vida con Teresa Carreño

Por Clara Rodríguez

Clara Rodriguez, pianista venezolana.

Clara Rodríguez, pianista venezolana.

Mi experiencia
Cuando era niña, recuerdo que mi mamá me llevó al elegante Teatro Municipal de Caracas donde la pianista Rosario Marciano iba a tocar el piano Weber que perteneció a Teresa Carreño. Esa noche los caraqueños pudimos oír ese piano que, pienso, acababa de llegar a la ciudad natal de la célebre pianista. Rosario tocó piezas de Schubert y, seguramente, de Teresa también.

En mi casa ya había escuchado el disco que Rosario y su esposo, un pianista vienés, habían grabado con algunas de las obras de la Carreño, así como también había oído un disco en donde la misma Teresa Carreño tocaba obras de Liszt-Schubert y la Primera Balada de Chopin. Aunque la calidad de la grabación no era muy buena, era maravilloso poder oír algo del alma de esa virtuosa del piano, y más importante que virtuosa, gran artista y leyenda de nuestra memoria. Pasaron los años y Guiomar Narváez, mi profesora, me pidió que estudiara el valse Mi Teresita y, cosas de la vida, Rosario Marciano me invitó a un programa de televisón a tocarlo.

Volví a encontrarme con Carreño cuando gané la beca para ir a estudiar al Royal College of Music de Londres. Era la beca de un plan que se llamó Teresa Carreño, y en el Departamento Juvenil existe el concurso Teresa Carreño para los jóvenes pianistas que como parte del premio tocan un recital en el Bolívar Hall de la Embajada de Venezuela. Entonces en mi primer año en el Junior Department también toqué otra pieza de Teresa Carreño: Intermezzo.

¿Por qué su vida nos parece tan colorida, interesante y llena de aventura? Fue una mujer que luchó arduamente por expresar su genio. La vida nunca es fácil para un pianista y aunque ella vivió durante uno de los períodos de mayor apogeo de la profesión, era mujer y latinoamericana, lo cual parece representar algunos obstáculos más, pero era tenaz; supo dirigir su carrera enfrentándose con valentía y con la seguridad de su  habilidad artística al mundo de la música clásica y logró que se le reconociera mundialmente.

Su padre, de quien todavía se habla sobre todo por la publicación del famoso Manual de urbanidad, ha debido ser un gran pedagogo, pues le dio una base pianística excelente, escribiendo para ella cientos de estudios técnicos y luego actuó como su empresario, hasta que Teresa dejó el hogar para aventurarse sola en el mundo.

Teresa fue madre de cinco hijos y esposa de cuatro maridos. No creo que éste último hecho de su vida haya sido por escogencia sino más que nada por “mala suerte”. Su primer marido la abandonó llevándose a la hija que acababan de tener; el segundo envidiaba su talento y éxito profesional; el tercero, quien por cierto fue el primer becado del Royal College of Music de Londres, Eugene D”Albert, y quien Teresa amó profundamente,  pretendía insultarla diciéndole que ella no era capaz de entender muchas cosas de la vida europea por ser latinoamericana y en la etapa final de su relación trató de internarla en un manicomio. Fue con Arturo Tagliapietra, su cuarto marido, con quien se dice que ella encontró gran apoyo y paz. En un momento de desesperación Teresa habría dicho: “Nunca es demasiado temprano para casarse ni demasiado tarde para divorciarse”

Fue admirada por todos los grandes músicos que la oyeron. La lista es larga e incluye gente como L.M. Gottschalk, Liszt, Gounod, Rossini, Prokofiev y Claudio Arrau. Uno de los pianistas ingleses que la admiraba mucho, Gordon Green, llamó a su gata Carreño en su honor, y ya sabemos que para muchos europeos los gatos son lo más importante.

Años después de haberme graduado y de haber grabado varios CDs me interesé  grandemente por su música y Arturo González, curador del Museo Teresa Careño, y un gran apasionada de su vida y obra, me ayudó a conseguir las partituras, y me acercó a conocer más sobre la interesante vida de la pianista.

Así pasé aproximadamente dos años estudiando sus obras, siempre fascinada por su invención y la belleza de la expresión de sus composiciones, sobre todo cuando sabemos que la mayoría de las piezas las escribió siendo casi una niña. En Londres monté un espectáculo con la actriz inglesa Karin Fernald, que cuenta la vida de Teresa carreño y yo toco su música. Ese  concierto ha tenido mucho éxito, lo presentamos primero en el Royal Festival Hall, luego dos veces en el Bolívar Hall  y todavía nos lo piden en diferentes festivales. Se llama Liszt en faldas.

Luego, el maestro José Antonio Abreu y el Instituto Universitario de Estudios Musicales me invitaron a tocar un recital en un festival dedicado a Teresa Carreño en Caracas en donde toqué quince obras. Recuerdo que a raíz de  una entrevista en donde yo hablaba de mi deseo de grabar un CD con esas piezas me llamó por teléfono Morella Mendoza de Grossmann quien me dijo que ella y la Fundación MMG estaban interesados en producir el CD y unos meses mas tarde estábamos grabando en la Sala José Félix Ribas ese disco del cual estamos orgullosos.

Otro gran momento de mi vida fue cuando en el año 2003 el Teatro Teresa Carreño me invitó a tocar el recital conmemorativo de los 150 años de su nacimiento. La sala Ríos Reyna estaba llena de gente que se había trasladado de muchos rincones de Venezuela para asistir al mismo. Había una atmósfera de una emoción especial como si esos venezolanos que estaban allí en el público sintieran la importancia de estar celebrando el paso por nuestra tierra de tan insigne ser. En esa ocasión toqué obras de Liszt, Chopin, Rachmaninoff y por su puesto, de Teresa Carreño.

Acerca de Teresa Carreño

Teresa Carreño, pianista y compositora venezolana.

Teresa Carreño, pianista y compositora venezolana.

Teresa Carreño empezó a escribir música a muy temprana edad y el número total de sus composiciones alcanza unas setenta obras, en su mayoría para el piano. Las primeras piezas de las cuales se tiene conocimiento las compuso entre los siete y los nueve años de edad. Comprenden dos caprichos y una serie de danzas con ritmos que fueran cultivados en los salones venezolanos de la época.

Desde sus primeras presentaciones incorporó piezas de su propia autoría, las cuales fueron ampliamente celebradas por la prensa neoyorquina. Entre ellas el Valse Op.1 dedicado a su mentor L. M. Gottschalk, y luego vendrían los años de adolescencia transcurridos en Europa, siendo ésta su etapa más intensa como compositora.  En las portada de esas primeras ediciones podemos ver un retrato de Teresa Carreño muy joven, casi niña.

Piezas como La corbeille de fleurs Op.9, Le printemps Op 35, La ballade Op. 15 y la Mazurka de salón, se inscriben dentro del estilo netamente romántico y presentan efectos de virtuosismo combinados con emoción poética. Otras obras de carácter mas íntimo y en ocasiones sombrío son la serie de elegías, escritas a los catorce años tras la muerte de su madre, o Le sommeil de l’enfant dedicado a su padre, las cuales contrastan con piezas donde hay una narrativa descriptiva como en el caso de Un bal en rêve del cual podemos hacer dos interpretaciones: una, es el sueño de una niña venezolana que celebra un cumpleaños y en su parte central hay una danza que recuerda al merengue caraqueño, y otra: el tema de cumpleaños se convierte en idea fija como aquella de Berlioz en la Sinfonía fantástica en su movimiento “Un bal”.

Un rêve en mer y la Barcarola (Venecia), junto con los estudios de concierto Une revue à Prague Op.27, Intermezzo y La fausse note presentan gran bravura técnica también, pero el mas exigente desde todo punto de vista —técnica y estructuralmente— es el  impresionante Vals Gayo el cual compuso en Sidney en 1910.

El conocido vals Mi Teresita, dedicado a su hija, fue editado numerosas veces en Europa y en los Estados Unidos, y se constituyó en el ultimo bis que Teresa Carreño tocaba al final de sus recitales.

La devoción y el sacrificio que puede representar poseer un talento semejante y la manera en que Teresa Carreño lo volcó en el piano, como antes de ella lo hicieran Chopin o Liszt, son característicos de una pasión por expresar todos aquellos sentimientos humanos a través de un medio que lo permite de la manera más abstracta y sublime.

No creo que sea posible que se dé otro caso como el de Teresa Carreño, todavía no creo que se haya dado aún cuando en nuestro país ha habido y hay grandes pianistas mujeres. Hoy en día en Europa la música clásica está relegada a un puesto casi de “cenicienta”. En la prensa se le da mas importancia al pop-rock, al cine que viene de Hollywood y a la banalidad, y a pesar de eso los músicos clásicos siguen entrenándose, estudiando, tocando, promoviendo la cultura y lo más interesante: el público no deja de asistir a los conciertos y de aplaudir lo que es bueno.

El país ha sido y sigue siendo una tierra muy fértil en materia musical que ha producido músicos de alta calidad. La mentalidad venezolana afortunadamente está encaminada a seguir apoyando el desarrollo de su sociedad a través de la música de todos los géneros, incluyendo la clásica.

La figura de Teresa Carreño tiene que seguir siendo ejemplo e inspiración para Nuestra América.

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Como citas este artículo:

RODRÍGUEZ, Clara: “Una vida con Teresa Carreño” (Retrato de compositoras: TERESA CARREÑO), en Mousiké Logos de LA RETRETA, Costa Rica, Año II, Nº1, enero-febrero, 2009.

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Sitios recomendados:

Portal en memoria de Teresa Carreño
“La página de Teresa” Blog dedicado a Teresa Carreño
“Mujer libertaria, honra su ser el suelo de América: Teresa Carreño” (artículo), ENcontrARTE
NOTICIAS:
La Fundación Vicente Sojo publica “Obras completas para piano de Teresa Carreño”, presentación en Madrid, Dossier Nº6 (2009): “TRANSMÚSICAS” , Colección Mousiké Logos, en LA RETRETA, 2009, pp. 3-5.
Música “Balada” para piano de Teresa Carreño (audio)

Publican obra dedicada a las Compositoras Españolas

 

Portada del libro "Compositoras españolas"

Portada del libro "Compositoras españolas"

“El VI Festival de Música Española de Cádiz ha sido el escenario de la presentación de la obra ‘Compositoras españolas: la creación musical femenina en España desde la Edad Media hasta la actualidad’, una recopilación sobre la composición femenina a lo largo de la historia y un extenso catálogo de autoras único hasta ahora. El libro está editado por el Centro de Documentación de la Música y la Danza del Instituto Nacional de Artes Escénicas del Ministerio de Cultura (CDMD)”.Fuente: Europapress.es

 

Notas de prensa dedicadas a la presentación del libro en La Voz de Cádiz, y en el Diario de Cádiz

Más detalles sobre el libro…

Temas relacionados:
Festival Ellas Crean 2008
Ciclo La composición femenina en el contexto europeo, en la Residencia de Estudiantes;
Fémina Clásica“compositoras españolas contra la violencia de género, “La Era de Acuario” del Plural Ensemble,  
y la OCNE da “Carta Blanca” a Sofia Gubaidulina .


Reseña del libro acompañada de una reflexión crítica en OpusMusica.


Retratos de compositoras: BEATRIZ ARZAMENDI

Beatriz Arzamendi por Jorge Molinera, 2008.

Beatriz Arzamendi por Jorge Molinera, 2008.

En el 2008, creamos en Mousiké Logos un espacio de “retratos” a manera de reseñas biográficas, entrevistas y pequeños artículos dedicados a compositoras españolas e iberoamericanas, con el objetivo de facilitar información referente a la vida y obra de las creadoras y pensadoras musicales, iniciando con un “retrato” de la compositora y directora española  Beatriz Arzamendi.

Este espacio, que inició siendo un proyecto independiente, a partir del 2010 esta vinculado al Grupo de trabajo en Estudios sobre las mujeres, género y feminismo en música, de la Sociedad de Etnomusicología (SIBE). Nuestro objetivo es, por tanto, ir definiendo las líneas de investigación a las que Mousiké Logos esta abocado, siendo nuestra misión fomentar el diálogo entre Música y el pensamiento actual.

Breve retrato de BEATRIZ ARZAMENDI CECIAGA

Nacida en MONDRAGÓN (GUIPÚZCOA) el 24 DE ENERO DE 1961, Beatriz Arzamendi comenzó sus estudios musicales en ésa localidad vasca de la mano de su padre, el compositor y director Juan Arzamendi. Formándose en la Academia “Arrasate Musical”, y siendo miembro de la Orquesta Sinfónica Juvenil Arrasate Musical hasta 1988, se traslada a Londres, donde estudia violín con Julia Frape, regresando a Madrid posteriormente para completar sus estudios en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

TÍTULO DE PROFESOR SUPERIOR DE ARMONÍA, CONTRAPUNTO, COMPOSICIÓN E INSTRUMENTACIÓN por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid (RCSMM), con MENCIÓN HONORÍFICA FIN DE CARRERA. TÍTULO DE PROFESOR SUPERIOR DE DIRECCIÓN DE ORQUESTA y TÍTULO DE PROFESOR SUPERIOR DE DIRECCIÓN DE COROS, ambos por RCSMM, realizó también estudios en el Laboratorio de Música Electroacústica de Madrid con Zulema de la Cruz desde 1988 hasta 1990, siendo sus maestro durante esta etapa compositores y directores de renombre internacional como Pedro León, Francisco Calés, Antón García Abril, Román Alís y Enrique García Asensio, entre otros. Realizando además numerosos cursos de especialización, entre los que destacan cursos de dirección orquestal con Sergio Celebidache, Helmuth Rilling, Antoni Ros Marbá, Sergiu Comisiona y Alexander C. Machat, y en composición con Joan Guinjoan, Luis de Pablo,  Armando Gentilucci y Ramón Barce.

Respecto a su actividad profesional, en su trayectoria como directora, Arzamendi se ha interesado en la formación de jóvenes músicos, siendo Directora de la Orquesta de la Escuela Municipal de Música de Pozuelo de Alarcón (Madrid) y la Orquesta Sinfónica  Arrasate Musical en varias ocasiones, especialmente en un concierto Homenaje a su padre.

Profesora en en  el  Colegio “Santo Domingo Savio” (Madrid), la Escuela Municipal de Pozuelo(Madrid) y profesora de Informática Musical en la especialización de edición de partituras con Audiovisual-Zone  (Madrid) y de la asignatura de Orquesta del Cuerpo de Profesores de Música y Artes escénicas de la Comunidad de Madrid. Actualmente es ayudante de Coordinación de la Asesoría de Música de la Consejería de Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid.

A esto se suma el que Beatriz Arzamendi sea una reconocida activista de la crítica feminista aplicada a los estudios de género en música, participa en la I Semana de Música de Mujeres (SGAE –Madrid), en el Primer Encuentro Iberoamericano de Mujeres en el Arte (México D.F. ), en el Congreso Internacional de Mujeres en el Arte:”El arte de las mujeres como agente de cambio social” (Almagro-noviembre 2007), siendo su labor objeto de estudio  de reconocidas estudiosas de esta especialidad como la Dra. en Musicóloga, Cecilia Piñero, quien la incluye en su conferencia fue  “Mujeres sonoras y migración : búsqueda de paz y justicia , exilios externos e internos”. XII Encuentro Internacional-VII Encuentro Iberoamericano de mujeres en el Arte. México. Marzo de 2008.

Como compositora Sus obras han sido grabadas Radio Nacional de España (RNE), Radio Clásica y la Asociación de Compositores Vasco-Navarros. Siendo su un acervo conformado por obras para Orquesta Sinfónica, música de cámara, bandas sonoras, música coral, música electroacústica y múltiples arreglos para Orquesta y distintas agrupaciones de cámara.

Entre los festivales, certámenes y auditorios donde han sido estrenadas estas obras, cabría destacar: Festival Internacional de Música de Santander, Festival Internacional de Música de Quintanar de la Orden (Toledo), Casa de América (Madrid), Museo de Santa Cruz (Toledo), Teatro  Bellas Artes (México D.F.), Fundación Juan March  (Madrid), Festival Clásicos en Verano 2008 (Madrid), entre otros. Actualmente Beatriz Arzamendi es asesora de la sección de Música de los Teatros del Canal (Madrid), y Vicepresidenta de la Asociación Mujeres en la Música.

Acerca de su estética musical Arzamendi nos envía el siguiente texto:

REFLEXIONES ACERCA DE MI MÚSICA

Por Beatriz Arzamendi

Tengo el mar en los ojos, la tierra en mis entrañas

Gabriel Celaya

“Mi música surge de un proceso intuitivo que supone una exposición casi espontánea de lo que habita  en mi interior.

Esas ideas y sentimientos profundos, base de mi creación, están repletas de todos los recuerdos de infancia, de mi formación humana y musical, fuerte e inevitablemente impregnadas de mis raíces vascas.

Todas y cada una de mis obras asientan sobre un componente rítmico explícito y contundente. Sin embargo, el material sonoro puede, en ocasiones, ser una mera referencia o el producto de una laboriosa manipulación cuyo resultado puede alejarse del origen hasta, aparentemente, romper su relación con él.

Antes de empezar una obra siento la necesidad de provocar en mi una situación anímica especial, y remuevo lo que me rodea  …, entonces empiezo a estar preparada para el abismo y el vértigo que me produce la hoja en blanco, el silencio por romper.

Considero, o aprecio la independencia de mi música en el sentido de que no pretendo pertenecer a ningún grupo o tendencia particular. He sentido inquietud, en mi época de estudiante, por acercarme y empaparme de todo tipo de corriente musical; me  interesa más escribir música desde la intuición, que llegue de forma más directa y expresiva.

Aspiro a escribir una música  desde la naturalidad ,me considero una mujer de mi tiempo, que vive inmersa en la inmediatez que producen los medios audiovisuales, que respira las inquietudes estéticas de mis propios hijos, consciente de la accesibilidad que permiten las herramientas electrónicas e informáticas actuales  para contactar con músicas de todo el mundo.

Siento un máximo respeto y un gran deseo por conocer todo tipo de tendencia o escuela musical; a pesar de ello mi pretensión sería ser capaz de que mi música no necesitara palabras.

Una música sin necesidad de explicación.”

Sitios recomendados:

Beatriz Arzamendi Ceciaga en Auñamendi Eusko Entziklopedia (articulo de enciclopedia)
Beatriz Arzamendi Ceciaga en Musikagileak (incluye catálogo)


(Actualizado el 16/07/2010)

Las mujeres en la práctica musical de Costa Rica entre 1790 y 1949 (inventario)

Por Susan Campos Fonseca


Retrato de Mercedes O´Leary, pianista y compositora costarricense (Dibujo de Valiente), portada de "Notas y Letras", 1894.

Retrato de Mercedes O´Leary, al pie se indica: "Distinguida pianista y compositora costarriqueña (Dibujo de Valiente)", portada de "Notas y Letras", 1894.

El siguiente inventario es una primera propuesta de entradas dedicadas a las mujeres que se destacaron en la práctica musical de Costa Rica entre 1790 y 1949(1), siguiendo la investigación de María Clara Vargas Cullell en su libro De las fanfarrias a las salas de conciertos. Música en Costa Rica (1840-1940). La información disponible ha sido organizada en tres grupos según los datos ofrecidos por Vargas Cullell, indicando: a.“Nombre” (por orden alfabético); b. Número de página (Nºp) en De las fanfarrias a las salas de conciertos, según el “Índice onomástico” de Vargas Cullell(2); y c. “Entrada”, apartado donde se recoge el perfil biográfico reconstruido por Vargas Cullell.

Este inventario es un resultado colateral a mi ensayo “Historia compensatoria y Filosofía: un caso centroamericano”, publicado la Revista de Cultura BABAB (Nº 33, 2008), ambos son parte de un proyecto de investigación independiente, iniciado en 2007, que dedico al estudio del discurso historiográfico-musical “costarricense”, a partir del género como categoría de análisis. A este respecto, agradezco muy especialmente la colaboración del Archivo Histórico Musical de la Universidad de Costa Rica (UCR), su coordinadora Zamira Barquero Trejos, y la archivista Annette Seas Cascante, cuyo apoyo es importantísimo para esta investigación. Asimismo debo informar que Barquero, junto a Tania Vicente y la Asociación Costarricense de Mujeres en la Música, han desarrollado un Diccionario de Mujeres Músicas de Costa Rica (en prensa), razón por la que este pequeño inventario se une al interés por establecer un espacio dedicado al estudio del legado de la mujeres, su existencia sonora e histórica, en Costa Rica y Centroamérica.

LISTADO Y PROPUESTA DE ENTRADAS:

GRUPO I (Nombre) (Nºp) Entrada
1. Caggiano, Zoraide 147, 201,                       202,

288

Caggiano, Zoraide (Costa Rica, 1914-?), pianista, alumna del compositor, pianista y director de orquesta Julio Fonseca y del pianista y fundador del Conservatorio de Música Guillermo Aguilar Machado. Miembro de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946), asociación que trabajó en la consolidación del Conservatorio de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional. Caggiano formó parte del grupo que participó activamente en el movimiento de “creación de la música costarricense” entre 1927 y 1938, apoyando a Roberto Cantillano en su reforma de la Bandas Militares y promoviendo la creación de los compositores costarricenses. Célebre también por su trabajo con el violinista Raúl Cabezas, con quien constituyó el Dúo Cabezas-Caggiano. En la actualidad el “Dúo Caggiano”, es formado por las pianistas Flora Elizondo y Ana Isabel Cabezas, quienes hacen honor a su nombre y obra.
2. González Zeledón, Marcelina 54,57, 165,                       183,

285

González Zeledón, Marcelina (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, viajó a España e Italia para completar sus estudios. Inició su actividad profesional en 1891, y en 1893 se destacó como profesora de canto de la Escuela Nacional de Música (1890-1894).
3. Maukish von Hossel, Elsa 147, 165,                       177,

178,

187,

198,

285

Maukish von Hossel, Elsa (Alemania, 1869?, Costa Rica 19?), pianista alemana residente en Costa Rica, inicia su actividad en 1891; conocida también como “Elsa de Echandi”, esposa del pintor, guitarrista y educador Enrique Echandi Montero (1866-1959), uno de los principales representantes de la plástica costarricense, su casa fue uno de los centros de tertulias musicales más conocidos de la época. Miembro de la sección de Bellas Artes del Ateneo de Costa Rica (1907-?) y de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946), principales centros de difusión para las artes, las letras y las ciencias así como en la “creación de la música costarricense”, consolidación del Conservatorio de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional durante este periodo. Profesora del Conservatorio de Música y Declamación (1915-?) de Costa Rica.
4. Montero Muñoz, Carmen 57, 147,                       165,

177-179,

187-189,

198,

218,

234,

286

Montero Muñoz, Carmen (Costa Rica, n?-1952), pianista, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, viajó a Bélgica para completar sus estudios, inicia su actividad profesional en 1905. Formó parte del grupo que participó activamente en el movimiento de “creación de la música costarricense” entre 1927 y 1938, apoyando a Roberto Cantillano en su reforma de la Bandas Militares y promoviendo la creación de los compositores costarricenses. Profesora del Conservatorio de Música y Declamación (1915-?) de Costa Rica. Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?) y posiblemente, al igual que su hermana, la cantante Luisa Montero, miembro también de la sección de Bellas Artes del Ateneo de Costa Rica (1907-?) y de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946), principales centros de difusión para las artes, las letras y fundamentales en la consolidación del Conservatorio de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional durante este periodo. Junto a su hermana Luisa hicieron de su casa uno de los centros de tertulias y clases privadas más interesantes de la época.
5. Montero Muñoz, Luisa 57, 147,                       165,

177-179,

187-189,

198,

286

Montero Muñoz, Luisa (Costa Rica, 1878-1952), cantante y violinista, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, completando sus estudios en la Escuela Nacional Conservatorio de Nueva York, Estados Unidos. Aunque inicia su actividad profesional en 1905 fue integrante de la Orquesta de Cuerdas de la Escuela de Música Santa Cecilia (1894-1956) dirigida por Joaquín Vargas Calvo a finales del siglo XIX. Miembro de la sección de Bellas Artes del Ateneo de Costa Rica (1907-?) y de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946), principales centros de difusión para las artes y las letras y fundamentales en la consolidación del Conservatorio de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional durante este periodo, así como de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?) y posiblemente de la Asociación de Maestros de Música. Profesora de canto en Conservatorio de Música y Declamación (1915-?) y de la Escuela Superior de Niñas y Párvulos Nº2 (San José, 1907). Junto a su hermana Carmen hicieron de su casa uno de los centros de tertulias y clases privadas más interesantes de la época. Además asistió a la convocatoria para discutir la “creación de la música costarricense” celebrada en el marco del Concurso de Música Nacional (5 de octubre de 1927), por lo que su implicación en dicho período aún necesita ser investigado con mayor detenimiento.
6. O´Leary Ramirez, Marita 167, 168,                       177,

178,

190,

198,

218,

236,

287

O´Leary Ramírez, Marita (Costa Rica, n.? y m.?), pianista, realiza sus estudios en Nueva York, Estados Unidos, iniciando su actividad profesional en Costa Rica en 1909, también conocida como Marita O´Leary de Hine. Ella y su hermana Mercedes son abaladas por la “Crónica” de Rubén Darío publicada en la Revista de Costa Rica, Año I, Nº3 (enero 1892), pp. 329-321. Asimismo son recordadas las tertulias musicales en su casa. Miembro de la Sociedad Musical de Costa Rica (1911), de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946) donde junto a César Nieto organizó el Orfeón de la Asociación. Posiblemente al igual que su hermana Mercedes O. de Tucker haya sido miembro de la sección de Bellas Artes del Ateneo de Costa Rica (1907?). Como profesora en la Escuela Párvulos Nº2 y Párvulos Nº3 (San José, 1907) posiblemente también miembro de la Asociación de Maestros de Música de la época. Fue miembro del Jurado del Concurso de Música Nacional (5 de octubre de 1927), junto a los compositores Alvise Castegnaro y César Nieto; por lo que su implicación en dicho período aún necesita ser investigado con mayor detenimiento.
7. O´Leary Ramirez, Mercedes 57, 168,                       170,

177,

178,

287

O´Leary Ramírez, Mercedes (Costa Rica, n.? y m.?), pianista y compositora, también conocida como Mercedes O. de Tucker. Ella y su hermana Marita son abaladas por la “Crónica” de Rubén Darío publicada en la Revista de Costa Rica, Año I, Nº3 (enero 1892), pp. 329-321. Asimismo son recordadas las tertulias musicales en su casa. Miembro del Ateneo de Costa Rica (1907?), fundamental en la difusión de las artes y letras durante este periodo. Algunas de sus obras, enmarcadas como “música de salón”, fueron publicadas en la Revista Notas y Letras (1893-1895) junto a las de Luz Machado, Alejandro Monestel, Pedro Calderón Navarro, Octavio Morales y Alvise Castegnaro; pero el total de su obra compositiva aún está pendiente de ser estudiado.
8. Rosat Bonnefil, Petra 57, 165,                       178,

189,

190,

286

Rosat Bonnefil, Petra (Costa Rica, 1873-1961), cantante, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, completó sus estudios en Guatemala y Francia, inicia su actividad profesional en 1890 dentro de la Escuela Nacional. Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?), y de la Sociedad Musical de Costa Rica (1911), y del Ateneo de Costa Rica (1907?), fundamental en la difusión de las artes y letras durante este periodo.
9. Segreda Solera, Zelmira, 54,57, 108,                       165,

189-191,

218,

286

Segreda Solera, Zelmira (Costa Rica, 1878-1923), cantante y pianista, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, completó sus estudios en Italia, e inicio su labor profesional en 1898. Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?), y de la Sociedad Musical de Costa Rica (1911). Se tiene noticia de que como pianista colaboró interpretando el telón musical para proyecciones cinematográficas de cine mudo (1916), pero destacó especialmente como cantante participando como solista de varias orquestas de la época, entre las que destaca la creada por la Asociación Musical (1915) dirigida por el belga Juan Loots, entonces Director General de Bandas.
GRUPO II (Nombre) (Nºp) Entrada
10. Castro, Angelina 165, 178,218 Castro, Angelina (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, miembro de la primera generación de músicos costarricenses formados por profesores extranjeros en Costa Rica, completó sus estudios en Italia. Miembro del Ateneo de Costa Rica (1907?), fundamental en la difusión de las artes y letras durante este periodo. Profesora de canto en las escuelas de Párvulos Nº2 y Mata Redonda (San José, 1907).
11. Mata Alfaro, Virginia 239, 242,244 Mata Alfaro, Virginia (Costa Rica, n. 1915? y m.?) compositora, una de las ganadoras del Concurso de Música Nacional (convocado el 5 de octubre de 1927), con su obra “Tardes de estero”(1929?). El concurso fue creado con el fin de establecer los parámetros estéticos que definieran la “música costarricense”. El ganador del primer lugar fue Julio Fonseca, y le siguieron Juan Rafael Alfaro, Roberto Campabadal, Gilberto Murillo y Juan de Dios Páez. Su obra fue promocionada por la Junta de Directores de Escuelas Oficiales de San José, realizando un concierto monográfico dedicado sus composiciones en el Teatro Nacional el 10 de octubre de 1935, pero el total de su obra todavía está pendiente de ser estudiado.
12. Caravaca, Inés 277, 279 Caravaca, Inés (Costa Rica, n.? y m.?), directora* de la Filarmonía de Goicoechea (1894) y de la Filarmonía de Santa Cruz (1897). El hecho de que ocupara un puesto directivo frente a una Filarmonía (banda de música), y considerando que las responsabilidades de dicho puesto podían incluir la enseñanza de los instrumentos de viento, el solfeo y la dirección musical del conjunto, abre un espacio interesantísimo para la investigación.

NOTA: Actualmente nuestras investigaciones apuntan a la posibilidad de que, como en el caso del reconocido músico costarricense don Pilar Jiménez, en el caso de Inés Caravaca, no debe desestimarse el que pudiera tratarse de un hombre con nombre de mujer. (Entrada actualizada el 26/08/2010)
13. Machado, Luz 56, 170 Machado, Luz (Costa Rica, n.? y m.?), pianista y compositora. Algunas de sus obras, enmarcadas como “música de salón”, fueron publicadas en la Revista Notas y Letras (1893-1895) junto a las de Mecerdes O´Leary, Alejandro Monestel, Pedro Calderón Navarro, Octavio Morales y Alvise Castegnaro; pero el total de su obra compositiva aún está pendiente de ser estudiado.
14. Mayoral, Encarnación 57, 187 Mayoral, Encarnación (Costa Rica, n.? y m.?), pianista. Profesora del Conservatorio de Música y Declamación (1915-?) de Costa Rica.
15. Reyes Calderón, Consuelo 147, 200 Reyes Calderón, Consuelo (Costa Rica, n.? y m.?), presidenta de la Asociación de Cultura Musical (1934-1946), asociación que trabajó en la consolidación del Conservatorio de Música y de la Orquesta Sinfónica Nacional. Además formó parte del grupo que participó activamente en el movimiento de “creación de la música costarricense” entre 1927 y 1938, apoyando a Roberto Cantillano en su reforma de la Bandas Militares y promoviendo la creación de los compositores costarricenses.
16. Zelaya, Pacífica 189, 287 Zelaya, Pacífica (Costa Rica, 1882-1907), pianista y arpista, realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Música, iniciando su actividad profesional en 1900. Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
17. Antillón, Julia 189, 191 Antillón, Julia (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
GRUPO III (Nombre) (Nºp) Entrada
17. Antillón, Herminia 189 Antillón, Herminia (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
19. Barrenechea Sanz, Matilde 285 Barrenechea Sanz, Matilde (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, realizó sus estudios en España, inicia su actividad profesional en 1891.
20. Bonnfil, Eloisa 189 Bonnfil, Eloisa (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
21. Bustamante, Ángela 218 Bustamante, Ángela (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, profesora de canto en las escuelas de Párvulos Nº1 y Párvulos Nº 2 (San José, 1907).
22. Casanova, Carolina 284 Casanova, Carolina (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, realizó sus estudios en Italia, inició su actividad profesional entre 1869 y 1876.
23. Casal, Sofía 219 Casal, Sofía (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, profesora de canto en la Escuela Varones Nº1 (Alajuela, 1912).
24. Castro, Berta 189 Castro, Berta (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
25. Castro,Ofelia 189 Castro,Ofelia (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
26. Del Valle, Eulasia 283 Del Valle, Eulasia (Costa Rica?, n.? y m.?), organista, realizó sus estudios en Guatemala. Inició su actividad musical en 1790, contándose entre los anales de la práctica musical durante el periodo colonial español. Sería importante realizar un estudio sobre su carrera en el marco de la historiografía guatemalteca, especialmente considerando la importancia de la circulación y legado musical virreinal.
27. Espinach, Elisa 189 Espinach, Elisa (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
28. González, Paulina 189 González, Paulina (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
29. Mata, Consuelo 219 Mata, Consuelo (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, profesora de escuela (Cartago, 1912).
30. Montero, Rosa 189 Montero, Rosa (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
31. Montes de Oca, Marta 218 Montes de Oca, Marta (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, profesora de escuela (San José, 1912).
32. Morales, Ester 189 Morales, Ester (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
33. Morales, María Luisa 189 Morales, María Luisa (Costa Rica, n.? y m.?), Miembro de la Sociedad Musical San Cecilia (1902?).
34. Morales, Mariana 169 Morales, Mariana (Costa Rica, n.? y m.?), violonista, miembro de la Sociedad Filarmónica de Heredia (1878).
35. Quirós, Clemencia 219 Quirós, Clemencia (Costa Rica, n.? y m.?), cantante, profesora de canto en las escuelas de Párvulos (San José, 1912).

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NOTAS:
1. Las fechas 1790 y 1949 corresponde en este estudio a los primeros datos ofrecidos por Vargas Cullel en relación a Eulalia del Valle (1790), y al inicio de la Segunda República en 1949, tras la Guerra Civil de 1948.
2. VARGAS CULLELL, María Clara: De las fanfarrias a las salas de conciertos. Música en Costa Rica (1840-1940), Editorial de la Universidad de Costa Rica, San Pedro de Montes de Oca, 2004.

Como citar este artículo:

CAMPOS FONSECA, Susan: “Las mujeres en la práctica musical de Costa Rica entre 1790 y 1949”, en LA RETRETA (columna Mousiké Logos), AÑO I, Nº 3, Julio-Agosto, San José de Costa Rica, 2008, ISSN: 1659-3510.

Compositoras Iberoamericanas y Españolas

Ponemos a disposición de la comunidad científica y el público en general, el primer listado actualizado de compositoras iberoamericanas y españolas, realizado por la musicóloga española especialista en música latinoamericana académica, estudios sobre las mujeres, y de género en música: Dra. Cecilia Piñero Gil. El presente listado es el resultado de la actualización del catálogo incluído en su investigación doctoral “Cuatro Compositoras Iberoamericanas del siglo XX” (Universidad Autónoma de Madrid, 1998), constituyéndose en una de las pioneras en este ámbito.

Este listado será actualizado periódicamente, para acceder PINCHAR AQUI.

El actual listado es una publicación de la “Colección Mousiké Logos” columna musico(etno)lógica de LA RETRETA.NET, siendo difundido en colaboración con ACIMUS, COMUARTE, y The Kapralova Society.

-Presentación oficial en OPUSMUSICA-

 

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