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Tesis cervantista, sendero quijotesco

En su número de marzo 2012, la prestigiosa revista internacional Música y Educación publicará una nota dedicada a la lectura de mi tesis doctoral:

Nota en la revista Música y Educación (detalle).

¡Muchísimas gracias! Todos los honones para l@s compositor@s y autor@s recogid@ en este proyecto de investigación: Luis Sandi; Jorge Arandi Navarro; Horacio López de la Rosa; Juan Orrego-Salas; Ana Lara; Luis Bacalov y Samuel Máynez-Champion; Gisela Hernández y Mirta Aguirre; Eduardo Morales-Caso; Frederico Richter, Carlos Drummond de Andrade y Cándido de Portinari; David Rosenmann-Taub; Germán Cáceres y Hugo Lindo; Marvin Camacho y Mario A. Marín; el movimiento Tropicália en Brasil; Milton Nascimento y César Carmargo Mariano; entre otros.

ACCIÓN “DIVA”

DÉCIMA EDICIÓN DE LA SINERGIA PALMA CENTRAL

Cartel oficial de LAPIEZA International Contemporary Relational Art Series

Dedicada a Regina Fiz

Claudia Yepes (soprano), María Palacios (cello), ANAMUSMA (Junk Art)
Susan Campos Fonseca (dirección musical y artística)
Equipo Técnico: Jorge Molinera y Carlos González.

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“DIVA es la apertura de una propuesta relacional, está pensada como deslocalización temporal de la voz operística y su re-escenificación al servicio de  la performance (LA PIEZA press). La escenografía sonora de DIVA constituye una propuesta mnemotécnica basada en el “borrowing” (música sobre músicas), la improvisación “live-electronic”, y el junk art. Está integrada dentro de una Serie pensada como performance extensiva y acumulativa, un “©ALTAR”, compuesto por acciones de “feminismo queer”. La idea de este altar nació con la muerte de Amy W., al observar la naturaleza de los altares que brotaban alrededor de su casa y las dinámicas relacionales que crecían a su alrededor. Un estudio de este fenómeno y los revival vinculados con la figura de A.W. y su música, fueron aunando cuerpos de divas a cuya existencia trágica nuestra sociedad rinde especial tributo, como María Callas o Marilyn Monroe. DIVA constituye por lo tanto el “primer acto”, podría decirse, de un monodrama que explora la iconoclástica contemporánea basada no solo en el difícil equilibrio entre tradición e innovación, sino en el binomio Eros-Pathos. En esta ocasión, la acción se centra en la idea de la Prima Donna, de la Pop Star, de la “D-Queen”, como deidad contingente cuya figura, basada en el artificio y el deseo, alimenta imaginarios sociales.  Este es un proyecto de investigación trans-disciplinar, que invita a reflexionar sobre qué cuerpos son objeto de nuestra memoria, y cómo entendemos la historia de las mujeres a través de ellos.” – Susan Campos F.

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Performance operística+instalación relacional. La Acción DIVA abrirá además la presentación de una nueva instalación en LAPIEZA (SERIES 30+31+32), con obras de TOÑO CAMUÑAS, FRANCISCO MATEOS, ÁNGELA MONGE, LUIS PADRERA, LUCÍA C PINO, EDUARDO CAJAL, YREALYDAD, TOMOTO, ESLOMO, MANUEL MAQUEDA, MARISA CAMINOS, MARÍA ENRÍQUEZ, SEBAS BEYRO, y FREDRIK LUND.

DIVA en LAPIEZA (detalle "onírico"). Foto cortesía de Jorge Molinera©2011

“DIVA TEASER” by TOMOTO FILMS

Periodismo musical e ideología en Madrid

Portada.

Los señores de la crítica: Periodismo musical e ideología del modernismo en Madrid (1915-1959). Cascudo, Teresa & Palacios, María (eds.). Ed. Doble J, Colección Música, Sevilla, 2011, 436, páginas. (*)

La historia de la crítica musical en España, su vinculación e impacto ideológico en el marco de políticas culturales concretas, es al día de hoy un ámbito de investigación en desarrollo que afecta, -al ser las fuentes hemerográficas básicas en los estudios históricos-, directamente el discurso musicológico “oficial”, promovido desde las instituciones académicas y sus “repetidoras” en los medios de comunicación masiva. Por esta razón, la publicación de un libro colectivo dedicado al análisis de discursos ideológicos mediados por la práctica musical y su presencia en la vida pública del Madrid de entreguerras, es todo un acontecimiento.

Tal y como indican las editoras del volumen, la Profª. Drª Teresa Cascudo (Universidad de La Rioja) y la Profª Drª. María Palacios (Universidad de Salamanca), la investigación en este ámbito ha contado con la importante contribución de catálogos críticos, indexación de fuentes hemerográficas, y ediciones facsímiles, a las que se suma el proceso de digitalización en el que se hayan actualmente comprometidas las bibliotecas españolas, particularmente la Biblioteca Nacional de España y la Biblioteca Nacional de Catalunya, así como algunas universidades. Lo que, como bien indican en su “Introducción”, anuncia drásticos cambios en el desarrollo de las investigaciones basadas en documentación hemerográfica y su estudio comparado con otras fuentes, a fin de contrastar, en primer término, la información conservada.

Imagen de portada: Caricatura de Bagaría, publicada en El Sol el 5 de febrero de 1928.

En consecuencia, el argumento acerca de la falta de estudios que aborden de forma sistemática y pormenorizada estas fuentes, -a las cuales se puede acceder de manera cada vez más eficiente-, no sería suficiente si esta publicación se limitara a la descripción historiográfica tradicional. Siendo así, desde la “Introducción” la propuesta es analizar el contexto cultural de España durante este periodo (1915-1959), sus redes productivas a nivel empresarial, creativo e ideológico, que subsistían y a las cuales se vinculaba la figura de “el crítico”, que no era la misma en todos los casos. La construcción de esta figura, a la par que la de “el historiador”, resulta fundamental en este trabajo colectivo, especialmente al proponer un contrapunto con otras líneas afines de investigación en ciencias humanas y sociales.

Frente a los numerosos trabajos que discuten conceptos como “generación del 98”, “generación del 27”, “vanguardia”, “nueva música”, “modernismo” (en el sentido restrictivo asociado a Rubén Darío y su influencia) o “modernisme” y “noucentisme”. El libro propone un estudio del “modernismo hispano” y sus particulares redes ideológicas y estéticas. Difícil cuestión, ya que revisa líneas y grupos de influencia que han determinado, –en todos los sentidos de la expresión-, la creación musical en España. Revisando enfoques de análisis que hasta el día de hoy han dominado, y nunca mejor dicho, el estudio del pensamiento musical durante este período.

Se trata de un problema de estudio complejo, al que los artículos de Teresa Cascudo, Ruth Piquer, Francisco Parralejo, Belén Vega, María Palacios, Christiane Heine, María Cáceres, Eva Moreda, Igor Contreras, y Xosé Aviñoa, se enfrentan. Asumiendo el reto de estudiar la crítica musical como fuente para la investigación del pensamiento contemporáneo, durante un periodo dividido por eventos dramáticos: dictaduras, repúblicas malogradas, guerras mundiales, y finalmente la Guerra Fría. Considerando al “modernismo hispano” en su más compleja y amplia extensión. – Susan Campos Fonseca

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(*) El libro saldrá el breve, esta es una primicia.

Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias “Fallen Diva”

“Fallen Diva” de Andrew Stevovich (1981-82).

El Centro de Estudios Brasileños y el Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la USAL ofrecen, el próximo 16 de diciembre, la conferencia titulada “Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias ‘Fallen Diva'”, impartida por la Dra. Susan Campos Fonseca, de la Universidad Autónoma de Madrid. La conferencia propone una introducción interdisciplinar que combina el estudio del jazz en Latinoamérica y en las comunidades latinas de los Estados Unidos, añadiendo a esto su relación con España. La conferencia plantea las siguientes preguntas: ¿es el jazz latino una audiotopía, un espacio simbólico construido en sonotipos a través de performances sociales? Más aún, tratándose de una forma de arte que rinde culto al instante, a la poiésis del sí mismo/a ¿Qué sucede cuando se trata de un tipo de latinidad que no está ni propiamente dentro ni propiamente fuera, cuando el caso es “una mujer actual, rubia y pianista de jazz”, brasileña residente en Nueva York: Eliane Elias ¿Qué ocurre cuando un icono del jazz latino coincide con un icono del jazz estadounidense: Diana Krall. Cuando ideas sólidas sobre músicas se vuelven líquidas. Susan Campos Fonseca, filósofa de la cultura y directora musical, expondrá al debate estas y otras preguntas durante la charla que ofrecerá en el Palacio Maldonado, a partir de las 12:00 horas. La entrada es libre hasta completar el aforo. (Leer más)

*CEB_USal_AGENDA*

TRABAJOS RELACIONADOS:
-CAMPOS FONSECA, Susan.  “Four Women de Nina Simone: el cuerpo como memoria”. En: ITAMAR. Revista de investigación musical: territorios para el arte,  Año 2010, Nº 3, Valencia: Rivera editores/Universitat de València, pp. 167-175.
– CAMPOS FONSECA, Susan. “¿Una habitación propia en el “Jazz Latino”?”. En: IASPM@Journal, Vol. 1, Nº2 (2010).
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Baricco en la voz de Luca Chiantore

BARNUM en las vitrinas de El Argonauta, Madrid.

Ayer martes 11 de octubre visité la Librería de música El Argonauta, presentaban  Barnum: Crónicas del gran show musical, primera traducción al castellano de escritos escogidos de un autor de culto, Alessandro Baricco. Algo me decía que no sería una “típica” presentación siendo Luca Chiantore, realizador de la selección y prólogo, responsable del evento. Lo que no me esperaba, -incluso conociendo la profundidad del pensamiento de Luca-, era que tendríamos la oportunidad de escuchar a Baricco en su voz, traído a la vida mediado por la experiencia íntima de una lectura personal, vivificante, tan extrema en su fuerza humana que debo confesar, me conmovió. No puedo decir que la presentación fuera una conferencia, porque el apelativo académico del término desvirtuaría lo que fue un acto de generosidad intelectual y humana, de una persona comprometida con la creación vital.

Conmovida, así salí de la presentación de Barum. No debía sorprenderme, es verdad, siendo Luca Chiantore quien daba voz a Baricco entre nosotros. Sin embargo, en tiempos como los que estamos viviendo, los escritos que leía con tanta convicción ribeteaban el contorno luminoso de un camino que, entre tantos discursos sobre la crisis actual, dejaba entrever cómo la peor de las crisis es la humana, la ética. Nuestro tiempo contempla extasiado cómo la flama de la “sociedad de bienestar” titubea inminentemente… al menos eso parecía hasta que escuché a Luca dar voz a esos pequeños trozos de memoria que salían a la luz dinamizados por una energía sonora, vibrante de vitalidad como brotes de otras flamas que, no hijas de la flacidez, -como esa que se contonea débilmente-, recordaban una fuerza que sigue estando allí, latiendo con lucidez… si, Lucidez, magnífica palabra.

BARNUM (portada)

En otro momento hablaré del libro per se, el cual espero reciba la atención y lecturas ya no que merece, sino que nuestra sociedad necesita. Porque este no es un libro balsámico ni muchos menos, ya lo sabrán quienes conocen a Baricco, no diré obviedades.  Este libro es un regalo, pero a la vez un arma, o mejor dicho, una fortaleza para quienes sepan encontrar en sus páginas el camino para la resistencia en “This Hard Land”, porque, como cantó The Boss, citado por Baricco: Well if you can’t make it stay hard, stay hungry, stay alive if you can.

Gracias Baricco, gracias Luca.

Susan Campos Fonseca
Madrid, 12 de octubre de 2011
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VIDEOS EN EL ARGONAUTA

Amy Winehouse Forever (¿!)

Por Susan Campos Fonseca

“Las drogas se llevaron su don, su alma y su luz mucho antes de llevarse su vida”.- Josh Groban.

Escribo para exorcizarme de una muerte, la de Amy Winehouse. Las crónicas de su muerte anunciada inundan la prensa, pero el Back to Black tiene poseída mi cabeza. El sonido que emanaba de su cuerpo mutilado continúa destilando esa ansiosa y tatuada melancolía. Su imagen de “Pin-up” me arrolló como esas “Muchachas” de Toño Comuñas, terrible revelación. Por eso ante ellas, voluptuosas y místicas, debo confesar el duelo que guardo por la figura seca de Amy, por su rostro que fue demacrándose ante las cámaras, por las llagas que borraron su sonrisa y el logos oscuro de su voz.

Quizás debería escribir un artículo riguroso, analizando el fenómeno que significó para la Industria y las posibles lecturas críticas de su producción en soul, jazz, R&B, rock & roll, y ska. Podría dedicarme al estudio de su personal branding, de la imagen que de ella se consumía en los medios y la máscara del tocado exagerado que empaquetaba su voz. Podría escribir acerca de los hábitos de consumo que influyeron en su éxito comercial, incluso en lo queer de sus prácticas como compositora y cantante. Pero la “coleccionista” ganó la batalla a la “científica”.

No obstante, resultan insultantes los titulares que ahora la suman a la lista de mitos muertos, en este caso, al llamado “club de los 27”. Quien sabe si durará tanto su memoria. Hoy por hoy todo se consume tan rápido que dudo que quienes consumieron su imagen la recuerden no en años, sino en meses e incluso semanas. Ya había empezado a difuminarse su figura ante nuevos productos que buscaban repetir su éxito. Si somos críticos, su voz remite a toda una tradición, el suyo puede considerarse un “revival” iconoclasta de estéticas y memorias performativas reunidas en un estilo de postguerra.

Por eso me imagino un retrato suyo bajo la mirada de Comuñas: su rostro reanimado bajo una estrella invertida de cinco puntas, su voz gimiendo deliciosamente bajo una jauría de diablillos susurrándole “bochorno” al oído. Me gustaría recordarla así, rodeada por deliciosos monstruillos y calaveras alegres, su tremenda cabellera flamante como un fuego oscuro. Amy retratada por Comuñas, silenciosa, observándonos en el breve instante de “Love is a Losing Game”.

Es posible que sus discos se conviertan de nuevo en récords de ventas en estos días. Los que se enriquecían lo seguirán haciendo, ya rentabilizaran su “pérdida”, incluso, siendo cruel, hasta les habrá venido bien, considerando el estado en que Amy se encontraba. Y el público, animal colectivo, consumirá desmedido sus discos como una eucaristía, para olvidarla plácidamente bajo la siesta.

Serie: Amy Winehouse in memoriam
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La prestigiosa revista digital SALON KRITIK publica mi epitafio a Amy Winehouse:
________________También lo publica LADO B Magazine __________________

Sin contar la música: Ruinas, sueños y encuentros en la Europa de María Zambrano

Portada, 2011

Quienes lean Sin contar la música: Ruinas, sueños y encuentros en la Europa de María Zambrano, de Joaquina Labajo Valdés, entenderán la connotación de esta expresión con que decido abrir este primer y brevísimo comentario: Me quito el sombrero ante la genialidad que todavía es posible. Digo primer, porque estas palabras son solo un comentario frente a las reseñas rigurosas que se irán sucediendo dedicadas a esta obra sui géneris en el ámbito español.

Mucho tiempo esperé que algo así sucediera, que un ensayo cómo este fuera escrito por la pluma de una intelectual que no proviniera de ámbitos hegemónicos como la crítica literaria o la historia de la filosofía. Aunque quizás, y recordando otras publicaciones a las que dedico sendas reseñas, esperaba un texto que llevara la historia filosófica de la música a otro nivel. Quizás me traiciona mi juventud y entusiasmo, debajo del cual fluye, muy posiblemente, el agotamiento con ciertas líneas académicas que siguen dominando la musicología española, aquellas que establecen las generaciones, sucesiones y jerarquías de los discursos. Pero en este caso, todo lo que me parecía oscuro del sistema, de repente carece de importancia, porque como en la vida cívica, un cambio se está gestando, y no es casualidad que se manifieste desde la sociología de la música y  la etnomusicología, y no desde la musicología “oficial”. Gran satisfacción siento por este hecho, porque es resultado de un trabajo subterráneo de larga data, que se venía sintiendo con fuerza, incluso en los formatos académicos, no sin cierta transgresión, y por supuesto incomodidad, por parte de ciertos sectores conservadores.

María Zambrano

Dejo para la reseña “académica”, por lo tanto, el profundizar en los aspectos formales y de contenido que, desarrollados en el marco de la tesis de la autora, organizan, como ella indica, sus diferencias con música. Pero, y esto me interesa especialmente, se recuperan historias de un pensamiento sumergido del que la obra de la filósofa María Zambrano es prueba y testimonio.

Joaquina Labajo demuestra una erudición que en ningún momento agota al lector(a), consigue hilvanar, -y esta es una imagen muy presente en todo el texto-, voces de memoria histórica, línea a la que me siento tremendamente afín. Durante mucho tiempo he seguido el trabajo de Labajo, pero este libro es sin duda un ensayo que supera mis expectativas.

Aires de cambio se respiran en sus páginas, coincidiendo, casualmente, con los eventos históricos que se están viviendo en España (el Manifiesto “Indignados”). Así que en mi lectura de Sin contar la música  se mezclan, la indignación por un sistema que promueve una “musicología forense” (citando a Rubén López-Cano), y una músico(etno)logía que, bajo otros nombres, se entreteje con la Vida.

Susan Campos Fonseca
Madrid, 22 de mayo de 2011

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NOTA: Aunque, tengo claro que una cosa es lo que “puedo” compartir en el blog, donde el tono se exige más “personal”, y otra lo que “profesionalmente” debo incluir en una reseña “científicamente académica”…. la situación es política.

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Texto relacionado: “Quadrivium re(des)-membrando” -Susan Campos en SALON KRITIK.


La brutalidad de “lo bello”

Harry Sparnaay en "JA ZEGGEN", ópera de cámara de Ilse van de Kasteelen (Amsterdam, 1994)

Por Susan Campos Fonseca

El martes 26 de abril de 2011, en la Sala Manuel de Falla (SGAE), en Madrid, la Asociación de Mujeres en la Música (AMM), en colaboración con la Red OFF ARTERIA, presentó, dentro de su temporada 2010-11, un programa de obras para clarinete bajo y cinta (música electroacústica), a cargo una de las figuras más  importantes dentro del ámbito: Harry Sparnaay. A quien la AMM tuvo de invitado dentro del X Festival de Mujeres en la Música celebrado en Getxo el año pasado.

En la primera parte de concierto Sparnaay interpretó Hábitat de Cruz López de Rego (España), seguido de Resonancias II de Ailem Carvajal-Gómez (Cuba-Italia), Sublingual de Alejandra Hernández (México), sobre un poema sonoro de Rocío Cerón  -primera audición en España-,  y de Verónica Tapia (Canadá), Ladano/Sparnaay, todas para clarinete bajo y cinta. Después de la pausa, la segunda parte estuvo conformada por A Chillida en a-ciencia de Mercé Capdevila (España), Por abrir acantilados de Diana Pérez Custodio (España), Ónice de Alexandra Gardner (EE.UU), y de Sungji Hong (Corea), Black arrow, también para clarinete bajo y cinta.

"Cow’s Skull with Calico Roses" (1931), Georgia O’Keefe

No pretendo resumir en unas cuantas líneas lo que implica un concierto de Harry Sparnaay, es una experiencia que tiene que vivirse. Pero no puedo dejar pasar este concierto, porque su naturaleza, y nunca mejor dicho, me obliga a meditar acerca de la brutalidad de “lo bello” (porque todavía se puede hablar de ello dentro de la creación actual). Me llamó especialmente la atención la manera en que Sparnaay entretejió un discurso a través de pensamientos musicales que de forma aislada podían parecer disímiles, pero que en el contexto de su interpretación desvelaban, en concordancia con las primeras vanguardias, -por ejemplo, en las pinturas de cráneos y flores de Georgia O’Keeffe-, un tipo de brutalidad de la Naturaleza que resulta “desgarradoramente bella”. No voy a negar que el hecho de que se tratara de obras de compositoras me llevó a cuestionar, en este sentido, en qué medida subsiste una narrativa común que vincula este tipo de “belleza” con “lo femenino”. Pero debo confesar que en las obras en cuestión subsistía como expresión una “fuerza de la naturaleza” en su sentido matricial más oscuro, no sé si consciente o inconsciente. Sentido que en conjunto, mediado por la interpretación de Sparnaay, pareció desvelar una paisaje sonoro indómito, como si existiera un caudal subterráneo que las uniera…

"Luminoso" (CD, portada) de Alexandra Gardner

Porque un intérprete de la calidad de Sparnaay pone en evidencia el problema de caer en los tópicos, y forzar interpretaciones. Pero debo destacar, en el sentido anterior, que más que un concierto tradicional el suyo fue una especie de ritual, es decir, que él participó de ésa condición “oscura” de “lo matricial”. Y al mismo tiempo, el suyo fue un performance acerca de la ejecución de la música clásica contemporánea como filosofía. Lo que otorgó al concierto una cierta condición de “Manifiesto estético”, razón por la que quiero dejar constancia del evento con esta breve nota.

Lamentablemente, no basta con promover la música de compositoras en conciertos si no se deja huella en la crítica, por más sencilla que esta sea. Se hace necesario crear debate sobre las obras, que van siendo filtradas no solo a través de las redes de los patriarcados de turno, si no de los silencios y omisiones del propio gremio “de mujeres”, donde los activismos se confunden con carreras privadas. Porque quizás se trata de eso, de una “carrera privada”, y formar redes para promoverlas. Vamos a ver si es el peso de la calidad o el de la política el que impera. Al día de hoy existe suficiente masa crítica como para averiguarlo.

No obstante, quedan conciertos como el de Harry Sparnaay, donde la diversidad parece revelar una especie de unidad, quizás la matriz de un contratiempo dentro de la propia creación musical y sus cánones en ambos sentidos (patriarcados y activismos feministas). Hay que prestar más atención a este fenómeno, porque más allá del número, de las estadísticas de participación y la llamada “igual de género”, en la creación están pasando cosas realmente importantes a las que no se les está prestando la atención debida. Y este concierto fue una prueba de ello.

Mujer versus Música

Invitación a la presentación


El viernes 18 de marzo tuvo lugar en El Argonauta, la librería de la música. la presentación del libro “MUJER VERSUS MÚSICA: Itinerancias, incertidumbres y lunas” publicado por Rivera Editores, que contó con la presencia de:

De izq. a der.: Rosa Iniesta, Susan Campos, Marisa Manchado y Cruz López Rego.

Susan Campos Fonseca (moderadora) – Compositora y directora de Orquesta
Cruz López Rego – Presidenta de la Asociación de Mujeres en la Música
Marisa Manchado Torres – Compositora
Rosa Iniesta Masmano – Musicóloga y coordinadora de la edición de Mujer versus música

Tras la cual tuvo lugar un concierto de guitarra con música de diversas compositoras, gracias a los alumnos del Conservatorio Teresa Berganza.

Más información.

Libro incluido en la selección de textos que realizó La Librería de la música El Argonauta (Madrid) con motivo del  100º aniversario del Día Internacional de la Mujer.(Ver selección)

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Compartido con el Seminario María Zambrano, Universidad de Barcelona (UB.edu).

Aporías sobre la “música colonial latinoamericana”

Los Angeles, California, 1:57 AM

Portada

Me despierto de madrugada con una preocupación aguda. Ayer estuve leyendo Music and Urban Society in Colonial Latin America (Cambridge, 2010), editado por Geoffrey Baker (Royal Holloway, University of London) y Tess Knighton (University of Cambridge), cuyo antecedente directo es otro libro en lengua castellana titulado La música y el Atlántico. Relaciones musicales entre España y Latinoamérica editado por María Gembero Ustárroz y Emilio Ros-Fábregas (Granada, 2007).

Se trata del material utilizado por la Dra. Olivia Bloechl en su Seminario dedicado a los estudios postcoloniales en UCLA, al que espero asistir de oyente, así que por estar tratando de preveer el debate me ha asaltado en plena madrugada una preocupación conceptual básica ¿cómo se puede seguir hablando de música “colonial” latinoamericana? En este caso, alrededor de las acciones desarrolladas por la orden Jesuita durante el periodo colonial español en tierras del “Nuevo” mundo. Me preocupa aún más porque conozco el artículo de Geoffrey Baker titulado “Latin American Baroque: performance as a post-colonial act?”Me encuentro ante un complejo problema de Historia conceptual.

Veo con preocupación que se sigue reproduciendo una conjunción que es en sí misma una aporía, porque el concepto de “colonia” y la orden Jesuita están construidos sobre el paradigma del “sistema cortesano”, mientras que el de “Latinoamérica”, creado a mediados del siglo XIX, se debe al paradigma del “estado nacional” (Ver: Librosdelacorte.es/Artículos). Compruebo además en la bibliografía utilizada por los autores(as) una ausencia preocupante de los “estudios de corte”, línea de avanzada en las investigaciones históricas actuales, desarrollada por instituciones de investigación europeas agrupadas por The Court Studies Forum, que cuenta con The Society for Court Studies (Londres), el Centre Château de Versailles  (Paris), la Asociación L’Europa Delle Corti (Italia) y el Instituto universitario “La Corte en Europa” de la Universidad Autónoma de Madrid (IULCE-UAM), es más, Tess Knighton participó en el Congreso que el Forum realizó en Madrid el año pasado, organizado por el IULCE-UAM. En resumen, no se puede alegar desconocimiento.

Estoy ansiosa por conocer la opinión de la profesora Bloechl. Sin duda ya es hora de que los conceptos sobre los cuales se ha construido la mitología del “barroco latinoamericano” o la “música colonial latinoamericana” sean revisados críticamente por los especialistas. No se pueden continuar reproduciendo modelos que omiten un hecho básico: que la orden Jesuita era una orden cortesana, con funciones religiosas, políticas y educativas muy específicas dentro del  “estado confesional”, al igual que la orden Jerónima, Dominica o Carmelita. Los musicólogos históricos tienen que revisar la historia de los conceptos sobre los cuales basan sus análisis. En fin, este año se celebrarán dos congresos sobre el tema en Madrid (Ver: www.iulce.es).

Pero me temo que la tan defendidad “interdisciplinariedad” de la supuesta “comunidad científica internacional” no sea más que un simulacro fomentado por grupos y escuelas nacionales que se reúnen para repitir cada una su monólogo analítico, disputándose la hegemonía. –  Susan Campos Fonseca