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Periodismo musical e ideología en Madrid

Portada.

Los señores de la crítica: Periodismo musical e ideología del modernismo en Madrid (1915-1959). Cascudo, Teresa & Palacios, María (eds.). Ed. Doble J, Colección Música, Sevilla, 2011, 436, páginas. (*)

La historia de la crítica musical en España, su vinculación e impacto ideológico en el marco de políticas culturales concretas, es al día de hoy un ámbito de investigación en desarrollo que afecta, -al ser las fuentes hemerográficas básicas en los estudios históricos-, directamente el discurso musicológico “oficial”, promovido desde las instituciones académicas y sus “repetidoras” en los medios de comunicación masiva. Por esta razón, la publicación de un libro colectivo dedicado al análisis de discursos ideológicos mediados por la práctica musical y su presencia en la vida pública del Madrid de entreguerras, es todo un acontecimiento.

Tal y como indican las editoras del volumen, la Profª. Drª Teresa Cascudo (Universidad de La Rioja) y la Profª Drª. María Palacios (Universidad de Salamanca), la investigación en este ámbito ha contado con la importante contribución de catálogos críticos, indexación de fuentes hemerográficas, y ediciones facsímiles, a las que se suma el proceso de digitalización en el que se hayan actualmente comprometidas las bibliotecas españolas, particularmente la Biblioteca Nacional de España y la Biblioteca Nacional de Catalunya, así como algunas universidades. Lo que, como bien indican en su “Introducción”, anuncia drásticos cambios en el desarrollo de las investigaciones basadas en documentación hemerográfica y su estudio comparado con otras fuentes, a fin de contrastar, en primer término, la información conservada.

Imagen de portada: Caricatura de Bagaría, publicada en El Sol el 5 de febrero de 1928.

En consecuencia, el argumento acerca de la falta de estudios que aborden de forma sistemática y pormenorizada estas fuentes, -a las cuales se puede acceder de manera cada vez más eficiente-, no sería suficiente si esta publicación se limitara a la descripción historiográfica tradicional. Siendo así, desde la “Introducción” la propuesta es analizar el contexto cultural de España durante este periodo (1915-1959), sus redes productivas a nivel empresarial, creativo e ideológico, que subsistían y a las cuales se vinculaba la figura de “el crítico”, que no era la misma en todos los casos. La construcción de esta figura, a la par que la de “el historiador”, resulta fundamental en este trabajo colectivo, especialmente al proponer un contrapunto con otras líneas afines de investigación en ciencias humanas y sociales.

Frente a los numerosos trabajos que discuten conceptos como “generación del 98”, “generación del 27”, “vanguardia”, “nueva música”, “modernismo” (en el sentido restrictivo asociado a Rubén Darío y su influencia) o “modernisme” y “noucentisme”. El libro propone un estudio del “modernismo hispano” y sus particulares redes ideológicas y estéticas. Difícil cuestión, ya que revisa líneas y grupos de influencia que han determinado, –en todos los sentidos de la expresión-, la creación musical en España. Revisando enfoques de análisis que hasta el día de hoy han dominado, y nunca mejor dicho, el estudio del pensamiento musical durante este período.

Se trata de un problema de estudio complejo, al que los artículos de Teresa Cascudo, Ruth Piquer, Francisco Parralejo, Belén Vega, María Palacios, Christiane Heine, María Cáceres, Eva Moreda, Igor Contreras, y Xosé Aviñoa, se enfrentan. Asumiendo el reto de estudiar la crítica musical como fuente para la investigación del pensamiento contemporáneo, durante un periodo dividido por eventos dramáticos: dictaduras, repúblicas malogradas, guerras mundiales, y finalmente la Guerra Fría. Considerando al “modernismo hispano” en su más compleja y amplia extensión. – Susan Campos Fonseca

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(*) El libro saldrá el breve, esta es una primicia.

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“Feminism is Queer” de M. Marinucci

Por Susan Campos Fonseca

Part I (29/10/2011)

Este es un proyecto de reseña seccionada ligado a un proyecto de exploración personal, relacionado con una crisis de fe. Lo digo así, porque durante los últimos años mis investigaciones en la línea de los estudios sobre las mujeres y la música me han llevado por múltiples callejones, desde donde han emergido máscaras de diversa índole, activismos específicos y sobre todo luchas de poder personalizadas. No entraré en detalles ahora, lo importante es la consciencia que tengo de que entre los “Clubes de Señoras” y las asociaciones de “lucha por la igualdad de género en la cultura” existen diferencias generacionales y de poder adquisitivo, pero no de mentalidad.  Conocido es el debate entre los llamados feminismos “de la igualdad” y “de la diferencia”, pero su perfil esencialista, por más filósofas y críticas literarias prestigiosas que los respalden, funciona en una dirección: la del poder (sea de izquierdas o derechas, hasta aquí llega el dualismo). Lo escribo y asumo las consecuencias, porque este NO ES EL CAMINO que, por convicción, debe seguir una Musicología feminista que pretenda ser coherente con los tiempos que corren, o cualquier otro “contratiempo” (como diría Geneviève Fraisse) que les venga al encuentro.

(portada)Por esta razón he decidido detenerme un momento a contemplar el panorama, para meditar las opciones, más aún si pretendo seguir en esta línea de trabajo. Así llegué al libro de Mimi Marinucci Feminism is Queer. The intimate connection between queer and feminist theory (2010). La autora expone el determinismo biológico y “de género” que marca las construcciones socio-culturales desde el paradigma del “deseo sexual” (citando a Jagose, 1996, p.3, en p. 61), porque, y resumo, pareciera que finalmente todo tiene que ver con “los sexos” de la cultura, en primer, segundo y tercer grado, según dicta la norma del “biopoder” (citando a Beatriz Preciado).

Esto no es nuevo, pero resulta revelador que la autora, en su proyecto crítico orientado hacia la alternativa de un “feminismo queer”, utilice como ejemplo el Michigan Womyn`s Music Festival (pp. 53-63), enfrentado al activismo feminista con el transfeminismo ¡magnífico! evidenciando así lo que tanto me interesaba: las aporías éticas y estéticas de los estudios sobre las mujeres en la música.

Pero poco a poco, voy por la mitad del libro, así que me quedo con esta inquietud: así como “lo femenino” NO ES igual a mujer y “lo masculino” igual a hombre,  “lo queer” no es igual a homosexual, lesbiana, bisexual y/o transexual ¡Herejía! No, afirma Marinucci. Esencialismo dualista sí, y nuestra sociedad es esencialista, incluso cuando habla de “tercer sexo”. Sin embargo, “(…) By challenging the binary in this manner, queer theory is capable of resisting esencialism while simultaneously affirming the experiences of people for whom the established categories are problematic as well as people for whom the established categories are relatively unproblematic” (Marinucci, p. 61).

Sigo leyendo….

Part II (05/11/2011)

Terminada una primera lectura del libro, -me gustaría volver a repasarlo-, resumo cómo Marinucci propone un recorte “contextual” del Feminismo, acotado a la versión anglosajona por “waves” (olas), la primera y segunda, en secuencia histórica occidental, relacionadas ambas con el movimiento de “Liberación de la mujer”, y la tercera, con el llamado “pluralismo”, es decir, bordeando el sentido “occidental-judeo/cristiano-blanco-heterosexual”, para resumir muy grosso modo. Marinucci llega a esta “tercera ola” y cito: “Finaly, postmodern feminism and third-wave feminism both have been associated with feminist theory, feminist ethics, and feminist epistemology, and both warrant some discussion. With addition of postmodern feminism and third-wave feminism, the inventory of the various articulations of feminism now includes liberal feminism, Marxist feminism, radical feminism, socialist feminism, multicultural feminism, global feminism, ethics of care, ecofeminism, feminist empiricism, feminist standpoint theory, postmoderm feminism, and finally third-wave feminism.” (p. 86). Entre tantos “ismos”, la autora procura resumir las interconexiones entre ellos a nivel histórico e ideológico, para concluir que “postmodern feminism overlaps with both third-wave feminism and queer theory”. (p. 96). Esta claro que este es un discurso centrífugo y de relevos generacionales, pero la “pluralidad” expuesta por Marinucci obliga a una revisión de lo que entendemos por “Feminismo”, y “lo queer” de esta línea de pensamiento dentro de las espirales del activismo mediático y académico.

Ahora bien, es en la última parte de su libro (Sección IV), donde la autora, ¡al fin!, nos habla de qué entiende por “Queer Feminism”. Durante toda la obra nos ha introducido cada sección con epígrafes de L. Frank Baum y su mundo de Oz, donde la palabra “queer” es utilizada de un modo poiético (creador) especialmente relevante para la autora. En este último apartado nos dice: “Dorothy (…) which promised to be just as queer and unusual as were those she had before encountered.” (L. F. Baum, Dorothy and the Wizard in Oz, en Marinucci p. 103). Pero considerando su concepción teórico-teleológica “de relevos”, sus citas de Baum me remiten más a las fotografías de Annie Leibovitz para Vogue.

A. Leibovitz y K. Knightly recrean para la revista "Vogue" (Dic. 2005) el mundo de Oz.

En sus notas hacia un “feminismo queer” la dirección de Marinucci parece estar tomada. Sin embargo esta última sección es declaradamente experimental, no encontrando la precisión que esperaba. Pero el punto de partida es evidente: el feminismo como línea de pensamiento y acción ha sido y es, desde un principio, un movimiento “queer”. Enfrentado a “lo normativo” en diferentes momentos y lugares, desde distintas perspectivas y necesidades sociales, políticas, culturales, éticas, étnicas, sexuales, etc. Marinucci concluye: “Cultural jamming, radical cheerleading, and zine making are just three examples of queer feminist practice within popular culture.” (p. 111). Un Apéndice de términos y conceptos cierra el libro.

Muñecas "vintage" de Oz

Este es un trabajo introductorio, por algo había que empezar. La autora resume un estado de la cuestión difícil de acotar y nos provee de una perspectiva: el feminismo es queer como intervención a “lo normativo”, apropiación “no normativa” de “lo inapropiable” y “lo inadecuado”… pero, una vez más, la naturaleza centrífuga de los conceptos nos atrapa. Me temo que tratamos con feminismos “de muñecas”. No obstante, contemplo la posibilidad de un “feminismo queer” que vaya más allá del disfraz.

Entro en el mundo de OZ, pero ¡atención! no todxs somos Dorothy, ni “lo queer” del mundo de Oz, es evidente que no vamos “Over the Rainbow“…

Aporías sobre la “música colonial latinoamericana”

Los Angeles, California, 1:57 AM

Portada

Me despierto de madrugada con una preocupación aguda. Ayer estuve leyendo Music and Urban Society in Colonial Latin America (Cambridge, 2010), editado por Geoffrey Baker (Royal Holloway, University of London) y Tess Knighton (University of Cambridge), cuyo antecedente directo es otro libro en lengua castellana titulado La música y el Atlántico. Relaciones musicales entre España y Latinoamérica editado por María Gembero Ustárroz y Emilio Ros-Fábregas (Granada, 2007).

Se trata del material utilizado por la Dra. Olivia Bloechl en su Seminario dedicado a los estudios postcoloniales en UCLA, al que espero asistir de oyente, así que por estar tratando de preveer el debate me ha asaltado en plena madrugada una preocupación conceptual básica ¿cómo se puede seguir hablando de música “colonial” latinoamericana? En este caso, alrededor de las acciones desarrolladas por la orden Jesuita durante el periodo colonial español en tierras del “Nuevo” mundo. Me preocupa aún más porque conozco el artículo de Geoffrey Baker titulado “Latin American Baroque: performance as a post-colonial act?”Me encuentro ante un complejo problema de Historia conceptual.

Veo con preocupación que se sigue reproduciendo una conjunción que es en sí misma una aporía, porque el concepto de “colonia” y la orden Jesuita están construidos sobre el paradigma del “sistema cortesano”, mientras que el de “Latinoamérica”, creado a mediados del siglo XIX, se debe al paradigma del “estado nacional” (Ver: Librosdelacorte.es/Artículos). Compruebo además en la bibliografía utilizada por los autores(as) una ausencia preocupante de los “estudios de corte”, línea de avanzada en las investigaciones históricas actuales, desarrollada por instituciones de investigación europeas agrupadas por The Court Studies Forum, que cuenta con The Society for Court Studies (Londres), el Centre Château de Versailles  (Paris), la Asociación L’Europa Delle Corti (Italia) y el Instituto universitario “La Corte en Europa” de la Universidad Autónoma de Madrid (IULCE-UAM), es más, Tess Knighton participó en el Congreso que el Forum realizó en Madrid el año pasado, organizado por el IULCE-UAM. En resumen, no se puede alegar desconocimiento.

Estoy ansiosa por conocer la opinión de la profesora Bloechl. Sin duda ya es hora de que los conceptos sobre los cuales se ha construido la mitología del “barroco latinoamericano” o la “música colonial latinoamericana” sean revisados críticamente por los especialistas. No se pueden continuar reproduciendo modelos que omiten un hecho básico: que la orden Jesuita era una orden cortesana, con funciones religiosas, políticas y educativas muy específicas dentro del  “estado confesional”, al igual que la orden Jerónima, Dominica o Carmelita. Los musicólogos históricos tienen que revisar la historia de los conceptos sobre los cuales basan sus análisis. En fin, este año se celebrarán dos congresos sobre el tema en Madrid (Ver: www.iulce.es).

Pero me temo que la tan defendidad “interdisciplinariedad” de la supuesta “comunidad científica internacional” no sea más que un simulacro fomentado por grupos y escuelas nacionales que se reúnen para repitir cada una su monólogo analítico, disputándose la hegemonía. –  Susan Campos Fonseca

Clasicismo moderno, neoclasicismo y retornos

Piquer Sanclemente, Ruth. Clasicismo moderno, neoclasicismo y retornos en el pensamiento musical español (1915-1939). Sevilla: Ed. Doble J., Colección Música, 2010.

Argumentar acerca de la importancia de investigar el pensamiento estético español parecía una tarea ajena a la musicología de catálogos y la etnomusicología folclorista, motivadas por nacionalismos que todavía hoy constituyen la base de la agenda patrimonialista de las comunidades autónomas y el gobierno central en España. La estrecha vinculación entre patrimonio e identidad nacional ha provocado que durante un siglo los estudios estuvieran centrados en la recolección y sistematización de datos, algo justo y necesario, pero que dentro del musicología y etnomusicología institucionalizadas no dejaba lugar al desarrollo hermenéutico e historiográfico más allá de la legitimación de “verdades” defendidas por líneas de investigación y figuras muy concretas.

Quizás por esta razón sorprende tan  positivamente la aparición en los últimos años de trabajos que, aunque respondiendo a la misma agenda patrimonialista, procuran un estudio interdisciplinar del pensamiento musical español. Entre ellos hay que destacar libros colectivos como el editado por Carlos Villar Taboada y Margarita Vega Rodríguez, tesis doctorales como las de María Palacios Nieto, Elena Torres Clemente y Leticia Sánchez de Andrés, premiadas por la Sociedad Española de Musicología Española (SEdeM), y la de Ruth Piquer Sanclemente, publicada en la Colección Música de la Editorial Doble J, cuyo Consejo editorial esta formado por Gemma Pérez Zalduondo (Universidad de Granada), Juan José Carreras (Universidad de Zaragoza), Manuel Pedro Ferreira (Universidade Nova de Lisboa) y Alejandro L. Madrid (University of Illinois).

Música para un ideal: Pensamiento y actividad musical del krausismo e institucionismo españoles (1854-1936) de Sánchez de Andrés (2009), dediqué una reseña publicada por las revistas internacionales Música y Educación e Hispanismo Filosófico, en ambos textos hacia una relación de trabajos pioneros dirigidos a la historia filosófica de la música en España, como los de Luis Robledo EstairePepe Rey entre otros. En esta ocasión quiero resaltar el invaluable aporte del trabajo de la Dra. Piquer Sanclemente, egresada de la Universidad Complutence de Madrid y actualmente Visiting Fellow en la University of Cambridge.

La autora explora las posibilidades de un análisis del pensamiento español en el marco de la historia de las ideas, ofreciendo un exhaustivo trabajo documental y enfrentando valientemente paradigmas y dogmas conceptuales. Su revisión de los términos “clasicismo moderno”, “neoclasicismo” y “retornos”, fundamentales para entender el pensamiento estético del siglo XX, así cómo de generalizaciones de tipo hegemónico aplicadas a los mismos, permite seguir en su disertación la historia conceptual de cada uno de ellos en el marco español y europeo sin reduccionismos. Sería importante una edición del libro en lengua inglesa, quizás de este modo el mainstream anglófono tendría la oportunidad de conocer otras historias del pensamiento musical más allá del relato eurocéntrico oficial.

Piquer Sanclemente logra construir un relato coherente donde filósofos, escritores, compositores y políticos coexisten retroalimentándose, el suyo es un estudio crítico que, al igual que los de Sánchez de Andrés, Robledo Estaire o Pepe Rey, permite recuperar una historia filosófica de la música en España, desde sus orígenes conceptuales e ideológicos, permitiendo, como indica la propia autora, “establecer su proyección historiográfica en décadas posteriores.” –  Susan Campos Fonseca

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Esta breve reseña ha sido publicada por el Portal Madri+d, bajo el título “Un estudio crítico de la historia filosófica de la música en España”, dentro de la sección Ciencia y literatura.
Y también en Madridiario.es

Cartografías sonoras. Del tambito al algoritmo. Una aproximación a la música en Costa Rica

3118928597_a168e56a6611Otto Castro (ed.): Cartografías sonoras, Editorial Perro Azul, San José, Costa Rica, 2008.

Un libro ambicioso que investiga y cuestiona la música en Costa Rica, desde el patrimonio construido hasta la práctica musical de hoy, su título: Cartografías sonoras. Del tambito al algoritmo. Una aproximación a la música en Costa Rica.
El libro incluye textos de musicólogos, pedagogos, y músicos de reconocida trayectoria, sus capítulos son: “Entre el pasado y el presente se construye la cultura tradicional de Guanacaste”, de Raziel Acevedo; “Música abierta, apuntes necesarios para la memoria, de Nerina Carmona; “La música electroacústica en Costa Rica”, de Otto Castro; “Cumbia en Costa Rica. el Swing Criollo”, de Bary Chaves Torres; “Una perspectiva de cambio social por medio de la música en la educación de la juventud costarricense del siglo XXI”, de Guillermo Rosabal; “Experiencia personal en un proceso investigativo musical del calypso limonense”, de Manuel Monestel, y un artículo sobre el rock nacional de Ana María Parra y Darren Mora.

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Reseña de Alberto Zúñiga publicada en el Suplemento Áncora del periódico LA NACION.

Música de corte y cultura popular hispana

 

Indios bailando en el patio de la chicheria Códice Trujillo, t. II,E.61

Indios bailando en el patio de la chichería Códice Trujillo, t. II,E.61

En la cuarta edición de la Colección Mousiké Logos de LA RETRETA, Germán Labrador y María Gonjal ,de la Universidad Autónoma de Madrid (UAM), mediados por Domenico Scarlatti (Nápoles, 1685 – Madrid,1757) y sus contemporáneos, nos introducen en la problematización de la música de corte y la cultura popular hispana, una relación de doble filo que actualmente motiva la actividad investigadora de musicólogos e intérpretes abocados a cuestionar el canon occidental “centroeuropeo” de la música escrita y oral vivida durante el siglo XVIII. Asimismo Susan Campos (UAM), entrevista a la Dra. Elisabeth Le Guin(UCLA)acerca de sus actuales investigaciones en relación al teatro y la música española de los siglos XVIII y XIX, así como su libro dedicado a Luigi Boccherini, compositor de la Corte de Carlos III.

(ACCEDER AL DOSSIER)

Colección Mousiké Logos © http://www.LaRetreta.net 2008, San José de Costa Rica, ISSN: 1659-3510.

Luc Delannoy: “El Espejo – Ensayos sobre la consciencia musical”

por Susan Campos Fonseca

Editora de la Colección Mousiké Logos

 

Hemos dedicado el dossier especial número tres de la Colección Mousiké Logos a la Filosofía y psicología cognitiva de la música, según el trabajo de Luc Delannoy, en su libro El Espejo – Ensayos sobre la consciencia musical, del cual, gracias a su generosa colaboración, publicamos una selección de extractos elegidos especialmente por el autor, acompañados por imágenes exclusivas de la artista visual y fotógrafa mexicana Noéemÿ, fundadora y directora  del Centro Cultural de Toluca Edo. (México), y del Centro Cultural Interlomas AC. Actualmente dedicada a la producción de su obra, expuesta en diversas galerías, museos y espacios culturales. 

Luc Delannoy

Luc Delannoy es filósofo y escritor. Creador del programa académico Neuroartes y fundador del Centro de Investigaciones en Neuroestética y Neuromusicología (CINNe). Delannoy es autor de varios libros publicados en Bélgica, Francia, Canadá, Estados Unidos y México. Su último libro El Espejo es una serie de ensayos sobre la conciencia musical, que aborda desde la neuroestética, neuromusicología y filosofía.

El Espejo esta compuestos por tres ensayos, “Ensayos I“, que incluye: Prólogo; Apuntes musicales; La improvisación como composición; Un inefable; Música como sustancia; Corromper el sonido musical; Música como verdad o conocimiento; Música – ¿valor único?; La música como forma vacía; El rol de la ejecución. Ensayos II”, que incluye: Entrar en la consciencia musical; Vivir la experiencia musical; Los caminos biológicos de la música; Escucha y experiencia de la escucha; Ser musicalmente consciente; Las representaciones; Los contenidos de las representaciones; Similitud en las representaciones; Biografía, reserva y expectativas; El reconocimiento; Naturalización de la memoria y de sus contenidos; Las cualidades de los contenidos; Repercusiones afectivas de las propiedades; La integración de la consciencia. Y “Ensayos III”, del cual presentamos varios extractos, integrado por: Introspección, subjetividades y alteridades; Subjetividad: la escucha; Subjetividad: la experiencia de la escucha; La introspección en sí; Introspección y escucha musical; Intuición empatica; La alteridad exterior; La alteridad interior; Yo y el otro en mi espejo; Neuronas espejo y música; El problema de la traducción verbal.

Actualmente en América Latina la Filosofía de la Música es una disciplina en crecimiento, representada por trabajos como los de Luc Delannoy (Bélgica-México), Marc Jean-Bernard (Francia-Colombia), Adolfo Vásquez Rocca (Chile), Jorge Fco. Maldonado Serrano (Colombia), Gabriel Castillo Fadic* (Chile), Federico Monjeau (Argentina), entre otros; y con el fin de poner a la disposición de nuestros(as) lectores(as) una muestra de estos trabajos, Mousiké Logos y LA RETRETA, en colaboración con la Asociación de Cooperación Iberoamericana en la Música -ACIMUS, publican estos ensayos de pensamiento musical.

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Colección Mousiké Logos © http://www.LaRetreta.net 2008, San José de Costa Rica, ISSN: 1659-3510.

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*_Recomendamos especialmente de Gabriel Castillo Fadic su libro Musiques Du XXeme Siecle Au Sud Du Rio Bravo: Images D’identite Et D’alterite, Hardcover, Harmattan, 2006, ISBN 2296009255 (2-296-00925-5). Y su artículo “Epistemología y construcción identitaria en el relato musicológico americano”, en la Revista Musical Chilena, jul. 1998, vol.52, no.190, p.15-35. 

“Claude Lévi-Strauss: miradas distantes”

Escuchar al renombrado antropólogo Claude Lévi-Strauss leyendo en 1971 el texto de su célebre obra “Raza y cultura” en la UNESCO y verlo pronunciar tres decenios después, en 2005, su última alocución en público en el mismo estrado… Por primera en su historia, “El Correo” recurre simultáneamente al sonido, la imagen y la escritura, para rendir homenaje a esta ilustre personalidad que va a cumplir cien años en 2008.

En este número especial, los lectores encontrarán también documentos inéditos y una antología de los artículos de Lévi-Strauss publicados en nuestra revista desde principios del decenio de 1950, así como fotografías y croquis realizados por él mismo en los años treinta, cuyos derechos de reproducción ha cedido amablemente a “El Correo”. Todos estos escritos y documentos vienen a ser otras tantas “miradas” a lo lejos, como las de su antología de artículos publicada hace 25 años con el título “La mirada distante”.  Más….

Encuentro Iberoamericano sobre Paisajes Sonoros

“El Paisaje Sonoro se mueve en un ámbito musical de planteamientos abiertos y pluridisciplinares con múltiples implicaciones y aplicaciones (composición musical, patrimonio inmaterial, pedagogía musical, geografía sonora, urbanismo sonoro.). Partiendo de una información y de conceptos básicos que permiten comprender la importancia y el alcance de este campo del sonido, las Actas de este primer Encuentro nos muestran las reflexiones y los logros de algunos de los principales grupos, artistas e investigadores que desarrollan esta actividad en España e Iberoamérica. Por todo ello el Instituto Cervantes, a través de su Centro Virtual, se hace eco de iniciativas como esta poniendo a su disposición las intervenciones de los ponentes.

Y Mousiké Logos los trae a LA RETRETA (Acceder)

El Legado de José Buenagu

Por Susan Campos Fonseca

José Buenagu (Fotografía cortesía de Jorge Molinera).

En la edición de la revista Opusmusica (marzo, nº 23, 2008) se publicó el artículo “El Legado de José Buenagu”; donde indiqué cómo mi objetivo era “dedicar un pequeño homenaje al Maestro español, cuyos 50 años de carrera artística merecen un especial reconocimiento”, por lo que anunciaba que realizaría dos artículos, el primero, dedicado a una presentación general de su persona y obra; y el segundo, dedicado a conversar con él acerca de su trabajo con la música española e iberoamericana, por ejemplo, su experiencia en el Latin American Music Center de la Indiana University, auspiciado por la Fundación Fulbright entre 1980 y 1981, y lo que se sumaría un recorrido teórico-práctico en el ámbito de una de sus especialidades, la música para cine, al que dedicó pocos años, pero donde obtuvo varios premios nacionales e internacionales (ver Colección Mousiké Logos). Pero pasado el tiempo,  llego a la conclusión de que “resumir” en unas pocas páginas más de 50 años de vida creativa es prácticamente imposible.

John Williams, The Seville Concert (José Buenagu, director)

No obstante incluyo una muestra de su trabajo como realizador y director, en este caso particular, una producción suya para el prestigioso Canal ARTS, al lado del prestigioso guitarrista John Williams. Espero que este conjunto permitan un acercamiento a la persona, al artista, al teórico y realizador español, a quien estoy profundamente agradecida por su generosidad y apoyo a este proyecto.

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Actualizado el 22/05/2011