ACCIÓN “DIVA”

DÉCIMA EDICIÓN DE LA SINERGIA PALMA CENTRAL

Cartel oficial de LAPIEZA International Contemporary Relational Art Series

Dedicada a Regina Fiz

Claudia Yepes (soprano), María Palacios (cello), ANAMUSMA (Junk Art)
Susan Campos Fonseca (dirección musical y artística)
Equipo Técnico: Jorge Molinera y Carlos González.

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“DIVA es la apertura de una propuesta relacional, está pensada como deslocalización temporal de la voz operística y su re-escenificación al servicio de  la performance (LA PIEZA press). La escenografía sonora de DIVA constituye una propuesta mnemotécnica basada en el “borrowing” (música sobre músicas), la improvisación “live-electronic”, y el junk art. Está integrada dentro de una Serie pensada como performance extensiva y acumulativa, un “©ALTAR”, compuesto por acciones de “feminismo queer”. La idea de este altar nació con la muerte de Amy W., al observar la naturaleza de los altares que brotaban alrededor de su casa y las dinámicas relacionales que crecían a su alrededor. Un estudio de este fenómeno y los revival vinculados con la figura de A.W. y su música, fueron aunando cuerpos de divas a cuya existencia trágica nuestra sociedad rinde especial tributo, como María Callas o Marilyn Monroe. DIVA constituye por lo tanto el “primer acto”, podría decirse, de un monodrama que explora la iconoclástica contemporánea basada no solo en el difícil equilibrio entre tradición e innovación, sino en el binomio Eros-Pathos. En esta ocasión, la acción se centra en la idea de la Prima Donna, de la Pop Star, de la “D-Queen”, como deidad contingente cuya figura, basada en el artificio y el deseo, alimenta imaginarios sociales.  Este es un proyecto de investigación trans-disciplinar, que invita a reflexionar sobre qué cuerpos son objeto de nuestra memoria, y cómo entendemos la historia de las mujeres a través de ellos.” – Susan Campos F.

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Performance operística+instalación relacional. La Acción DIVA abrirá además la presentación de una nueva instalación en LAPIEZA (SERIES 30+31+32), con obras de TOÑO CAMUÑAS, FRANCISCO MATEOS, ÁNGELA MONGE, LUIS PADRERA, LUCÍA C PINO, EDUARDO CAJAL, YREALYDAD, TOMOTO, ESLOMO, MANUEL MAQUEDA, MARISA CAMINOS, MARÍA ENRÍQUEZ, SEBAS BEYRO, y FREDRIK LUND.

DIVA en LAPIEZA (detalle "onírico"). Foto cortesía de Jorge Molinera©2011

“DIVA TEASER” by TOMOTO FILMS

Periodismo musical e ideología en Madrid

Portada.

Los señores de la crítica: Periodismo musical e ideología del modernismo en Madrid (1915-1959). Cascudo, Teresa & Palacios, María (eds.). Ed. Doble J, Colección Música, Sevilla, 2011, 436, páginas. (*)

La historia de la crítica musical en España, su vinculación e impacto ideológico en el marco de políticas culturales concretas, es al día de hoy un ámbito de investigación en desarrollo que afecta, -al ser las fuentes hemerográficas básicas en los estudios históricos-, directamente el discurso musicológico “oficial”, promovido desde las instituciones académicas y sus “repetidoras” en los medios de comunicación masiva. Por esta razón, la publicación de un libro colectivo dedicado al análisis de discursos ideológicos mediados por la práctica musical y su presencia en la vida pública del Madrid de entreguerras, es todo un acontecimiento.

Tal y como indican las editoras del volumen, la Profª. Drª Teresa Cascudo (Universidad de La Rioja) y la Profª Drª. María Palacios (Universidad de Salamanca), la investigación en este ámbito ha contado con la importante contribución de catálogos críticos, indexación de fuentes hemerográficas, y ediciones facsímiles, a las que se suma el proceso de digitalización en el que se hayan actualmente comprometidas las bibliotecas españolas, particularmente la Biblioteca Nacional de España y la Biblioteca Nacional de Catalunya, así como algunas universidades. Lo que, como bien indican en su “Introducción”, anuncia drásticos cambios en el desarrollo de las investigaciones basadas en documentación hemerográfica y su estudio comparado con otras fuentes, a fin de contrastar, en primer término, la información conservada.

Imagen de portada: Caricatura de Bagaría, publicada en El Sol el 5 de febrero de 1928.

En consecuencia, el argumento acerca de la falta de estudios que aborden de forma sistemática y pormenorizada estas fuentes, -a las cuales se puede acceder de manera cada vez más eficiente-, no sería suficiente si esta publicación se limitara a la descripción historiográfica tradicional. Siendo así, desde la “Introducción” la propuesta es analizar el contexto cultural de España durante este periodo (1915-1959), sus redes productivas a nivel empresarial, creativo e ideológico, que subsistían y a las cuales se vinculaba la figura de “el crítico”, que no era la misma en todos los casos. La construcción de esta figura, a la par que la de “el historiador”, resulta fundamental en este trabajo colectivo, especialmente al proponer un contrapunto con otras líneas afines de investigación en ciencias humanas y sociales.

Frente a los numerosos trabajos que discuten conceptos como “generación del 98”, “generación del 27”, “vanguardia”, “nueva música”, “modernismo” (en el sentido restrictivo asociado a Rubén Darío y su influencia) o “modernisme” y “noucentisme”. El libro propone un estudio del “modernismo hispano” y sus particulares redes ideológicas y estéticas. Difícil cuestión, ya que revisa líneas y grupos de influencia que han determinado, –en todos los sentidos de la expresión-, la creación musical en España. Revisando enfoques de análisis que hasta el día de hoy han dominado, y nunca mejor dicho, el estudio del pensamiento musical durante este período.

Se trata de un problema de estudio complejo, al que los artículos de Teresa Cascudo, Ruth Piquer, Francisco Parralejo, Belén Vega, María Palacios, Christiane Heine, María Cáceres, Eva Moreda, Igor Contreras, y Xosé Aviñoa, se enfrentan. Asumiendo el reto de estudiar la crítica musical como fuente para la investigación del pensamiento contemporáneo, durante un periodo dividido por eventos dramáticos: dictaduras, repúblicas malogradas, guerras mundiales, y finalmente la Guerra Fría. Considerando al “modernismo hispano” en su más compleja y amplia extensión. – Susan Campos Fonseca

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(*) El libro saldrá el breve, esta es una primicia.

“Barnum” vrs “fash food news”

Por Susan Campos Fonseca

Artistas del trapecio en el circo (cartel vintage).

El 11 de octubre se presentó en Madrid un libro que prometía la especial alquimia entre dos musicantes del pensamiento: Alessandro Baricco y Luca Chiantore. Justo hoy, 11 de noviembre (11/11/11), llego a ese punto en que dices: “tengo que escribir”. No es fácil escribir sobre Baricco, su prosa ha sido escuela para muchos de los que dedicamos tiempo de nuestra vida a la crónica de la Vida. Él es un maestro del género, penoso sería procurar analizarle. Releo entonces el prólogo “Música y espectáculo en la obra de Alessandro Baricco”. No siento la necesidad de agregar nada a lo escrito por Luca, como lector italiano que vive en el extrajero y conoce el mundo, ha sabido transmitir lo justo y necesario para abrir el libro. Luca, has sido un excelente “telonero”.

Ahora bien, cuando escribí mi reseña sobre la presentación en Madrid (“Baricco en la voz de Luca Chiantore”), sabía que algunos de los Barnum de Baricco quedaría ligados en mi memoria a la voz de su prologuista (y todo lo que eso significa). Por esta razón procuré prestar atención a otros detalles, porque los textos recogidos en ambas ediciones (italiana y castellana), componen un patrimonio, un legado de pensamiento contemporáneo.

Portada de la edición castellana.

Al leer los Barnum de Baricco, se confirma que una crítica, una reseña, una crónica, una nota de opinión, -como queráis-, puede ser más que “fash food news”. No quiero hablar de “superioridad moral” o “criterios de autoridad”, está claro que el periodismo profesional y los especialistas usan este argumento hasta la saciedad, especialmente cuando no les llaman para escribir tal o cual crónica… y bueno, que la gran mayoría, -con perdón-, aprovecha para hacer política en pos de que le vuelvan a invitar. Lo que no es nuevo, es más, parece que no hay crítica sin política.

Sin embargo, Baricco nos enseña que tener una postura política (cuando “lo personal es político”) no implica hacer propaganda, y eso, de manera muy agasajada y perfumada, es la crítica hoy: publicidad, para ser más exactos. Con diferencia, las crónicas de Baricco recuerdan un tipo de escritura musicante, son pensamiento musicado, lúcidos sin necesidad de cinismo… como el circo. Sus Barnum demuestran que otra crítica es posible… demasiado cercana a la literatura, -pensarán algunxs puristas “seudo-científicos”-, quizás, pero tomo partido por Baricco.

Serie Supertoys "Barbie" por Limber Vilorio (LAPIEZA).

Podría hablar de mis Barnum favoritos, de lo visionario que resulta en algunos textos, -en consonancia con las circunstancias históricas en que escribió (los 90s)-, pero prefiero quedarme en decir que este libro es presente. Para quien quiera recordar, pero no con nostalgia, que hubo una época en que existían algunos seres a los que se llamaba “intelectuales”. Hoy, con tantos “ismos”, “post-post”, y “neo-neos”, nos los venden como “gurús” envasados cual muñecas Barbie en botellas de Coca-Cola, -con su postulación al Nobel (u otro premio), por supuesto-, son “supertoys”. Y con el tema “Crisis” más todavía… citando a Baricco, es como en el caso de La Scala, porque: “Es triste que un teatro muera por falta de dinero. Pero todavía es más triste si se le mantiene con vida por falta de fantasía, de alternativas, de proyectos mejores. Cuando esto ocurre, sí que es el verdadero fracaso. Mirad a vuestro alrededor:  está ocurriendo.” (Barnum, p. 166) ¡Alternativas señorxs! ¡Alternativas! más “Barnum” y menos “fash food news”.

Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias “Fallen Diva”

“Fallen Diva” de Andrew Stevovich (1981-82).

El Centro de Estudios Brasileños y el Departamento de Didáctica de la Expresión Musical, Plástica y Corporal de la USAL ofrecen, el próximo 16 de diciembre, la conferencia titulada “Políticas de la memoria en el Jazz Latin©: Eliane Elias ‘Fallen Diva'”, impartida por la Dra. Susan Campos Fonseca, de la Universidad Autónoma de Madrid. La conferencia propone una introducción interdisciplinar que combina el estudio del jazz en Latinoamérica y en las comunidades latinas de los Estados Unidos, añadiendo a esto su relación con España. La conferencia plantea las siguientes preguntas: ¿es el jazz latino una audiotopía, un espacio simbólico construido en sonotipos a través de performances sociales? Más aún, tratándose de una forma de arte que rinde culto al instante, a la poiésis del sí mismo/a ¿Qué sucede cuando se trata de un tipo de latinidad que no está ni propiamente dentro ni propiamente fuera, cuando el caso es “una mujer actual, rubia y pianista de jazz”, brasileña residente en Nueva York: Eliane Elias ¿Qué ocurre cuando un icono del jazz latino coincide con un icono del jazz estadounidense: Diana Krall. Cuando ideas sólidas sobre músicas se vuelven líquidas. Susan Campos Fonseca, filósofa de la cultura y directora musical, expondrá al debate estas y otras preguntas durante la charla que ofrecerá en el Palacio Maldonado, a partir de las 12:00 horas. La entrada es libre hasta completar el aforo. (Leer más)

*CEB_USal_AGENDA*

TRABAJOS RELACIONADOS:
-CAMPOS FONSECA, Susan.  “Four Women de Nina Simone: el cuerpo como memoria”. En: ITAMAR. Revista de investigación musical: territorios para el arte,  Año 2010, Nº 3, Valencia: Rivera editores/Universitat de València, pp. 167-175.
– CAMPOS FONSECA, Susan. “¿Una habitación propia en el “Jazz Latino”?”. En: IASPM@Journal, Vol. 1, Nº2 (2010).
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“Feminism is Queer” de M. Marinucci

Por Susan Campos Fonseca

Part I (29/10/2011)

Este es un proyecto de reseña seccionada ligado a un proyecto de exploración personal, relacionado con una crisis de fe. Lo digo así, porque durante los últimos años mis investigaciones en la línea de los estudios sobre las mujeres y la música me han llevado por múltiples callejones, desde donde han emergido máscaras de diversa índole, activismos específicos y sobre todo luchas de poder personalizadas. No entraré en detalles ahora, lo importante es la consciencia que tengo de que entre los “Clubes de Señoras” y las asociaciones de “lucha por la igualdad de género en la cultura” existen diferencias generacionales y de poder adquisitivo, pero no de mentalidad.  Conocido es el debate entre los llamados feminismos “de la igualdad” y “de la diferencia”, pero su perfil esencialista, por más filósofas y críticas literarias prestigiosas que los respalden, funciona en una dirección: la del poder (sea de izquierdas o derechas, hasta aquí llega el dualismo). Lo escribo y asumo las consecuencias, porque este NO ES EL CAMINO que, por convicción, debe seguir una Musicología feminista que pretenda ser coherente con los tiempos que corren, o cualquier otro “contratiempo” (como diría Geneviève Fraisse) que les venga al encuentro.

(portada)Por esta razón he decidido detenerme un momento a contemplar el panorama, para meditar las opciones, más aún si pretendo seguir en esta línea de trabajo. Así llegué al libro de Mimi Marinucci Feminism is Queer. The intimate connection between queer and feminist theory (2010). La autora expone el determinismo biológico y “de género” que marca las construcciones socio-culturales desde el paradigma del “deseo sexual” (citando a Jagose, 1996, p.3, en p. 61), porque, y resumo, pareciera que finalmente todo tiene que ver con “los sexos” de la cultura, en primer, segundo y tercer grado, según dicta la norma del “biopoder” (citando a Beatriz Preciado).

Esto no es nuevo, pero resulta revelador que la autora, en su proyecto crítico orientado hacia la alternativa de un “feminismo queer”, utilice como ejemplo el Michigan Womyn`s Music Festival (pp. 53-63), enfrentado al activismo feminista con el transfeminismo ¡magnífico! evidenciando así lo que tanto me interesaba: las aporías éticas y estéticas de los estudios sobre las mujeres en la música.

Pero poco a poco, voy por la mitad del libro, así que me quedo con esta inquietud: así como “lo femenino” NO ES igual a mujer y “lo masculino” igual a hombre,  “lo queer” no es igual a homosexual, lesbiana, bisexual y/o transexual ¡Herejía! No, afirma Marinucci. Esencialismo dualista sí, y nuestra sociedad es esencialista, incluso cuando habla de “tercer sexo”. Sin embargo, “(…) By challenging the binary in this manner, queer theory is capable of resisting esencialism while simultaneously affirming the experiences of people for whom the established categories are problematic as well as people for whom the established categories are relatively unproblematic” (Marinucci, p. 61).

Sigo leyendo….

Part II (05/11/2011)

Terminada una primera lectura del libro, -me gustaría volver a repasarlo-, resumo cómo Marinucci propone un recorte “contextual” del Feminismo, acotado a la versión anglosajona por “waves” (olas), la primera y segunda, en secuencia histórica occidental, relacionadas ambas con el movimiento de “Liberación de la mujer”, y la tercera, con el llamado “pluralismo”, es decir, bordeando el sentido “occidental-judeo/cristiano-blanco-heterosexual”, para resumir muy grosso modo. Marinucci llega a esta “tercera ola” y cito: “Finaly, postmodern feminism and third-wave feminism both have been associated with feminist theory, feminist ethics, and feminist epistemology, and both warrant some discussion. With addition of postmodern feminism and third-wave feminism, the inventory of the various articulations of feminism now includes liberal feminism, Marxist feminism, radical feminism, socialist feminism, multicultural feminism, global feminism, ethics of care, ecofeminism, feminist empiricism, feminist standpoint theory, postmoderm feminism, and finally third-wave feminism.” (p. 86). Entre tantos “ismos”, la autora procura resumir las interconexiones entre ellos a nivel histórico e ideológico, para concluir que “postmodern feminism overlaps with both third-wave feminism and queer theory”. (p. 96). Esta claro que este es un discurso centrífugo y de relevos generacionales, pero la “pluralidad” expuesta por Marinucci obliga a una revisión de lo que entendemos por “Feminismo”, y “lo queer” de esta línea de pensamiento dentro de las espirales del activismo mediático y académico.

Ahora bien, es en la última parte de su libro (Sección IV), donde la autora, ¡al fin!, nos habla de qué entiende por “Queer Feminism”. Durante toda la obra nos ha introducido cada sección con epígrafes de L. Frank Baum y su mundo de Oz, donde la palabra “queer” es utilizada de un modo poiético (creador) especialmente relevante para la autora. En este último apartado nos dice: “Dorothy (…) which promised to be just as queer and unusual as were those she had before encountered.” (L. F. Baum, Dorothy and the Wizard in Oz, en Marinucci p. 103). Pero considerando su concepción teórico-teleológica “de relevos”, sus citas de Baum me remiten más a las fotografías de Annie Leibovitz para Vogue.

A. Leibovitz y K. Knightly recrean para la revista "Vogue" (Dic. 2005) el mundo de Oz.

En sus notas hacia un “feminismo queer” la dirección de Marinucci parece estar tomada. Sin embargo esta última sección es declaradamente experimental, no encontrando la precisión que esperaba. Pero el punto de partida es evidente: el feminismo como línea de pensamiento y acción ha sido y es, desde un principio, un movimiento “queer”. Enfrentado a “lo normativo” en diferentes momentos y lugares, desde distintas perspectivas y necesidades sociales, políticas, culturales, éticas, étnicas, sexuales, etc. Marinucci concluye: “Cultural jamming, radical cheerleading, and zine making are just three examples of queer feminist practice within popular culture.” (p. 111). Un Apéndice de términos y conceptos cierra el libro.

Muñecas "vintage" de Oz

Este es un trabajo introductorio, por algo había que empezar. La autora resume un estado de la cuestión difícil de acotar y nos provee de una perspectiva: el feminismo es queer como intervención a “lo normativo”, apropiación “no normativa” de “lo inapropiable” y “lo inadecuado”… pero, una vez más, la naturaleza centrífuga de los conceptos nos atrapa. Me temo que tratamos con feminismos “de muñecas”. No obstante, contemplo la posibilidad de un “feminismo queer” que vaya más allá del disfraz.

Entro en el mundo de OZ, pero ¡atención! no todxs somos Dorothy, ni “lo queer” del mundo de Oz, es evidente que no vamos “Over the Rainbow“…

Baricco en la voz de Luca Chiantore

BARNUM en las vitrinas de El Argonauta, Madrid.

Ayer martes 11 de octubre visité la Librería de música El Argonauta, presentaban  Barnum: Crónicas del gran show musical, primera traducción al castellano de escritos escogidos de un autor de culto, Alessandro Baricco. Algo me decía que no sería una “típica” presentación siendo Luca Chiantore, realizador de la selección y prólogo, responsable del evento. Lo que no me esperaba, -incluso conociendo la profundidad del pensamiento de Luca-, era que tendríamos la oportunidad de escuchar a Baricco en su voz, traído a la vida mediado por la experiencia íntima de una lectura personal, vivificante, tan extrema en su fuerza humana que debo confesar, me conmovió. No puedo decir que la presentación fuera una conferencia, porque el apelativo académico del término desvirtuaría lo que fue un acto de generosidad intelectual y humana, de una persona comprometida con la creación vital.

Conmovida, así salí de la presentación de Barum. No debía sorprenderme, es verdad, siendo Luca Chiantore quien daba voz a Baricco entre nosotros. Sin embargo, en tiempos como los que estamos viviendo, los escritos que leía con tanta convicción ribeteaban el contorno luminoso de un camino que, entre tantos discursos sobre la crisis actual, dejaba entrever cómo la peor de las crisis es la humana, la ética. Nuestro tiempo contempla extasiado cómo la flama de la “sociedad de bienestar” titubea inminentemente… al menos eso parecía hasta que escuché a Luca dar voz a esos pequeños trozos de memoria que salían a la luz dinamizados por una energía sonora, vibrante de vitalidad como brotes de otras flamas que, no hijas de la flacidez, -como esa que se contonea débilmente-, recordaban una fuerza que sigue estando allí, latiendo con lucidez… si, Lucidez, magnífica palabra.

BARNUM (portada)

En otro momento hablaré del libro per se, el cual espero reciba la atención y lecturas ya no que merece, sino que nuestra sociedad necesita. Porque este no es un libro balsámico ni muchos menos, ya lo sabrán quienes conocen a Baricco, no diré obviedades.  Este libro es un regalo, pero a la vez un arma, o mejor dicho, una fortaleza para quienes sepan encontrar en sus páginas el camino para la resistencia en “This Hard Land”, porque, como cantó The Boss, citado por Baricco: Well if you can’t make it stay hard, stay hungry, stay alive if you can.

Gracias Baricco, gracias Luca.

Susan Campos Fonseca
Madrid, 12 de octubre de 2011
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VIDEOS EN EL ARGONAUTA

Homenaje anónimo y en silencio

"A TODAS LAS MUJERES QUE SILENCIOSAMENTE HAN CONSTRUIDO LA HISTORIA" (placa, der.)

Plaza de Sol, Madrid, 11 S/2011

Un 11 S más (?!)

La mañana ya pasada de un 11 de septiembre de 2001, crucé la calle que separa el campus de San Pedro de la Universidad de Costa Rica y la famosa “calle de la amargura”. Iba a sacar fotocopias de partituras, debía preparar mi repertorio. Estaba iniciando la carrera profesional, tenía la oportunidad de vivir en la capital y como es de imaginar en mi cabeza se acumulaban los proyectos por realizar. Pisé la esquina de la heladería “Pops”, al lado había una pequeña reprografía a puertas abiertas, subí el único escalón que separaba la entrada de la acera y deposité las partituras sobre el mostrador de madera. Cuando levanté la vista para responder al joven que iba a atenderme, mis ojos se quedarón perplejos ante la pantalla de un televisor ubicado al fondo del pequeño local.

Todos nos quedamos atónitos… ¿qué estábamos mirando? ¿qué presenciábamos? El silencio se apoderó de todos, nadie sabía qué pensar, la fragilidad de la vida nos había tocado a miles de kilómetros de distancia… me reuní con un grupo de compañeros en la cafetería de la Escuela de Artes Musicales, observábamos la repetición de la noticia una y otra vez, callados, disciplinados, tratando de considerar las opciones…. Hoy, 10 años después, ese camino que recuerdo ha cambiado, pero vuelve a mi memoria cada vez que me pregunto ¿dónde estaba ese 11 S? porque el mundo cambió, lo hicimos todos. Hoy es un día para recordar que todos somos vulnerables, pero también que las víctimas del terror no han desaparecido, que otras guerras se libran… que nos debemos al mundo que sobrevivió entonces, y que más allá de las paranoias que acarrean  con sus muertos,  los vivos somos responsables, responsables de rendir tributo a la PAZ.

Susan Campos Fonseca
Madrid, 11 de septiembre de 2011

El hoy como performance según Vinila

El cuerpo como memoria (6)

Por Susan Campos Fonseca

Vinila por G. López Mañas para The Secret Carnival (2010)

Sumándose a otras agrupaciones de Europa y Estados Unidos exploradoras y cómplices de ese rockabilly underground al que me aficiono cada vez más, Vinila von Bismark y el trío madrileño The Lucky Dados, han conseguido un buen trabajo con su disco The Secret Carnival, aunque en vivo no resultan tan convincentes. Sin embargo reconocimiento no les falta, así que no me detendré en este aspecto(1).

La granadina Irene López Mañas (alias Vinila), encarna en sus complejos performance un tipo de transgresión cuya carga histórica y fuerza erótica merecen un estudio riguroso, del cual comparto aquí algunos matices. Porque lo felliniano de su espectáculo requiere no solo de la musicología feminista, sino de esa musicología queer todavía ausente en España (2), así que nos queda mucho por hacer. En síntesis, no basta decir que lo de Vinila es “marketing” y cruzarse de brazos. Los videos de “Evil Circus” junto a The Lucky Dados, dirigido y escrito por Ana Ibañez Lario (ANICASKLUS) en colaboración con la dirección fotográfica de Gustavo López Mañas, al igual que “I`m a man”, donde comparte protagonismo con Olga Blanco, son dos excelentes ejemplos. Se necesita aquí de una rigurosa investigación capaz de degustar la alquimia carnal mediada por la música entre cine, fotografía y moda.

Vinila rubia platino en "Body Love" (Cosmopolitan, detalle) y en graffiti

El icono construido por Irene aúna no solo la estética de la pin-up y la modelo erótica a lo Dita Von Teese, sino que parece haber encontrado la fórmula entre von Teese y Marilyn Mason. La poesía de lo monstruoso toma forma en cómo Vinila esculpe cada uno de sus gestos, cargados de perfumes que me recuerdan a las Flores del mal… y como no, a la Dietrich. Allí es donde mi problema de investigación sobre el cuerpo como memoria hace migas como Vinila, porque su manera de entender la estética de posguerra es realmente magistral. Decadencia y glamour afloran como rosas envenenas en sus tatuajes, pero su voz es el peor veneno. Los gestos de su boca desgarrada por el rojo han sido perfectamente representados en un graffiti, donde el rostro de Vinila desvela su naturaleza oscura de guasón. Lo que me recuerda la campaña de Cosmopolitan “Body Love”, donde ya no como lobo entre corderos, sino divinidad lúcida entre borregas, con su gesto pone en evidencia la parodia de la campaña en sí y todo lo que representó en su momento, al igual que los controvertidos fotoreportajes de Vogue sobre mujeres profesionales de la clase política española.

Podría decirse que la política es un cigarrillo en la boca pintada de Vinila. La protesta contra “el R€gimen” no se hace solo en la Plaza de Sol, el cabaret, como en su época dorada, desvela también “trapos sucios” entre plumajes y sedas. La democracia occidental, ese circo moderno de pactos bancarios, al igual que en tiempos pretéritos, tiene en las descendientes de Magdalena la fuerza suficiente para poner en evidencia a los “apóstoles”.

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(1) Aunque lamento la “colaboración”, si es que puede llamársela así, de Vinila en “The Hole”, un espectáculo cuya idea y dirección artística dejan mucho que desear, y donde Vinila solo participa como parte del elenco… No obstante asistí para verla, me encantó encontrarla en la puerta del Teatro, recibiendo al público, actuando desde el primer momento…
(2) Con excepciones como algunos trabajos de María Palacios.

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LLEGO AL POST NÚMERO 50 DE MOUSIKELOGOS! QUÉ MEJOR FORMA DE CELEBRARLO!

Psychobilly Barbie

El cuerpo como memoria (5)

Por Susan Campos Fonseca

La estética de posguerra en sus diversos revival está cada vez más presente en nuestra vida cotidiana, un ejemplo es el Rockabilly, acompañado de su versión “dark” el  Psychobilly. Lo encontramos en el arte (Toño Camuñas, Enric Delpueblo)  y la moda (de Zara a Chanel), por ejemplo. La fuerza expresiva de las estéticas e ideologías recogidas por este movimiento, especialmente en su representación de la mujer y el “empoderamiento” que genera, supone tipos que re-significan fetiches relacionados con “lo femenino”, la sexualidad, la violencia, y la muerte.

Patricia Day (2009)

Figuras como la fallecida Amy Winehouse (ver Serie), Patricia Day, Imelda May, Clare Maguire o Vinila Von Bismark, cada una en su particularidad, exponen a un colectivo cuya singularidad revierte en el revival  y el “vintage surrealista”. Productos que, en una sociedad reciclada post 11 S, asumen el Terror y la Crisis como vivencias estéticas en la vida cotidiana. Surrealismo del Horror que retoma el grito dadá del “¡Basta!”.

Los cuerpos son mapas de la memoria, las Pin-Up que decoraron los bombarderos son encarnadas por muñecas Barbie. Ese icono del “think pink” que figuras como Patricia Day deconstruyen incluso cuando reproducen su propia imagen (como en la controvertida Rockabilly Barbie del Hard Rock Cafe). La cultura del consumo se consume a sí misma y renace de la autofagia en voces de mujeres cubiertas de perlas, tatuajes y trozos de carne. Lady Gaga es uno de los casos de esta cultura antropófaga, como lo sigue siendo Madonna en sus camaleónicas facetas. Ellas también asumen variantes de la estética Pin-Up, del cine negro, de género y la ciencia ficción, engrosando las narrativas contemporáneas devenidas de posguerras acumuladas.

"Barbies" según Princess in the Shit (Serie "Pink")

El “espacio musicado” por estas voces es banda sonora para la incertidumbre de los tiempos, pero a su vez, la certidumbre del nacimiento y la muerte. La vida, punto intermedio, como el lápiz de labios y las uñas, subraya con el color de la sangre el canto de estas sibilas contemporáneas. Princesas de cera, zombies, heroínas irónicas de amazonías urbanas, asumen con voluptuosidad la vanidad y el hastío.

Como Maite Dono en su “CHRISTIEPASSION” (2010) : “[…]Voy a escribir lo que siento/Mejor que vivirlo, es esto/Ser una tarada victoriana/Nunca sentir tanto en la vida/Como en un puto papel muerto/[…]”. Víctimas del “paraíso” de la llamada “sociedad de bienestar”, en su caída encontramos nuevas formas de enfrentar el abismo, cuando la oscuridad es una luz tenue que se mantiene vigilante. Cuando el abismarse de la experiencia aporética del tiempo es una singularidad que rompe el equilibrio racional de la desesperación.

Patricia Day y HorrorPops (2006)

Psychonilly Barbie que emerges para señalar con el dedo a tu creador (Elohim del deseo mortal), preguntas una y otra vez ¿qué es la realidad? ¿qué es real? ¿realmente importa? Si. Los monumento caen y las ruinas emergen, pero sigue importando. La Material girl reivindica “la piel que habita”, porque en ella respira “la tentación de existir”, el aquí y ahora del violento estar vivo.